Color y geometría audaces en la pintura de Gillian Ayres

La aclamada artista británica de arte abstracto Gillian Ayres ha estado creando arte profesionalmente durante casi 70 años. Desde que se graduó en la Escuela de Arte Camberwell en Londres en 1950, nunca ha abandonado su única pasión pura: la pintura. Incluso en medio de tendencias globales como el Arte Conceptual, el Arte de Performance, el Arte de la Tierra, el Arte de Instalación y el Arte Multimedia, cada una de las cuales cuestionaba la relevancia de su obra, Ayres se mantuvo dedicada a la sencilla propuesta de crear imágenes con pintura. Su obra siempre ha sido abstracta, aunque su estilo ha evolucionado continuamente. Cuando se le pregunta sobre el significado de su obra, o cuál fue el impulso para alguna obra en particular que ha creado, desvía la conversación de las palabras. “Es una experiencia visual,” dice, “no literaria.”

Una Cierta Irritación

Al hablar de sus primeros días en la escuela de arte, Gillian Ayres adopta un aspecto algo astuto. Recuerda que le desagradaban profundamente los métodos de enseñanza de muchos de sus profesores. Ella y los demás estudiantes debían pasar días enteros concentrados en cosas como dibujar repetidamente una parte del cuerpo de un modelo o esbozar una escena frente a un café de Londres. Percibía la repetición y la precisión incansable como algo mundano. Anhelaba descubrir el arte Modernista y abstracto, y crear el tipo de arte que la hiciera sentir viva, vibrante y libre.

Se describe a sí misma en esos días como subversiva. Sin embargo, ha dicho, “No es una ambición ir contra la corriente. No creo que hubiera un deseo de ser subversiva. Creo que simplemente uno se sentía irritado.” Esa irritación fue finalmente validada a principios de los años 50 cuando encontró por primera vez la obra de Jackson Pollock. Las imágenes que vio de él trabajando en el suelo, manejando la pintura de manera suelta, activa y viva, la inspiraron, y supo de inmediato que quería ser libre así. Hasta hoy Ayres considera a Pollock una gran inspiración; no porque copiara su técnica, estilo o la apariencia de su obra, sino porque él le mostró un camino para salir del lío clásico.

Gillian Ayres - Destilación, 1957. Pintura al óleo y pintura doméstica sobre tablero duro. 84 x 60 pulgadas. © Gillian Ayres

Una Verdadera Vocación

Recién animada, Ayres pasó los años 50 desarrollando un estilo abstracto dinámico y vibrante. Pero aunque su obra le trajo el respeto de otros pintores, y en pequeña medida del público, el Modernismo y la abstracción aún no eran ampliamente aceptados en Gran Bretaña. Había expuesto y vendido un pequeño número de pinturas, pero el éxito económico le fue esquivo. Así que aceptó con gusto cuando le ofrecieron un puesto temporal como profesora en la Academia de Arte de Bath, una escuela de arte conocida por ser progresista. Terminó quedándose en Bath durante siete años, luego pasó a dar clases en la Escuela de Arte Saint Martin durante 12 años, y a dirigir el departamento de pintura en la Escuela de Arte de Winchester durante tres años.

Mientras enseñaba, Ayres continuó evolucionando su estilo. Experimentó con formas biomórficas, exploró una variedad de paletas de colores y osciló entre obras pictóricas con impasto y superficies planas. Y su reputación como rebelde creció, mientras seguía defendiendo firmemente la pintura cuando casi todos sus colegas dirigían a sus estudiantes hacia otros medios más contemporáneos. Pero a finales de los años 70 tuvo un momento de claridad. Tras casi morir por un caso de pancreatitis aguda, se dio cuenta de que a pesar de su éxito como educadora, lo único que realmente quería era pintar. Rápidamente terminó su carrera académica y se mudó al campo de Gales para dedicarse a tiempo completo a su arte.

Gillian Ayres - Atracción, 1963. Óleo sobre lienzo. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Color y Forma

Recién rededicada, Ayres se sumergió en su amor por la pintura. Ya se había inclinado hacia un estilo más impasto y texturizado, y ahora su obra se volvió aún más pictórica, más táctil y más exuberante. Usaba sus manos desnudas para manipular la pintura, conectando directa y personalmente con las superficies. Sus pinturas de esta época parecen terrenos primordiales para nuevas relaciones de color y formas inimaginadas. Innumerables posibilidades brotan de las composiciones extáticas, logrando de alguna manera armonía a pesar de su complejidad.

Fue alrededor de este tiempo que Ayres se dio cuenta de que ya no le interesaba el tono. No quería nada de tonos apagados ni matices de color. Quería intensidad. Y junto con su enfoque en el color vibrante y puro, también comenzó a inclinarse hacia un uso más figurativo de la forma, endureciendo sus líneas y permitiendo que campos más grandes de color habitaran sus composiciones. Un sentido de calma y confianza emergió en sus pinturas, quizás relacionado con una vida ahora dedicada a la contemplación constante del trabajo esencial que sentía que había nacido para hacer.

Gillian Ayres - Eolo, 1987. Óleo sobre lienzo. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Una Nueva Geometría

Durante los años 90 y principios de los 2000, Ayres continuó evolucionando hacia un sentido de formas reconocibles en sus composiciones. Aparecen y desaparecen indicios de objetos naturales, como una luna o un sol, una línea del horizonte o una variedad mundana de formas semejantes a un banquete sobre una mesa o flores en un campo. Algunas de sus composiciones coquetean con formas y patrones geométricos, aunque solo en fragmentos. Pero no es tanto una figuración realista lo que ha surgido en sus obras más recientes, sino que es como si un lenguaje visual abstracto figurativo se hubiera impuesto, similar a lo que ocurrió cuando Matisse, en la última fase de su carrera, desarrolló sus icónicos recortes de bordes duros.

Este lenguaje visual resulta particularmente adecuado para la técnica de la estampación, que desde hace tiempo interesa a Ayres. En los últimos años ha disfrutado haciendo grabados y xilografías durante los meses de invierno en su estudio. Los colores en sus grabados son más vibrantes y puros que nunca, creando relaciones audaces que sorprenden al ojo con su presencia dinámica. Se refiere al proceso de estampación como algo que conecta con el impulso de reproducir. Pero a pesar de su cualidad esencialmente reproductiva, tiende a añadir elementos pintados a mano en muchos de los grabados que realiza, haciendo que cada obra sea única. Esta fusión de procesos mecánicos y pintura manual resulta en una mezcla estratificada de texturas.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Aguatinta y aguafuerte con carborundo (carburo de silicio) y pintura a mano sobre papel. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Innovación Sin Límites

En una época en que la tecnología y las prácticas multimedia parecen estar al frente de cada feria de arte y bienal, y cuando las obras abiertamente sociales, culturales y políticas acaparan gran parte de la atención de los medios, es un logro que Gillian Ayres haya seguido demostrando que la pintura abstracta siempre es relevante. Ha resistido la presión de innumerables modas, manteniéndose fiel a su simple amor por el color, la forma, la superficie y la pintura. En la tradición de los maestros modernistas que la inspiraron, como Picasso, Matisse y Miró, Ayres ha demostrado el valor de la pintura mostrando simultáneamente cuán simple y cuán variada puede ser.

Y sin embargo, a pesar de su amor decidido por el medio, su visión estética y sus hábitos han progresado continuamente. Ha trabajado con diversos medios pictóricos, explorando y abrazando la especificidad de cada uno. Y al ampliar su práctica para incluir procesos de estampación, ha ampliado los límites de la pintura siempre que ha podido. Se ha demostrado compleja, y sin embargo al reducir los elementos de la pintura a color, forma y espacio ha enseñado a múltiples generaciones de espectadores a simplemente mirar. “Uno se preocupa terriblemente, de una manera inquieta,” dice. “Quiero encontrar algo, y quiero que mis pinturas sean edificantes, pero no creo saber cómo terminar un cuadro, y tampoco sé cómo empezar. A la gente le gusta entender, y desearía que no lo hicieran. Desearía que simplemente miraran.”

Gillian Ayres - Lago Finnegan, 2001. Aguatinta y aguafuerte con carborundo (carburo de silicio) y pintura a mano sobre papel. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Imagen destacada: Gillian Ayres - Amanecer (detalle), 1960. Óleo sobre lienzo. © Gillian Ayres
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio