Color y geometría audaces en la pintura de Gillian Ayres

La aclamada artista abstracta británica Gillian Ayres ha estado haciendo arte profesionalmente durante casi 70 años. Desde que se graduó de la Camberwell School of Art en Londres en 1950, nunca ha vacilado en su única pasión pura: la pintura. Incluso en medio de tendencias globales como el Arte Conceptual, el Arte de Performance, el Arte de la Tierra, el Arte de Instalación y el Arte Multimedia, cada una de las cuales desafiaba la relevancia de su trabajo, Ayres se mantuvo dedicada a la sencilla proposición de crear imágenes con pintura. Su trabajo siempre ha sido abstracto, aunque su estilo ha evolucionado continuamente. Cuando se le pregunta sobre el significado de su obra, o cuál fue el impulso para alguna obra en particular que ha creado, desvía la conversación de las palabras. “Es una experiencia visual”, dice, “no una literaria.”

Una cierta ratitud

Al hablar de sus primeros días en la escuela de arte, Gillian Ayres adopta una especie de aspecto astuto. Recuerda que se sentía completamente desanimada por los métodos de enseñanza de muchos de sus profesores. Ella y los otros estudiantes estaban obligados a pasar días enteros enfocados en cosas como dibujar repetidamente una parte del cuerpo de un modelo o esbozar una escena frente a un café de Londres. Percibía la repetición y la incansable precisión como mundanas. Anhelaba descubrir el arte modernista y el arte abstracto, y crear el tipo de arte que la hiciera sentir viva, vibrante y libre.

Ella se describe a sí misma en esos días como subversiva. Sin embargo, ha dicho: “No es una ambición ir contra la corriente. No creo que hubiera un deseo de ser subversiva. Creo que uno simplemente se sentía inquieto.” Esa inquietud fue finalmente validada a principios de la década de 1950 cuando se encontró por primera vez con el trabajo de Jackson Pollock. Las imágenes que vio de él trabajando en el suelo, manejando la pintura de una manera suelta, activa y viva, la inspiraron, y supo de inmediato que quería ser libre así. Hasta el día de hoy, Ayres considera a Pollock como una gran inspiración; no porque copiara su técnica, estilo o la apariencia de su trabajo, sino porque él le mostró un camino hacia la ruptura con el desorden clásico.

Gillian Ayres - Destilación, 1957. Pintura al óleo y pintura de casa sobre tablero duro. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Una verdadera vocación

Reforzada por su nuevo impulso, Ayres pasó la década de 1950 desarrollando un estilo abstracto dinámico y vibrante. Pero aunque su trabajo le trajo el respeto de otros pintores, y en menor medida del público, el Modernismo y la abstracción aún no eran ampliamente aceptados en Gran Bretaña. Había expuesto y vendido un pequeño número de pinturas, pero el éxito financiero se le escapaba. Así que aceptó con gusto cuando le ofrecieron un puesto temporal para enseñar en la Academia de Arte de Bath, una escuela de arte conocida por ser progresista. Terminó quedándose en Bath durante siete años, luego se trasladó a dar clases en la Escuela de Arte de Saint Martin durante 12 años, y a dirigir el departamento de pintura en la Escuela de Arte de Winchester durante tres años.

Mientras enseñaba, Ayres continuó evolucionando su estilo. Experimentó con formas biomórficas, exploró una variedad de paletas de colores y fluctuó entre obras pictóricas, impasto y superficies planas. Y su reputación como rebelde creció, ya que continuó defendiendo con firmeza la pintura cuando casi todos sus colegas estaban dirigiendo a sus estudiantes hacia otros medios más contemporáneos. Pero luego, a finales de la década de 1970, tuvo un momento de claridad. Después de casi morir de un caso de pancreatitis aguda, se dio cuenta de que a pesar de su éxito como educadora, lo único que realmente quería hacer era pintar. Rápidamente puso fin a su carrera académica y se mudó al campo de Gales para dedicarse a tiempo completo a su arte.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Óleo sobre lienzo. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Color y forma

Reinaugurada, Ayres se sumergió en su amor por la pintura. Ya había estado gravitando hacia un estilo más impasto y texturizado, y ahora su trabajo se volvió aún más pictórico, más táctil y más exuberante. Usó sus manos desnudas para manipular la pintura, conectando de manera directa y personal con las superficies. Sus pinturas de esta época parecen ser terrenos de cría primordiales para nuevas relaciones de color y formas inimaginadas. Incontables posibilidades brotan de las composiciones extáticas, logrando de alguna manera armonía a pesar de su complejidad.

Fue alrededor de este tiempo que Ayres se dio cuenta de que ya no tenía interés en el tono. No quería nada de matices apagados, ni matices en el color. Quería intensidad. Y junto con su enfoque en el color vibrante y puro, también comenzó a gravitar hacia un uso más figurativo de la forma, endureciendo sus líneas y permitiendo que campos más grandes de color habitaran sus composiciones. Surgió un sentido de calma y confianza en sus pinturas, quizás relacionado con una vida ahora dedicada a la contemplación constante del trabajo esencial que sentía que había nacido para hacer.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Óleo sobre lienzo. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Una nueva geometría

A lo largo de la década de 1990 y principios de 2000, Ayres continuó evolucionando aún más hacia un sentido de formas reconocibles en sus composiciones. Aparecen y desaparecen indicios de objetos naturales, como una luna o un sol, una línea de horizonte, o una variedad mundana de formas similares a un festín sobre una mesa o flores en un campo. Algunas de sus composiciones coquetean con formas y patrones geométricos, incluso si solo en fragmentos. Pero no es tanto la figuración realista la que ha emergido en sus obras más recientes, sino que se asemeja a un lenguaje visual abstracto figurativo que se ha afirmado, similar a lo que se materializó cuando Matisse, en la fase posterior de su carrera, desarrolló sus icónicas recortes de bordes duros.

Este lenguaje visual resulta particularmente adecuado para el medio de la impresión, que ha interesado a Ayres durante mucho tiempo. En los últimos años, ha disfrutado haciendo impresiones y xilografías durante los meses de invierno en su estudio. Los colores en sus impresiones son más vibrantes y puros que nunca, creando relaciones audaces que sorprenden la vista con su presencia dinámica. Ella se refiere al proceso de impresión como algo que se conecta con el impulso de reproducir. Pero a pesar de su calidad esencialmente reproductiva, tiende a añadir elementos pintados a mano a muchas de las impresiones que hace, haciendo que cada obra de arte sea única. Esta fusión de procesos mecánicos y pintura a mano resulta en una mezcla estratificada de texturas.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground y aguatinta con carborundum (carburo de silicio) y pintura a mano sobre papel. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Innovación Sin Límites

En una época en la que la tecnología y las prácticas multimedia parecen estar a la vanguardia de cada feria de arte y bienal, y cuando el trabajo abiertamente social, cultural y político acapara gran parte de la atención de los medios, es un logro que Gillian Ayres haya continuado demostrando que la pintura abstracta siempre es relevante. Ha resistido la presión de innumerables tendencias, manteniéndose fiel a su simple amor por el color, la forma, la superficie y la pintura. En la tradición de los maestros modernistas que la inspiraron, como Picasso, Matisse y Miro, Ayres ha demostrado el valor de la pintura al mostrar simultáneamente cuán simple y cuán variada puede ser.

Y sin embargo, a pesar de su amor unidimensional por el medio, su visión estética y sus hábitos han progresado continuamente. Ha trabajado de diversas maneras con una variedad de diferentes medios de pintura, explorando y abrazando la especificidad de cada medio. Y al expandir su práctica para incluir procesos de grabado, ha estirado los límites de la pintura siempre que ha podido. Se ha demostrado a sí misma ser compleja, y sin embargo, al reducir los elementos de la pintura a color, forma y espacio, ha enseñado a múltiples generaciones de espectadores cómo simplemente mirar. “Uno se preocupa terriblemente, de una manera inquieta”, dice. “Quiero encontrar algo, y quiero que mis pinturas sean edificantes, pero no creo saber cómo terminar una imagen, y tampoco sé cómo empezar. A la gente le gusta entender, y desearía que no lo hicieran. Desearía que simplemente miraran.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground y aguatinta con carborundum (carburo de silicio) y pintura a mano sobre papel. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Imagen destacada: Gillian Ayres - Sun Up (detalle), 1960. Óleo sobre lienzo. © Gillian Ayres
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio