Pintura de Bordes Duros y la Estética del Orden Abstracto
¿Te gustaría entrar dentro de una pintura de bordes duros? La próxima vez que estés en Las Vegas, visita el Hotel y Casino Cosmopolitan. A nivel de calle hay una cafetería Starbuck’s. Entra y mira hacia las paredes. Notarás parches brillantes de colores primarios pintados en varias superficies y elementos. En una de las paredes verás la firma del hombre que pintó esos parches de color: el artista y fotógrafo francés Georges Rousse.
Si caminas hasta el extremo de la sala, verás un lugar marcado en el suelo que invita a los espectadores a pararse allí. Desde ese único punto, y solo desde ese punto, se cumple la visión de Rousse. Esas superficies pintadas forman parte de una ilusión, una realización tridimensional de una pintura abstracta geométrica que ocupa un espacio arquitectónico.
John McLaughlin - Sin título, 1951, óleo sobre masonita, 23 ¾ × 27 ¾ pulg., Cortesía de Van Doren Waxter
¿Qué es la pintura de bordes duros?
La expresión pintura de bordes duros fue acuñada a finales de los años 50 por Jules Langsner, un crítico de arte del periódico Los Angeles Times. El término hacía referencia a una antigua tendencia que comenzaba a reaparecer en varios estilos diferentes de arte abstracto, pero que era especialmente prevalente en California en ese momento. La tendencia consistía en el uso de formas geométricas pintadas en colores intensos y puros, claramente separadas entre sí por bordes firmes y sólidos. Dos de los principales pintores de bordes duros a los que Langsner se refería al acuñar el término eran John McLaughlin y Helen Lundeberg.
Este tipo de pintura se había realizado durante siglos y había dejado su huella en muchas culturas diferentes. Incluso dentro del arte abstracto occidental, esta tendencia de trabajar con colores intensos, formas bien definidas y bordes firmes había aparecido antes, por ejemplo en la obra de Kazimir Malevich y Piet Mondrian.
La estética de la pintura de bordes duros había caído en desuso en las décadas de 1940 y 50, en parte gracias al auge del trabajo emotivo y gestual realizado por los expresionistas abstractos. En el sentido contemporáneo, el término pintura de bordes duros no se refiere tanto a un estilo o movimiento particular, sino más bien a una tendencia que los artistas modernos en muchos estilos diferentes han aplicado y continúan aplicando a su estética.
Helen Lundeberg - Planeta Azul, 1965, acrílico sobre lienzo, 60 x 60 pulg., Colección Marilynn y Carl Thoma. © Fundación Feitelson Arts, cortesía de Louis Stern Fine Arts
Kazimir Malevich - Cuadrado Rojo, 1915, óleo sobre lienzo, 21 × 21 pulg., Museo Ruso, San Petersburgo
La filosofía de la belleza
Para muchas personas, uno de los elementos más desconcertantes del arte abstracto es que no apela a ninguna definición objetiva de belleza. Al menos en el mundo occidental, durante siglos la belleza estética en la pintura se definió por temas naturales y figurativos, como retratos y paisajes. Antes del auge de la abstracción, para que una obra de arte se considerara estéticamente bella, normalmente se esperaba que replicara algo considerado bello en el mundo objetivo, como un ángel, una figura histórica o un prado.
Cuando los artistas comenzaron a diseccionar los elementos de lo que era la pintura, desafiaron el concepto de lo que podía ser bello. ¿Podrían las cualidades de la luz por sí solas considerarse bellas? Los impresionistas pensaban que sí. ¿Podría el color por sí solo considerarse estéticamente bello? Los orfistas pensaban que sí. Muchos artistas y movimientos artísticos han cuestionado incluso si la belleza estética es relevante. ¿Debería el arte tener algo que ver con la belleza?
Piet Mondrian - Composición II en rojo, azul y amarillo, 1930, óleo sobre lienzo, 46 x 46 cm, El Museo Metropolitano de Arte
La belleza del orden
Independientemente de los juegos filosóficos que artistas, críticos y académicos se planteen, la verdad es que la belleza importa a los espectadores. Los espectadores de arte quieren estar en presencia de objetos que les hagan sentir bien. Quieren que el arte participe con ellos en su búsqueda de satisfacción, sea lo que sea que eso signifique para ellos. Incluso si todos los críticos de arte del mundo consideran que una pintura tiene una importancia histórica inmensa, si ningún espectador quiere estar cerca de ella, su valor disminuye justamente. La verdad fundamental de que los seres humanos gustan de estar cerca de cosas estéticamente agradables es algo con lo que muchos movimientos de arte abstracto han lidiado, y es algo que la pintura de bordes duros ha ayudado a muchos espectadores a enfrentar.
Hay belleza en el orden. Hay belleza en la racionalidad. Hay belleza en el color. Hay belleza en la línea. Hay belleza en algo que es puro, intacto, limpio y sensato. Aunque muchos espectadores aún tienen dificultades para ver la belleza de las obras cubistas o las pinturas abstractas de Wassily Kandinsky, es innegable que hay algo atractivo, o al menos psicológicamente satisfactorio, en pinturas que apelan a nuestro deseo de estructura. La abstracción geométrica de bordes duros de las pinturas suprematistas de Malevich y las pinturas De Stijl de Mondrian es hermosa porque es un antídoto estético al caos.
Jackson Pollock - Blue Poles, o Número 11, 1952, esmalte y pintura de aluminio con vidrio sobre lienzo, 83.5 in × 192.5 in, Galería Nacional de Australia, Canberra
Una cuestión de gusto
Por supuesto, nada de esto significa que otros tipos de arte abstracto no sean bellos. La belleza es una cuestión de gusto. Por ejemplo, diferentes espectadores tienen distinta capacidad para desentrañar complejidades. Lo que parece caos para unos ojos, parece idílico para otros. Claramente, la razón por la que pintores de acción como Jackson Pollock y Willem de Kooning tuvieron tanto éxito es porque muchos espectadores encontraron su obra accesible, cercana y bella. Aunque ciertamente algunos espectadores consideran que una pintura como Blue Poles de Pollock es un desastre, muchos más la consideran una expresión de universalidades humanas y verdades personales primarias.
La razón por la que la pintura de bordes duros volvió a ponerse de moda en los años 50 es quizás porque el Expresionismo Abstracto era demasiado emocional. Surgió, después de todo, de los tiempos más violentos, catastróficos y temerosos en la historia de la humanidad, tras la Segunda Guerra Mundial y el auge de la guerra atómica. Tiene sentido que los espectadores que enfrentaban su propio día de extinción una y otra vez en las noticias nocturnas desearan eventualmente un regreso a algo más propicio para un sentido de calma interior y cierto orden.
La pintura de bordes duros de los años 50 y 60 ofreció justamente eso. Ofreció un regreso a las cualidades formales y clásicas de la abstracción geométrica. En lugar de mirar el horror de nuestras psiques y el caos inherente a nuestras emociones primarias, la abstracción de bordes duros nos ofreció refugio en un espacio contemplativo y meditativo donde la forma, el color, la línea y la superficie eran lo único que importaba. Allí, podíamos meditar sobre los bloques básicos de las cosas y quizás transformarnos, al menos temporalmente, en algo distinto.
Donald Judd - 15 obras sin título en concreto, 1980-1984, Marfa, TX, La Fundación Chinati, Marfa
Minimalismo y más
El regreso a la estética formal y de bordes duros ayudó a inspirar una gran evolución creativa en el arte abstracto a mediados del siglo XX. Inspiró el auge de los pintores del Campo de Color, como Kenneth Noland, que usaban superficies planas y grandes áreas de color para crear pinturas meditativas a través de las cuales los espectadores podían experimentar sensaciones trascendentes. Inspiró la abstracción post-pictórica, un movimiento dedicado a disfrazar la mano del artista y resaltar cualidades formalistas como el color, la línea, la forma y la superficie. También ayudó a inspirar el pensamiento de artistas como Donald Judd y aquellos asociados con el Minimalismo, quienes alcanzaron la cima de la expresión sin emociones al abrazar el formalismo estético.
James Turrell - Raethro Pink (Proyección en esquina), 1968, © James Turrel
Un legado mayor
La pintura de bordes duros también inspiró a los artistas del movimiento luz y espacio. Cualquiera que haya estado dentro de una obra inmersiva de James Turrell, o haya visto una de sus obras que utiliza “aberturas”, agujeros de bordes duros cortados en superficies que permiten el paso de la luz, puede ver claramente el vínculo entre esta obra y la pintura de bordes duros.
Incluso el artista de instalaciones James Irwin ha sido vinculado al legado de los pintores de bordes duros a través de sus obras de luz. Los ejemplos más famosos son las instalaciones acrílicas de Irwin, en las que una pieza clara, curva y circular de acrílico se extiende desde una pared y luego es iluminada, creando líneas, patrones geométricos y un juego de luces y sombras en la superficie circundante. Estas obras extienden los principios de la pintura de bordes duros al espacio tridimensional, permitiendo que el espectador las habite.
Robert Irwin - Sin título, 1969, pintura acrílica sobre acrílico moldeado, 137 cm de diámetro, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Una cuestión de perspectiva
Si la pintura de bordes duros es más bella que los estilos de pintura más emotivos o viceversa es puramente una cuestión de opinión. Y las opiniones cambian. Volviendo a ese Starbucks en Las Vegas, podemos ver que esa es la verdadera esencia del mensaje que Georges Rousse puede estar tratando de transmitir con su obra. Una pintura de bordes duros de una forma geométrica puede darnos orden y claridad. Pero no todos encuentran dicha en el orden y la claridad. A algunos nos gustan las cosas al azar. A algunos nos gusta el caos. La verdadera belleza de las obras de bordes duros de Rousse es que con un simple paso en cualquier dirección los bordes se suavizan y cambian. Demuestran que la perspectiva realmente lo es todo.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
