Paul Nash y la Historia Dentro del Abstracto

El pintor británico Paul Nash no suele mencionarse en conversaciones sobre la abstracción. Pero sus imágenes modernistas, a veces surrealistas, revelan destellos de los profundos conceptos abstractos que a menudo se esconden a simple vista en el mundo natural. Su obra, que abarca desde poco antes de la Primera Guerra Mundial hasta poco después de la Segunda Guerra Mundial, incorporó lo que podría llamarse un lenguaje abstracto conservador. En lugar de basarse en la abstracción pura o explorar elementos formales abstractos como el color, la línea o la luz, fundamentó su trabajo en el paisaje clásico y figurativo con la esperanza de establecer una definición más amplia de lo que podría ser la abstracción. Su intención era que sus pinturas despertaran ideas; no sobre el paisaje, sino sobre las antiguas y eternas relaciones entre las fuerzas del tiempo, la naturaleza, la humanidad, la cultura, la vida y la muerte.

Crisis Tempranas

En 1910, Paul Nash se matriculó como estudiante en la Slade School of Art, donde pronto se asoció con un grupo de jóvenes artistas que la academia denominó colectivamente como su Segunda Crisis de Brillantez. Poseían una rara combinación de talento excepcional, apertura al Modernismo europeo y disposición a experimentar, lo que los ponía en oposición al plan de estudios y a las capacidades del profesorado de la escuela. Nash y los demás fueron la vanguardia modernista entusiasta en una cultura que no quería saber nada de hacer las cosas nuevas.

Como demuestra una retrospectiva actual de Paul Nash en la Tate, el trabajo que realizaba en ese momento no parece tan amenazante hoy. Pintaba paisajes ingleses, intentando capturar lo que él llamaba su genius loci, o espíritu del lugar. Le fascinaban los megalitos primitivos que salpican el campo inglés, que consideraba manifestaciones de la antigua relación entre humanos y naturaleza. Quizá lo que resultaba amenazante era que no solo estaba interesado en copiar la naturaleza, sino también en expresar los mensajes abstractos más amplios que contenía.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, Londres

Un Mundo Nuevo Terrible

Cuatro años después de ingresar a la escuela de arte, Nash, junto con toda su generación, vio interrumpido su futuro por el estallido de la Primera Guerra Mundial. Nash se alistó voluntariamente en los Rifles de Artistas, un regimiento nacional formado en 1859 y compuesto mayormente por artistas comprometidos a defender el frente interno. Pero a medida que la guerra se prolongaba, fue enviado al Frente Occidental, el principal teatro de combate en el continente europeo. Fue allí, como teniente segundo, donde Nash presenció de primera mano los horrores de la guerra.

Por casualidad, tres meses después de llegar al frente, Nash cayó en una trinchera y se rompió una costilla. Mientras se recuperaba en Londres, su regimiento fue atacado y casi aniquilado por completo. Profundamente perturbado por todo lo que había visto, se decidió a hacer lo que pudiera para acabar con la guerra. Mientras aún se recuperaba, organizó una exposición de imágenes que había hecho de la carnicería en el frente. Fueron impactantes para muchas personas que no tenían idea de la brutalidad y devastación de la guerra. Las obras causaron tal impacto que, cuando se recuperó, fue enviado de nuevo al frente para servir como artista oficial de guerra. Pasó el resto de la guerra pintando imágenes detalladas de la destrucción con la esperanza de influir en la opinión pública para que se terminara el combate.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, Londres

Redefiniendo la Abstracción

Las pinturas de guerra que hizo Nash son marcadamente realistas. Y sin embargo, más allá de su contenido figurativo, poseen capas conceptuales innegables. Por ejemplo, en la superficie, la pintura Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917 muestra una imagen puramente realista de unos soldados atrincherados en un paisaje natural marcado por la batalla. Pero la paleta de colores pastel, los pájaros que vuelan distraídamente sobre ellos y las nubes blancas y esponjosas que pasan inocentemente sugieren la profunda idea de que, aunque los humanos puedan destruir temporalmente la naturaleza, la Naturaleza con mayúscula sobrevivirá a nuestra ira y continuará después de que nos hayamos ido.

En sus imágenes de guerra posteriores, Nash comenzó a experimentar con la reducción de los elementos visuales del mundo natural, simplificándolos a formas y figuras más sencillas. Aunque nunca transitó hacia la abstracción pura, vio que al reducir ciertas partes de su lenguaje visual podía conectar con algo universal, más allá de lo figurativo. Sobre esta evolución dijo: “Discierno entre los fenómenos naturales mil formas que podrían, con ventaja, disolverse en el crisol de la transfiguración abstracta.” Y sin embargo, añadió, “descubro que todavía necesito rasgos parcialmente orgánicos para crear mi imagen conceptual fija.”

Paul Nash - Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, Londres

Grupo Unit One

Cuando terminó la guerra, Nash ya era famoso en Gran Bretaña por sus pinturas bélicas. No eran los elementos abstractos los que más llamaban la atención, sino que se le veneraba por mostrar la destrucción real, como si fuera un periodista. Sufriendo los efectos psicológicos y físicos de la guerra, se retiró al campo donde intentó sanar física y espiritualmente. Volvió a la pintura figurativa de paisajes, sumergiéndose en su poder calmante. Pero a medida que se recuperaba, se interesó más en un problema que percibía en la cultura británica: su renuencia a aceptar y comprender la importancia más profunda de las tendencias modernas en el arte.

Para involucrar directamente al público británico, Nash formó un colectivo de artistas vanguardistas llamado Unit One. Doce arquitectos, pintores y escultores se unieron a él, entre ellos Ben Nicholson, Henry Moore y Barbara Hepworth. El grupo realizó una sola exposición. Las obras que Nash mostró en ella están entre sus más abstractas. Muestran formas modernistas que se entrelazan con entornos naturales en composiciones misteriosas, casi surrealistas. Aunque fue un experimento breve, Unit One hizo que el público prestara atención y su impacto en el modernismo británico se sintió de inmediato.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, Londres

Historia Figurativa Abstracta

En la cima de su fama, Paul Nash fue nuevamente reclutado como artista de guerra, esta vez en la Segunda Guerra Mundial. Las pinturas que hizo de ese conflicto están entre sus obras más famosas. Muestran una combinación madura de las muchas influencias que definieron su carrera. Presentan paisajes figurativos, formas reductivas y conglomerados inquietantes de objetos y seres casi surrealistas. Plantean preguntas sobre las relaciones entre máquinas, humanos y naturaleza. Retratan la carnicería y destrucción de la guerra, mientras sugieren simultáneamente que la naturaleza siempre perdurará.

Al repasar su obra, podemos ver que Paul Nash nunca pintó solo paisajes realistas de lugares y momentos concretos. También pintó el paisaje de su mente, encarnado por la serenidad de la naturaleza y la horrible belleza de la muerte. A menudo capturó el genius loci, el espíritu del lugar, incluso cuando ese espíritu era inconfundiblemente maligno. Pero como dijo una vez, “para encontrar, debes ser capaz de percibir. Hay lugares, así como personas y objetos, cuya relación de partes crea un misterio.” En algún lugar de sus imágenes de vida y muerte, de reliquias modernas junto a reliquias de civilizaciones pasadas, se establece una conexión misteriosa; una que nos recuerda que la historia nos precedió y nos sobrevivirá, y que aunque somos parte de la naturaleza, no podemos vencerla; al contrario, ella siempre espera para vencernos.

Imagen destacada: Paul Nash - The Ypres Salient at Night, 1918. © Imperial War Museum, Londres
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio