La Importancia de la Textura en el Arte Abstracto

En términos generales, hay dos categorías de textura en el arte, al igual que en la vida: áspera y suave. Ambas pueden ser duras o blandas, húmedas o secas, orgánicas o sintéticas, etc. Y son posibles infinitas gradaciones de aspereza y suavidad. Pero una diferencia clave separa la función que la textura desempeña en la vida de la función de la textura en el arte. En la vida, la textura puede ser una cuestión de supervivencia. Nuestra percepción de si algo es resbaladizo, viscoso, escamoso o peludo podría significar la diferencia entre la vida y la muerte. La textura en el arte es menos grave. La mayoría de las obras de arte ni siquiera están destinadas a ser tocadas. E incluso cuando una obra de arte puede ser tocada, su textura se relaciona más con nuestra experiencia estética que con nuestra existencia continua. No obstante, la textura es una parte importante de nuestra interacción con el arte. Es uno de los siete elementos artísticos formales, junto con la línea, el color, la forma, el valor y el espacio. Puede afectar el estado de ánimo, evocar asociaciones psicológicas, llamar la atención sobre un medio o desviar nuestro enfoque hacia los materiales utilizados en una obra. Usada hábilmente, la textura puede incluso desafiar nuestra percepción de lo que es real.

Drama y luz

Una de las primeras formas en que los pintores abstractos experimentaron con la textura es a través de un proceso llamado impasto. Cuando decimos que una pintura es impasto, nos referimos a que el pintor ha aplicado la pintura a la superficie en capas gruesas. Una obra impasto se considera pictórica, ya que da prominencia a las marcas físicas hechas por el pintor. Los pintores postimpresionistas como Van Gogh usaron impasto para crear drama y para afectar la forma en que la luz interactuaba con la superficie de sus imágenes, ya que las capas impasto crean sombras y luces. Los pintores del Expresionismo Abstracto como Jackson Pollock utilizan pintura en capas gruesas para llamar la atención sobre el acto de pintar y para revelar la personalidad y la técnica individual del artista.

El opuesto de impasto es la planitud. Artistas como Helen Frankenthaler y Kenneth Noland mancharon sus lienzos, vertiendo pintura diluida directamente sobre lienzos sin preparar para fusionar la superficie con la pintura. Sus texturas planas desviaron la atención de los gestos físicos del artista, fomentando la contemplación de otros elementos como el color, la superficie y el espacio. Artistas abstractos tempranos como Kazimir Malevich también pintaron imágenes planas y no pictóricas. Curiosamente, muchas de las icónicas pinturas planas que Malevich pintó, como Cuadrado Negro, han adquirido, con el tiempo, texturas muy diferentes a las que el artista pretendía. Es fascinante contemplar si el significado que los espectadores perciben en tales obras ha sido alterado por el cambio en la textura.

Kazimir Malevich - Cuadrado Negro, 1915. Óleo sobre lienzo. 79.5 x 79.5 cm. Galería Tretyakov, Moscú

Textura Física vs. Textura Visual

La textura en el arte puede ser percibida de al menos dos maneras: a través del tacto (textura física) y a través de la vista (textura visual). La textura física le da a una obra de arte un sentido de objetualidad. La asocia con el mundo físico concreto. El artista italiano Alberto Burri utilizó materiales encontrados para crear texturas físicas en sus obras que podían evocar respuestas emocionales primordiales en los espectadores. Los artistas Dansaekhwa coreanos y los artistas asociados con la vanguardia japonesa Gutai Group también enfatizaron la materialidad, creyendo, como se afirmó en el Manifiesto Gutai, “que al fusionar cualidades humanas y propiedades materiales, podemos comprender concretamente el espacio abstracto.”

Otros artistas están más interesados en las potencialidades de la textura visual. Las pinturas de la pintora británica de Op Art Bridget Riley son completamente planas, pero engañan al ojo haciéndole percibir olas texturizadas y capas dimensionales. Los fotógrafos abstractos también juegan con la textura visual. La fotógrafa abstracta de origen canadiense Jessica Eaton construye objetos tridimensionales y luego los fotografía con múltiples filtros. Sus impresiones planas parecen no tener textura, pero al mirarlas más de cerca, las texturas físicas de los objetos que construyó se hacen evidentes, confundiendo al ojo sobre si percibe texturas que son reales o imaginarias.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Impresión de pigmento. © Jessica Eaton (Izquierda) / Bridget Riley - Descendiendo, 1966. Emulsión sobre tabla. © Bridget Riley (Derecha)

Textura en Escultura Abstracta

Los artistas abstractos que trabajan en el espacio tridimensional disfrutan de oportunidades adicionales para tratar el elemento de la textura porque su trabajo está más a menudo destinado a ser tocado. Jesús Rafael Soto crea esculturas a gran escala y tridimensionales llamadas Penetrables, por las que los espectadores caminan, permitiendo que la suave y sintética textura de los tentáculos los envuelva como parte de su experiencia estética. Y artistas como Henry Moore, que realizó numerosas esculturas públicas al aire libre, tienen la oportunidad de demostrar cómo el tiempo, las manos humanas y los elementos transforman el carácter esencial de una obra de arte a lo largo del tiempo.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Escultura cinética. © Jesús Rafael Soto

La textura es de suma importancia para nuestra comprensión del arte abstracto. ¿Qué significarían los Objetos Específicos creados por Donald Judd para nosotros si no fuera por su suave, brillante y texturizado industrial, que era integral a su estatus como obras mínimas y modernas? ¿Y cómo se habría convertido el infame Objeto, un juego de café cubierto de piel de la artista suiza de origen alemán Meret Oppenheim, en un ícono del Surrealismo sin su inquietante textura? Ya sea para ser vistos, tocados, o ambos, al contemplar la textura del arte abstracto podemos relacionarnos con él en nuevos niveles, lo que puede influir en nuestra comprensión, profundizar nuestra apreciación y transformar el significado que percibimos en la obra.

Donald Judd - Sin título, (91-2 Bernstein), 1991. Acero inoxidable y Plexiglás rojo, en diez partes. © Donald Judd

Imagen destacada: Alberto Burri - Cretto (detalle), 1975. Acrovinilo sobre cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / SIAE, Roma
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio