De lo Abstracto a la Figuración - El Camino de Richard Diebenkorn

Cuando Richard Diebenkorn murió en 1993, dejó atrás un cuerpo de trabajo que defendía la importancia de la pintura. A pesar de codearse con algunos de los artistas más influyentes de su generación, se mantuvo firmemente individualista, creando una obra que hoy en día se considera única e instantáneamente reconocible. Después de comenzar su carrera como pintor abstracto en la década de 1940, uno que, por cierto, creía que ningún pintor moderno valioso debería preocuparse por el trabajo figurativo, Diebenkorn de repente cambió su enfoque hacia el retrato, la naturaleza muerta y la pintura de paisajes. El movimiento inesperado tuvo el extraño efecto de etiquetarlo como vanguardista, ya que desafiaba sus convicciones y las de casi todos los demás pintores de renombre. Pero luego, una década después, volvió a la abstracción. En medio de ser considerado revolucionario, dijo: “Realmente soy un pintor tradicional, no vanguardista en absoluto”, añadiendo que todo lo que realmente quería hacer era “seguir una tradición y extenderla.” A su manera de pensar, las aparentemente diferentes direcciones que tomó eran parte de un solo camino: una evolución gradual lejos de la confusión ideológica y hacia una comprensión de los problemas antiguos y eternos involucrados en simplemente hacer buenas pinturas.

Un rebelde tradicional

Richard Diebenkorn es conocido hoy como un pintor californiano por excelencia. Sus composiciones sueltas pero equilibradas y su paleta de colores deslavados ayudaron a definir la estética de una cultura de libertad, ligereza y luz asombrosa. Pero Diebenkorn nació en Portland, Oregón. Se mudó a California a los dos años. Antes de convertirse en pintor profesional, sirvió durante dos años como Marine de EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, utilizó sus privilegios del GI Bill para asistir a la escuela de arte. Al igual que la mayoría de los artistas de su generación, Diebenkorn se entregó de lleno al Expresionismo Abstracto, la tendencia artística dominante de la época. Hizo composiciones gestuales que transmitían la angustia y la energía de un artista que claramente estaba en búsqueda. Y estaba en buena compañía, estudiando y enseñando junto a otros pintores californianos emergentes como Mark Rothko y Clyfford Still.

Pero Diebenkorn pronto comenzó a moverse, estudiando y enseñando en Albuquerque, Nuevo México, y Urbana, Illinois, antes de regresar nuevamente a California. En sus viajes se dio cuenta de una conversación más amplia que ocurría entre pintores de muchas mentalidades diferentes: una que tenía menos que ver con lo que comenzó a ver como la falsa separación entre abstracción y figuración, y más que ver con la relevancia más profunda de lo que una pintura puede lograr. Llegó a la conclusión de que “todas las pinturas surgen de un estado de ánimo, de una relación con cosas o personas, de una impresión visual completa. Llamar a esta expresión abstracta me parece a menudo confundir el tema."

Richard Diebenkorn - Berkeley 3, 1953. Óleo sobre lienzo. 54 1/10 × 68 in. 137.5 × 172.7 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Un Mundo de Colores y Planos

La actitud cambiante que Diebenkorn adoptó hacia la abstracción lo colocó en una posición extraña para un modernista. Desde finales de 1900, la mayoría de los artistas abstractos se habían formado originalmente como artistas figurativos realistas y luego habían hecho la transición a la abstracción a través de un proceso de reducción hacia un lenguaje visual más simple. Diebenkorn comenzó con la abstracción y luego hizo la transición a la figuración. Pero ahora, liberado de la ilusión de las diferencias filosóficas entre la abstracción y la figuración, descubrió que podía pintar lo que veía—figuras humanas, rostros y paisajes urbanos y naturales paisajes—mientras seguía explorando dentro de estas imágenes las cualidades y elementos de la abstracción que encontraba más interesantes.

Richard Diebenkorn - Naturaleza muerta con cáscara de naranja, 1955. Óleo sobre lienzo. 29 3/10 × 24 1/2 in. 74.3 × 62.2 cm (izquierda) / Richard Diebenkorn - Valle de Chabot, 1955. Óleo sobre lienzo. 49,5 x 47,6 cm (derecha). © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

En lugar de imitar la vida real con pinturas hiperrealistas, Diebenkorn tradujo el mundo visible en arreglos de campos de color, líneas y formas cuasi-geométricas. Trabajó con carbón y pintura al óleo, permitiendo que múltiples capas se mostraran en la composición final. Cityscape I es una de sus pinturas figurativas más famosas de principios de su carrera. En ella, las formas geométricas, los planos lineales, los campos de color abstracto, las capas inferiores y las marcas torturadas del perfeccionismo compositivo se combinan en una visión figurativa que es simultáneamente expresionista y algo abstracta. Comparándola lado a lado con una obra abstracta anterior de su serie Albuquerque, es fácil ver que la mano del artista es la misma.

Richard Diebenkorn - Cityscape I, 1963. Óleo sobre lienzo. 60 1/4 in. x 50 1/2 in. 153.04 cm x 128.27 cm. Colección del Museo de Arte Moderno de San Francisco (izquierda) / Richard Diebenkorn - Albuquerque 4, 1951. Óleo sobre lienzo. 50 7/10 × 45 7/10 in. 128.9 × 116.2 cm (derecha). © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

La belleza de la pintura

Alrededor de 1966, después de una década de pintura figurativa, Diebenkorn comenzó una nueva serie que, para los historiadores del arte, anunció el regreso del artista a la pura abstracción. Nombró la serie Ocean Park, en honor al vecindario costero de Santa Mónica donde se encontraba su estudio de pintura, al norte de Los Ángeles. De hecho, las pinturas de Ocean Park parecen carecer de cualquier referencia obvia a elementos figurativos. Aparecen geométricas y abstractas. Pero simplemente llamar a estas pinturas abstracción geométrica y etiquetarlas como otro alejamiento de su trabajo anterior es una lectura simplista.

En una entrevista que Diebenkorn dio a CBS Sunday Morning en 1988, menciona el impacto que su entorno siempre tuvo en su trabajo. Elabora que un sentido de lugar, más que cualquier otra cosa, informaba sus pinturas maduras. Las pinturas de Ocean Park no son un regreso a algo más que las pinturas figurativas de la década anterior fueron una partida de algo. En ambos períodos, Diebenkorn exploró los temas de composición, armonía, color y equilibrio. La serie Ocean Park hace lo mismo, utilizando la luz, las formas y los arreglos estéticos del espacio que Diebenkorn encontró en el mundo real, en este caso el mundo de la playa de Santa Mónica, para informar una investigación más profunda sobre los mismos temas.

Richard Diebenkorn - Ocean Park 43, 1971. Óleo y carbón sobre lienzo. 93 × 81 in. 236.2 × 205.7 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Cómo Comenzar una Pintura

Tarde en su carrera, no está claro cuándo, Diebenkorn escribió una lista de lo que consideraba las lecciones acumuladas de su experiencia como pintor hasta ese momento. La lista incluía diez aforismos originales. La llamó “Notas para mí sobre el comienzo de una pintura.” La lista completa está disponible en línea en otros lugares, ya que la compartió a menudo, por lo que no es necesario incluirla aquí. Pero un vistazo a algunos de los elementos de la lista revela mucho sobre su estilo y sobre la actitud madura que Diebenkorn desarrolló hacia la abstracción, la figuración y la experimentación.

El primer elemento de la lista dice: “Intenta lo que no es seguro. La certeza puede o no llegar más tarde. Puede ser entonces una valiosa ilusión.” Otro elemento simplemente dice: “Tolerar el caos.” Estas notas revelan a un artista comprometido con la búsqueda. Muestran que él veía la objetividad del llamado mundo real como solo un punto de partida en un proceso creativo interno. Ya sea pintando un retrato, una figura o una composición abstracta geométrica, trabajaba en una dirección alejada de la certeza, hacia un sentido universal de armonía. Otro elemento de la lista dice: “Los errores no se pueden borrar, pero te mueven de tu posición actual.” Este sentimiento se manifiesta en las ricas capas y texturas de todas sus pinturas, a través de las cuales sus esfuerzos, a menudo difíciles y que consumen tiempo, afirman su presencia.

Richard Diebenkorn - Ocean Park 135, 1985. Óleo, crayón e tinta sobre lienzo. 16 3/4 x 17 1/2 in. 42.5 x 44.5 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Un gigante humilde

Richard Diebenkorn alcanzó muchos puntos altos a lo largo de su carrera. Fue un miembro fundador de la Bay Area Figurative School en la década de 1950, que se acredita con la reintroducción de la pintura figurativa en el arte moderno estadounidense después del Expresionismo Abstracto. A mediados de la década de 1980, se había convertido en uno de los artistas vivos mejor pagados en los Estados Unidos. Y en la década de 1990, incluso recibió la Medalla Nacional de las Artes, uno de los más altos honores que el Gobierno de EE. UU. otorga a un artista.

Pero a pesar de su impacto, o quizás en un intento de defenderse de él, siguió siendo un artista humilde y trabajador. Finalmente dejó la ciudad, regresando al norte al Valle del Río Ruso, al oeste de Napa. Allí continuó pintando hasta que la enfermedad lo debilitó. Mientras pudo trabajar, ya fuera pintando abstracciones, como en su serie tardía Cigar Box Lid, o pintando paisajes de su hogar en la naturaleza, se mantuvo fiel a sus pasiones de toda la vida: una investigación del color, el espacio y la armonía, y una dedicación a los antiguos desafíos y tradiciones de la pintura.

Richard Diebenkorn - Tapa de caja de cigarros 8, 1979. Óleo y grafito sobre tapa de caja de cigarros de madera. 6 1/2 x 5 3/4 in. 16.5 x 14.6 cm. © La Fundación Richard Diebenkorn, Berkeley

Imagen destacada: Richard Diebenkorn - Ocean Park 89.5 (detalle), 1975. Óleo y carbón sobre lienzo. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio