Color, Enfoque y Campo en las Pinturas de Kenneth Noland

Un observador casual podría confundir a Kenneth Noland como un pintor de diseños. De hecho, las pinturas más memorables de Kenneth Noland expresan una gama limitada de formas y patrones: círculos, chevrones, diamantes, rayas y cuadros. Pero, contrariamente a esa perspectiva, Noland no estaba en absoluto interesado en cosas como la forma y el diseño. La razón por la que regresaba a la misma imaginería una y otra vez era porque creía que la repetición invitaría a los espectadores a ignorar las formas y los diseños, y enfocarse en su verdadero campo de interés: el potencial infinito del color y el campo.

Un viaje al estilo

Además de ser un excelente artista, Kenneth Noland también es un excelente ejemplo del valor de la Ley G.I.; un programa del Gobierno de EE. UU. que permite a los soldados dados de baja asistir a la universidad sin pagar matrícula. En 1942, Noland se unió a la Fuerza Aérea de EE. UU. a los 18 años. Después de regresar a casa en Carolina del Norte al final de la Segunda Guerra Mundial, utilizó sus privilegios de la Ley G.I. para inscribirse en su escuela de arte local. Esa escuela resultó ser la famosa Black Mountain College, donde muchos maestros influyentes de la Bauhaus se habían trasladado cuando su academia cerró en respuesta a la interferencia nazi.

Mientras estaba en el Black Mountain College, Noland estudió bajo la tutela de Ilya Bolotowsky, quien había sido un protegido de Piet Mondrian, el fundador del Neoplasticismo. En la tradición de los Neoplasticistas, Bolotowsky defendió patrones geométricos simples y colores puros. Noland también estudió con Josef Albers, un destacado teórico y pintor modernista, y un apasionado estudiante de las relaciones de color. Noland absorbió la mentoría de sus maestros y construyó sobre sus ideas, desarrollando un interés de por vida en las capacidades expresivas de composiciones simples hechas de colores vivos.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acrílico sobre lienzo. 60 x 60 in. Colección de Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Abstracción Post-Pictórica

Junto con Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko y Jules Olitski, Kenneth Noland pronto se asoció con el movimiento Color Field, una de las tendencias artísticas asociadas con lo que se llama Post-Painterly Abstraction. Acuñado en 1964 por Clement Greenberg para una exposición que él comisarió en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el término Post-Painterly Abstraction se refiere a una tendencia en la pintura que se aleja de las obras pictóricas e impasto, y hacia superficies planas y una falta de pinceladas visibles.

Aunque el término Pintura de Campo de Color sufre de una definición algo poco clara, Kenneth Noland fue el representante quintessential de la Abstracción Post-Pictórica. Sus pinturas rechazaron el drama personal del Expresionismo Abstracto. Simplificaron los medios de la pintura, rechazando el collage, el ensamblaje, los objetos encontrados y otras complejidades, confiando en cambio en los ingredientes más simples: pintura y lienzo. Sus colores eran vibrantes y puros, sus composiciones eran directas y simples, y sus imágenes se convirtieron en una con sus soportes.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acrílico sobre lienzo. 75 x 141 in. © Kenneth Noland

Fusionando Color Con Campo

Noland creó sus primeras llamadas Pinturas de Campo de Color alrededor de 1956. Consistían en anillos concéntricos de círculos de colores. Es tentador especular que estas pinturas de alguna manera estaban relacionadas con su experiencia en la guerra, ya que se asemejaban a blancos. Pero en varias entrevistas, Noland ha dicho que eligió el motivo del círculo porque era una no-imagen que podía permitir que el ojo se viera atraído hacia una experiencia de color. Pero el color no era lo único de lo que trataban sus pinturas. También trataban de confrontar la separación entre una pintura y su superficie.

Durante la mayor parte de la historia del arte, las pinturas han sido vistas como imágenes pintadas sobre superficies preparadas. El campo en el que existe la pintura, es decir, el lienzo, fue pretratado, preestirado y preparado. Esperaba la pintura, la sostenía y estaba separado de la imagen. En la mente de pintores como Noland, esa separación era un detrimento. En lugar de disfrutar de una expresión libre y sin restricciones, el artista estaba limitado o dirigido por un soporte predeterminado a pesar de que la imagen resultante podría aún no haber sido imaginada. Noland quería fusionar la imagen con el soporte, combinando color con campo en una declaración estética unificada.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acrílico sobre lienzo. 103.7 x 142.5 in. © Kenneth Noland

El Objeto Expresivo Unificado

Noland recibió su revelación en 1953, en forma de una visita al estudio de la pintora Helen Frankenthaler. En su estudio de Nueva York, Frankenthaler había sido pionera en lo que ella llamaba la técnica de soak-stain. En lugar de preparar un lienzo pretratado en preparación para una imagen pintada, extendía trozos de lienzo crudo en el suelo y luego vertía pintura directamente sobre la superficie sin tratar. La pintura se fusionaba con la superficie, extendiéndose de maneras orgánicas a medida que se mezclaba con la tela. La pintura y el soporte se convirtieron en una sola entidad.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Resina acrílica sobre lienzo. 98 x 208 in. © Kenneth Noland

Noland adoptó inmediatamente la técnica de empapado y manchado de Frankenthaler. Le brindó la oportunidad de crear un objeto unificado, en el que el color estaba incrustado. También le permitió eliminar la apariencia de las pinceladas, que se consideraban la marca de la personalidad del artista. Juntas, estas dos innovaciones le permitieron comenzar a hacer pinturas que no se centraban en representar nada específico, sino que trataban sobre los elementos esenciales que le preocupaban, como el color, la superficie, la textura, la simetría y la escala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acrílico sobre lienzo. © Kenneth Noland

Recorte

Se ha documentado bien que Noland, así como su contemporáneo Morris Louis, adoptaron la técnica de empapado de Helen Frankenthaler. Pero hay otra técnica que Kenneth Noland adoptó más tarde en su carrera que también puede haber sido inspirada por Frankenthaler. Esa es la práctica de recortar. En fotografía, recortar una imagen significa seleccionar solo la parte de una exposición que deseas imprimir, revelando solo lo que te gusta. Muchas fotos de Frankenthaler en su estudio la muestran trabajando en enormes lienzos sin tensar. Ella recortaba y enmarcaba sus lienzos después de pintarlos, lo que le permitía desarrollar la imagen con la menor cantidad de restricciones posible y luego seleccionar la área que sentía que resultaba en el objeto más expresivo. Esta era una práctica que Kenneth Noland utilizó extensamente, especialmente cuando comenzó a hacer lienzos con formas. Trabajaba en un enorme lienzo en el suelo y creaba composiciones de color sin limitaciones espaciales. Esto le permitía explorar libremente las relaciones de color sin preocuparse por el resultado final. Una vez que el proceso de creación y descubrimiento estaba completo, podía "sellar" la imagen final, seleccionando el área que quería enmarcar de un sinfín de opciones posibles en lo que era básicamente un proceso de edición. Noland se refirió a la belleza de este proceso en una entrevista de 1977 con Diane Waldman para Art in America, diciendo: “Un color podría estar en un borde de una imagen o dentro del espacio de una imagen: la cuestión de arriba, abajo, izquierda, derecha se volvió totalmente flexible, al igual que la cuestión de paralelo, vertical u horizontal.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acrílico sobre lienzo. © Kenneth Noland

Las Profundidades de la Simplicidad

Kenneth Noland miraba periódicamente a los escultores en un esfuerzo por explorar la naturaleza abstracta del color. El escultor David Smith lo inspiró en particular, y Noland incluso colaboró ocasionalmente con el escultor Tony Caro, pintando sus esculturas después de que fueron construidas. Hizo esto puramente por curiosidad y en el espíritu de la experimentación. No podía expresar exactamente lo que esperaba encontrar, o lo que tales experimentos estaban destinados a significar. Dijo: “Tendemos a descartar mucho del significado que ocurre en la vida que es no verbal. El color puede transmitir un rango total de estado de ánimo y expresión, de las experiencias de uno en la vida, sin tener que darle cualidades descriptivas o literarias.”

Kenneth Noland - Radiancia de Cadmio. © Kenneth Noland

Las personas con una inclinación por lo elaborado pueden encontrar fácil desestimar una carrera basada enteramente en la simplicidad y la curiosidad. Las pinturas de Kenneth Noland, de hecho, parecen no contener drama alguno. Y, sin embargo, son expresivas. Son como el llanto de un niño, el sonido de una campana o el grito de una sirena. Las reconocemos de inmediato por lo que son. Sabemos que nos están pidiendo que reaccionemos, aunque puede que no entendamos su propósito exacto o precisamente cuál se supone que debe ser nuestra reacción. Pero quizás, al igual que con las campanas, los llantos y las sirenas, no es necesaria una reacción de todos.

Imagen destacada: Kenneth Noland - Abril (detalle), 1960. Acrílico sobre lienzo. 16 x 16 in. © Kenneth Noland
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio