Cinco esculturas notables de Anthony Caro

Cuando murió en 2013, Anthony Caro era considerado el escultor británico más influyente de su generación. Su influencia provenía tanto de su trabajo como de su enseñanza. Dos días a la semana, desde 1953 hasta 1981, enseñó en la St Martin's School of Art en Londres. Mientras estuvo allí, una de sus principales innovaciones fue combinar clases de escultura y dibujo, alterando el enfoque de las lecciones de copiar sujetos a "entenderlos". Esa misma perspectiva también definió su trabajo como artista. Al principio, copiaba sus esculturas de la vida. Moldeaba sus primeras obras o las tallaba en piedra, y las colocaba sobre pedestales de la manera tradicional. Pero luego, en 1960, cambió abruptamente a hacer esculturas no figurativas y abstractas de metal, y las colocó directamente en el suelo. En lugar de percibir que estas obras estaban separadas de su entorno, los espectadores se sentían conectados con la obra y podían incluso caminar a su alrededor y contemplar los cambios en su apariencia a medida que se movían. Su objetivo de entender y luego expresar la esencia abstracta de sus sujetos también lo llevó a la conclusión de que debería usar objetos y materiales encontrados en su trabajo. Estos, sentía, son las cosas de la vida diaria moderna. El significado intrínseco que contienen habla volúmenes a los espectadores modernos. Su evolución como artista hizo de Caro un puente perfecto entre artistas como Marcel Duchamp, quien primero ensambló objetos listos para usar de la vida cotidiana en esculturas, y artistas contemporáneos como Jessica Stockholder, que expanden ese concepto en la creación de experiencias perceptuales a gran escala que redefinen las relaciones humanas con el espacio. El legado que Caro dejó atrás es uno de invención incansable, y aquí hay cinco de sus piezas más notables:

Mujer Despertando (1955)

Caro aprendió a esculpir de la naturaleza mientras estudiaba en la Royal Academy de Londres. Le enseñaron a copiar directamente las esculturas de artistas griegos, romanos y etruscos. Después de graduarse, se mudó de Londres a Hertfordshire, donde infamemente llamó en frío a Henry Moore, el gran escultor biomórfico modernista, y pidió un puesto como asistente de estudio. Moore lo rechazó, pero le dijo que volviera en seis meses. Caro lo hizo y le dieron un trabajo. Sin embargo, a pesar de su respeto por Moore, Caro luchó tanto con su formación académica como con la influencia que Moore tuvo sobre él. Cuando Caro recibió su primera exposición individual en 1956, esas influencias duales son completamente evidentes, especialmente en la escultura más comentada de la muestra: “Woman Waking Up” (1955). La pose de la mujer indudablemente se asemeja a la de las formas femeninas reclinadas que Moore esculpió, mientras que las propiedades físicas y emocionales heroicas de la obra evocan muchas referencias clásicas.

Veinticuatro horas (1960)

A pesar de su lucha interna por encontrar una voz original, las esculturas figurativas que Caro estaba creando fueron bien recibidas por el público. Una fue exhibida en la Bienal de Venecia de 1958, y otra ganó el premio de escultura en la Bienal de París de 1959. Sin embargo, la notoriedad también lo puso en contacto con influyentes artistas abstractos de los Estados Unidos, como Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, y Robert Motherwell. Su interacción con ellos alimentó su propio impulso instintivo hacia la abstracción y lo animó a tener la confianza para hacer un cambio drástico en su estilo. Su nuevo enfoque se manifestó por primera vez en 1960 con “Veinticuatro horas.” El éxito de esta pieza lo llevó a reformar radicalmente su currículo de enseñanza, colocándolo en la vanguardia académica británica.

Una mañana temprano (1962)

En 1963, la Whitechapel Gallery en Londres realizó una exposición individual de quince esculturas abstractas de Caro, la exposición que lo catapultó a la aclamación internacional. Para muchos espectadores, el espacio interior de la galería parecía como si la construcción estuviera en marcha: formas metálicas aparentemente esparcidas esperando un caparazón exterior. Prominentemente entre las otras formas se encontraba un gran ensamblaje luminoso de acero y aluminio titulado “Early One Morning” (1962). Formas, líneas y ángulos se unieron para crear esta forma indefinible: claramente el resultado de decisiones intelectuales; elecciones, no accidentes. Cada perspectiva desde la que se observa la pieza ofrece nuevas posibilidades. Esto no es un soporte para otra estructura, sino más bien un soporte para un viaje esotérico, cuyo objetivo es simplemente mirar y soñar.

Columpio amarillo (1965)

Cuando Caro viajó por primera vez a América en 1959, una de las conexiones más influyentes que hizo fue con el escultor David Smith, un Expresionista Abstracto que ya estaba trabajando con metal soldado en ese momento. Smith y Caro se convirtieron tanto en amigos como en competidores. Caro creó la escultura “Yellow Swing” (1965) el año en que Smith murió en un accidente automovilístico. Las propiedades multivalentes de la pieza permiten interpretaciones visuales aparentemente infinitas a medida que el espectador se mueve a su alrededor. El espacio vacío se incorpora a la composición y, a veces, ejerce autoridad perceptual sobre los materiales sólidos. Su vívido uso del color expresa el deseo del que Caro habló una vez, de que de alguna manera él y sus contemporáneos pudieran ser vistos como los herederos del espíritu del Impresionismo: los guardianes de una actitud experimental revolucionaria.

Emma Dipper (1977)

En 1977, Caro se encontró en un aprieto cuando se dio cuenta de que desde el estudio remoto en Saskatchewan, Canadá, donde había venido a trabajar temporalmente, no podía acceder a sus materiales habituales. Así, adaptó su práctica para incorporar el tipo de metal delgado que se utilizaba localmente para aplicaciones agrícolas. "Emma Dipper" (1977) fue la primera escultura que hizo con este material. Está nombrada en honor a Emma Lake, donde se ubicaba su estudio. La pieza ha sido descrita como humilde, ya que desdibuja la escultura en sí. Las líneas de metal delgado pasan a un segundo plano frente a las formas que crean a partir de los espacios vacíos dentro y alrededor de la obra. La escultura es como el epítome del acertijo taoísta de que un contenedor es solo una forma vacía, sin embargo, es la vacuidad interior la que encontramos útil.

Imagen destacada: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Acero pintado Colección. Cortesía de Barford Sculptures Ltd

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio