Cinco esculturas notables de Anthony Caro

Cuando murió en 2013, Anthony Caro era considerado el escultor británico más influyente de su generación. Su influencia provenía tanto de su obra como de su enseñanza. Dos días a la semana, desde 1953 hasta 1981, enseñó en la Escuela de Arte St Martin en Londres. Allí, una de sus principales innovaciones fue combinar las clases de escultura y dibujo, cambiando el enfoque de las lecciones de copiar sujetos a “entenderlos.” Esa misma perspectiva también definió su trabajo como artista. Al principio, copiaba sus esculturas de la vida real. Moldeaba sus primeras obras o las tallaba en piedra, y las colocaba sobre pedestales de la manera tradicional. Pero en 1960, cambió abruptamente a hacer esculturas no figurativas, abstractas, de metal, y las colocó directamente en el suelo. En lugar de percibir que estas obras estaban separadas de su entorno, los espectadores se sentían conectados con la obra y podían incluso caminar alrededor de ella y contemplar los cambios en su apariencia a medida que se movían. Su objetivo de entender y luego expresar la esencia abstracta de sus sujetos también lo llevó a la conclusión de que debía usar objetos y materiales encontrados en su trabajo. Estos, sentía, son las cosas de la vida diaria moderna. El significado intrínseco que contienen habla mucho a los espectadores modernos. Su evolución como artista hizo de Caro un puente perfecto entre artistas como Marcel Duchamp, quien primero ensambló objetos prefabricados de la vida cotidiana en esculturas, y artistas contemporáneos como Jessica Stockholder, que amplían ese concepto hacia la creación de experiencias perceptivas a gran escala que redefinen las relaciones humanas con el espacio. El legado que Caro dejó es uno de invención incansable, y aquí están cinco de sus piezas más notables:

Mujer Despertándose (1955)

Caro aprendió a esculpir a partir de la naturaleza mientras estudiaba en la Real Academia de Londres. Le enseñaron a copiar directamente las esculturas de artistas griegos, romanos y etruscos. Tras graduarse, se mudó de Londres a Hertfordshire, donde infamemente llamó sin avisar a Henry Moore, el gran escultor modernista biomórfico, y le pidió un puesto como asistente en su taller. Moore le negó, pero le dijo que volviera en seis meses. Caro lo hizo y le dieron un trabajo. Sin embargo, a pesar de su respeto por Moore, Caro luchó tanto con su formación académica como con la influencia que Moore ejercía sobre él. Cuando Caro tuvo su primera exposición individual en 1956, esas dos influencias son plenamente evidentes, especialmente en la escultura más comentada de la muestra: “Mujer Despertándose” (1955). La pose de la mujer se asemeja indudablemente a las formas femeninas reclinadas que Moore esculpió, mientras que las propiedades físicas y emocionales heroicas de la obra evocan muchas referencias clásicas.

Veinticuatro Horas (1960)

A pesar de su lucha interna por encontrar una voz original, las esculturas figurativas que Caro hacía fueron bien recibidas por el público. Una fue exhibida en la Bienal de Venecia de 1958, y otra ganó el premio de escultura en la Bienal de París de 1959. La notoriedad, sin embargo, también lo puso en contacto con influyentes artistas abstractos de Estados Unidos, como Helen Frankenthaler, Kenneth Noland y Robert Motherwell. Su interacción con ellos alimentó su propio impulso instintivo hacia la abstracción y le dio la confianza para hacer un cambio dramático en su estilo. Su nuevo enfoque se manifestó por primera vez en 1960 con “Veinticuatro Horas.” El éxito de esta pieza lo impulsó a renovar radicalmente su plan de estudios, colocándolo a la vanguardia de la vanguardia académica británica.

Temprano en la Mañana (1962)

En 1963, la Galería Whitechapel en Londres organizó una exposición individual de quince esculturas abstractas de Caro, la muestra que lo catapultó a la fama internacional. Para muchos espectadores, el espacio interior de la galería parecía estar en construcción: formas metálicas aparentemente esparcidas esperando una cubierta exterior. Destacando entre las otras formas, se encontraba un gran ensamblaje luminoso rojo de acero y aluminio titulado “Temprano en la Mañana” (1962). Formas, líneas y ángulos se unían para crear esta forma indefinible: claramente el resultado de decisiones intelectuales; elecciones, no accidentes. Cada perspectiva desde la que se observa la pieza ofrece nuevas posibilidades. Esto no es un soporte para otra estructura, sino un soporte para un viaje esotérico, cuyo propósito es simplemente mirar y soñar.

Columpio Amarillo (1965)

Cuando Caro viajó por primera vez a América en 1959, una de las conexiones más influyentes que hizo fue con el escultor David Smith, un expresionista abstracto que ya trabajaba con metal soldado en ese momento. Smith y Caro se convirtieron en amigos y competidores. Caro creó la escultura “Columpio Amarillo” (1965) el año en que Smith murió en un accidente automovilístico. Las propiedades multivalentes de la pieza permiten interpretaciones visuales aparentemente infinitas a medida que el espectador se mueve alrededor de ella. El espacio vacío se incorpora a la composición y, en ocasiones, ejerce autoridad perceptiva sobre los materiales sólidos. Su uso vívido del color expresa el deseo que Caro expresó alguna vez de que él y sus contemporáneos pudieran ser vistos como herederos del espíritu del impresionismo: los guardianes de una actitud experimental revolucionaria.

Emma Dipper (1977)

En 1977, Caro se encontró en un aprieto cuando se dio cuenta de que desde el estudio remoto en Saskatchewan, Canadá, donde había ido a trabajar temporalmente, no podía acceder a sus materiales habituales. Así que adaptó su práctica para incorporar el tipo de metal delgado que se usaba localmente para aplicaciones agrícolas. “Emma Dipper” (1977), mostrada arriba, fue la primera escultura que hizo con este material. Lleva el nombre de Emma Lake, donde estaba ubicado su estudio. La pieza ha sido descrita como humilde, ya que minimiza la escultura en sí misma. Las líneas delgadas de metal pasan a un segundo plano frente a las formas que crean a partir de los espacios vacíos dentro y alrededor de la obra. La escultura es como la epitome del enigma taoísta de que un recipiente es solo una forma vacía, pero es el vacío interior lo que encontramos útil.

Imagen destacada: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Acero pintado Colección. Cortesía de Barford Sculptures Ltd

Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio