Lo lleno y lo vacío en las esculturas de Henry Moore

Un cuerpo humano es más que una sola masa; es una acumulación de masas más pequeñas. Y cada cuerpo también es parte de una masa más grande: la de la humanidad. Y la humanidad es parte de una masa aún más grande: la del mundo. El escultor Henry Moore lo expresó mejor cuando dijo: “La totalidad de la naturaleza es una demostración interminable de forma y figura.” Moore dedicó su carrera a la exploración de la forma y la figura. A pesar de lo académico que suena, las esculturas de Henry Moore no son simplemente objetos intelectuales. Ni son únicamente objetos de belleza. Trascienden tanto el intelectualismo como la estética para conectar a los espectadores con algo más profundo. Como artista figurativo primero y luego como abstracto, Moore creó obras basadas en la relación que el cuerpo humano comparte con el mundo natural más grande. Sus esculturas expresan las ideas de que la humanidad es parte de la naturaleza y que a través de nuestros sentidos podemos conectarnos con algo atemporal y universal.

Esculturas de Henry Moore - Verdades Materiales

Cuando un escultor habla de la verdad material, se refiere a qué tan bien un objeto representa las cualidades del recurso del cual está hecho. La nuez tiene una verdad material diferente a la del mármol, que tiene una verdad material diferente a la del alabastro, y así sucesivamente. Henry Moore creía en el poder de la verdad material. Rechazó la idea de que los escultores debían hacer sus obras a partir de moldes o fundiciones. Abogó por el tallado directo, ya que dejaba marcas que revelaban la naturaleza física del objeto. El tallado directo no fue ampliamente aceptado en la época de Moore, aunque algunos otros escultores influyentes también abrazaron la idea. Pero para Moore no era solo una teoría; era su naturaleza.

Henry Moore - Relieve de Figura Reclinada en el Edificio Subterráneo en St James’s, 1928. © La Fundación Henry Moore.

Moore fue uno de los nueve hijos nacidos en una familia de clase trabajadora en Castleford, una ciudad minera de carbón en Yorkshire, Inglaterra. Sus padres lucharon y se sacrificaron para enviar a sus hijos a la escuela para que no tuvieran que trabajar con sus manos. A los 11 años, después de encontrarse con la obra de Miguel Ángel, Henry los decepcionó al decidir que sería escultor. Incapaz de permitirse ir directamente a la universidad, Henry luchó en un regimiento de los Rifles del Servicio Civil en la Primera Guerra Mundial y resultó herido en un ataque con gas. Para cuando pudo permitirse la escuela de arte después de la guerra, estaba completamente moldeado por sus propias verdades materiales: nació para el trabajo duro y para hacer las cosas a mano. El tallado directo no solo sacó a relucir el carácter de sus materiales, sino que también sacó a relucir su propio carácter.

Henry Moore - La figura reclinada de la UNESCO, 1958. © La Fundación Henry Moore.

El matrimonio de Chac-mool y Cézanne

En sus veintitantos años, en París, Moore encontró un objeto estético que lo cambió de una manera profunda y significativa. Era un Chac-mool, una escultura azteca precolombina de una figura humana reclinada. La postura de la escultura evoca figuras humanas esculpidas por escultores clásicos como Miguel Ángel, pero ocurrió independientemente de tales influencias, y a un mundo de distancia. La actitud y humanidad de la figura inspiraron a Moore, y él abrazó la forma como algo universal con lo que podía trabajar.

Henry Moore - Composición en Cuatro Piezas: Figura Reclinada. © La Fundación Henry Moore.

Moore casó la esencia del Chac-mool con una figuración inspirada en una de sus pinturas más queridas, Los bañistas de Cézanne. El resultado fue una forma escultórica icónica y modernista que él llamó "figura reclinada". Exploró figuras reclinadas a lo largo de su carrera, regresando a ellas una y otra vez como base para descubrimientos sobre volumen y espacio. Hoy en día, las figuras reclinadas de Moore se pueden encontrar en todo el mundo, en parques de esculturas, espacios naturales y museos en seis continentes. Su primer encargo público fue una figura reclinada tallada en relieve en el Edificio del Metro en St James's en Londres. Su más famosa adorna la sede de la UNESCO en París.

Cézanne - Los bañistas, 1898-1905, Óleo sobre lienzo, 210.5 cm × 250.8 cm, Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, Estados Unidos

Reducción de forma

La mayoría de las Figuras Reclinadas de Moore eran abstractas. Continuamente reducía la forma de la figura humana a sus elementos esenciales y luego los abstraía para que se asemejaran a formas encontradas en la naturaleza. Sus figuras reclinadas biomórficas y abstractas parecían análogas con el paisaje natural, inspirando a muchos a encontrar mensajes humanísticos en ellas. Aunque prefería hablar lo menos posible sobre el significado de su obra, esta interpretación encaja bien con la filosofía de Moore sobre la interconexión del arte, la humanidad y la naturaleza.

Henry Moore - Figura reclinada. © La Fundación Henry Moore.

Además de abstraer la figura reclinada, Moore también la disecó. Perforó agujeros en las figuras, comentando: “El primer agujero hecho a través de un trozo de piedra es una revelación.” También desafió las percepciones de volumen y espacio al separar las figuras en colecciones de formas débilmente afiliadas que, por separado, estaban abstraídas, pero cuando se colocaban juntas insinuaban una forma humana.

Henry Moore - Madre e Hijo, 1959. © La Fundación Henry Moore.

Proteger la Forma Interna

En el apogeo de la productividad de Moore, estalló la Segunda Guerra Mundial y fue reclutado como artista de guerra. Creó una serie de dibujos que documentaban a los ciudadanos apiñados en masas en el refugio subterráneo durante los bombardeos. Los dibujos capturan el miedo mientras las formas humanas se acurrucan en un refugio, y luego se acurrucan entre sí en montones de cuerpos apiñados. Después de la guerra, esta idea, de una forma siendo protegida dentro de otra, se manifestó en todas partes en sus esculturas. Produjo múltiples obras tituladas Madre e Hijo, algunas evocando a un niño dentro de la forma de la madre, y otras mostrando dos formas separadas, pero acurrucándose juntas.

Henry Moore - Cabeza de casco No.5, 1966. © La Fundación Henry Moore.

También exploró esta idea con una serie llamada Helmet Head, creando formas de casco que a veces contenían nada más que espacio vacío, y otras veces contenían formas secundarias protegidas dentro de ellas. Estas esculturas protectoras utilizan la masa y el espacio que las rodea como su tema. En un sentido formal, examinan la plenitud y la vacuidad del espacio. En un sentido humanista, demuestran nuestra realidad más básica: la necesidad de seguridad.

Henry Moore - Tres Formas Vértebra, 1978-79, fuera del Ayuntamiento, Dallas, TX. © La Fundación Henry Moore.

Ejercicios en forma

En 1947, un contemporáneo de Moore, el autor francés Raymond Queneau, escribió un libro llamado “Ejercicios de Estilo,” en el que contó la misma breve anécdota en 99 estilos literarios diferentes. Se podría decir que Henry Moore adoptó un enfoque similar en su carrera. Persiguió unos pocos temas de múltiples maneras diferentes, centrándose en un pequeño rango de preocupaciones, como la forma, el volumen y la manera en que interactúan con el espacio. Pero si eso fuera todo lo que hizo, no habría dejado una huella tan legendaria en el arte abstracto del siglo XX.

La gran idea de Moore siempre fue la humanidad; un punto que es más evidente al considerar sus esculturas públicas, que hoy existen en 38 países. Moore pretendía que fueran tocadas, escaladas, exploradas e habitadas. Existen para todos nuestros sentidos. Moore dijo una vez: “Nuestro conocimiento de la forma y el contorno sigue siendo, en general, una mezcla de experiencias visuales y táctiles... Un niño aprende sobre la redondez al manipular una pelota mucho más que al mirarla.” A partir del trabajo de Moore aprendemos sobre la redondez, y sobre la materialidad, la forma, el espacio y muchas otras cosas formales y táctiles. Pero también aprendemos algo más importante: algo sobre nuestra interconexión con el paisaje, con los demás, con la naturaleza y con nosotros mismos.

Imagen destacada: El Chac-mool, una figura escultórica que se encuentra en todo el México prehistórico.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio