Artículo: ¿Recibiste el Mensaje? Cómo los Artistas Abstractos Comunican la Urgencia Ambiental
¿Recibiste el Mensaje? Cómo los Artistas Abstractos Comunican la Urgencia Ambiental
Sin una figura, sin una narrativa, sin representación literal: ¿cómo se transmite un mensaje en el arte visual? Este es el dilema del activista en el arte abstracto, y explica por qué la abstracción verdaderamente activista sigue siendo notablemente rara. El arte figurativo puede mostrarnos un oso polar derritiéndose, una ciudad inundada, el rostro de un manifestante. El arte abstracto ofrece solo color, forma, gesto, material. Sin embargo, a medida que la crisis climática se acelera y exige todas las voces, un grupo pionero de artistas ha demostrado que la abstracción puede ser activista, no a pesar de su resistencia a mensajes explícitos, sino por lo que ofrece de manera única.
El desafío es real. La comunicación climática convencional (imágenes catastróficas, datos abrumadores) ha alcanzado sus límites, a menudo induciendo lo que los investigadores llaman "fatiga climática" o parálisis emocional. El arte ambiental abstracto ofrece una estrategia alternativa: en lugar de representar el desastre, modela procesos ambientales (flujo, disolución, acumulación) y compromete a los espectadores a través de una experiencia sensorial y emocional directa. No te muestra la crisis; te hace sentirla.
Este artículo explora cómo los artistas abstractos comunican la urgencia ambiental a través de seis estrategias estéticas distintas. A través del trabajo de artistas pioneros (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker y otros), examinaremos cómo las aparentes limitaciones de la abstracción se convierten en fortalezas inesperadas en la defensa ambiental.
Dos Modelos, Seis Estrategias
El activismo ambiental abstracto opera a través de dos modelos generales: el Modelo Afectivo, que utiliza rituales, participación y duelo colectivo para hacer que los espectadores sientan los problemas ambientales mediante una experiencia emocional compartida; y el Modelo Cognitivo, que usa visualización, inmersión y escala para hacer que los espectadores entiendan los sistemas y procesos ecológicos invisibles.
Dentro de estos modelos, los artistas emplean seis estrategias centrales:
1. Hacer Visible lo Invisible: Algunas de las fuerzas ambientales más destructivas permanecen invisibles al ojo desnudo: carbono atmosférico, cambios de temperatura, ecosistemas microscópicos, tiempo geológico que avanza demasiado lento para la percepción humana. Los artistas abstractos han encontrado formas de traducir estos fenómenos ocultos en formas perceptibles, haciendo tangible lo que de otro modo no podemos ver pero necesitamos desesperadamente entender.
2. Testigo Material: En lugar de representar la crisis ambiental, algunos artistas permiten que sus materiales se conviertan en participantes activos del mensaje. Usan sustancias ecológicamente significativas o permiten que procesos naturales como la erosión, disolución y descomposición den forma a la obra misma. La obra se convierte en una huella forense, evidencia física de eventos ambientales en lugar de una representación de ellos.
3. Escala e Inmersión: Formatos monumentales e instalaciones inmersivas pueden abrumar a los espectadores, forzando una confrontación corporal con la vastedad de los ecosistemas. Esta estrategia rompe la distancia cómoda entre observador y ambiente, usando la escala física para combatir la alienación que alimenta la crisis ecológica. Cuando estás rodeado o empequeñecido por la obra, la comprensión intelectual da paso a la experiencia visceral.
4. El Color como Datos/Testigo: El color en la abstracción ambiental a menudo funciona menos como expresión emocional y más como información codificada. Los artistas usan paletas específicas para traducir datos (niveles de contaminación, cambios de temperatura, métricas de biodiversidad) o para servir como testigos simbólicos de la vitalidad biológica. Un verde particular no es solo hermoso; lleva testimonio sobre un bosque específico, un momento específico de observación ecológica.
5. Repetición y Acumulación: El gesto repetido, el objeto acumulado, la forma serializada pueden modelar fenómenos ecológicos que se desarrollan a través del tiempo y la cantidad: crecimiento celular, fragmentación plástica, el impacto acumulativo de la producción industrial. Cuando los elementos individuales se multiplican en miles, la obra hace visible la escala de la crisis ambiental de maneras que las imágenes individuales no pueden.
6. Experiencia Incorporada: Algunas obras demandan más que atención visual. Requieren participación física, involucran múltiples sentidos (tacto, olfato, temperatura) o crean rituales colaborativos. Al transformar a los espectadores de observadores pasivos en participantes activos, estas obras provocan respuestas afectivas (dolor, calma, ansiedad, conexión) que viven en el cuerpo más que en la mente, creando el tipo de comprensión profunda que motiva la acción ética.
Veamos cómo funcionan estas estrategias en la práctica.
Jaanika Peerna - Big melt #10 y Big Melt #16 (2016)
El Modelo Afectivo: Glacier Elegies de Jaanika Peerna
Jaanika Peerna, una artista nacida en Estonia, que trabaja entre Nueva York, Berlín y Tallin, ha desarrollado uno de los enfoques más sofisticados para el testimonio ambiental a través de la performance participativa y la disolución controlada. Su práctica experimentó un giro deliberado alrededor de 2017 para abordar directamente el colapso climático, transformando sus estudios anteriores de fuerzas naturales (viento, agua, luz) en activismo climático explícito.
La técnica de Peerna consiste en agarrar manojos de lápices en cada mano y ejecutar gestos espontáneos de cuerpo entero sobre grandes hojas de Mylar, creando dibujos cinéticos que registran fuerzas naturales a través del movimiento puro. Los lápices se convierten en extensiones de su cuerpo, transformando a la artista en lo que los críticos llaman "un recipiente que captura procesos naturales." Pero el poder activista emerge en el segundo acto de la performance.
En su proyecto en curso Glacier Elegy, Peerna invita al público a colaborar en la creación de estos dibujos a gran escala. Luego introduce bloques de hielo natural sobre la superficie. A medida que el hielo se derrite, disuelve activamente las líneas y pigmentos dibujados, borrando la creación colaborativa en tiempo real. Este proceso colapsa décadas de derretimiento glaciar en una experiencia inmediata y encarnada de pérdida.
El genio radica en la participación pública (Estrategia 6: Embodied Experience). Al incluir al público en la creación, Peerna garantiza una inversión emocional; la destrucción posterior se convierte en una pérdida compartida y tangible en lugar de datos abstractos. La obra no representa el derretimiento glaciar; lo realiza, transformando a los espectadores en testigos y dolientes. Su enfoque reconoce que la imaginería catastrófica convencional a menudo induce parálisis; su método ritualístico proporciona un "camino a través" estructurado para el abrumador duelo climático, transformando la participación de una observación pasiva en lo que ella llama "un acto de responsabilidad ética y cuidado por el planeta."
El hielo que se derrite funciona como Material Witness (Estrategia 2). El agua no es solo un medio; es un agente activo de transformación y destrucción. La gravedad y el flujo dictan la composición final, convirtiendo la obra en un documento forense del proceso de disolución en sí. Peerna también ha desarrollado una sofisticada dimensión temporal (Scale/Immersion, Estrategia 3). Mientras que su trabajo anterior celebraba procesos naturales lentos, Glacier Elegy acelera deliberadamente el trauma geológico, comprimiendo décadas de retroceso glaciar en la breve duración de una performance ritual. Esta compresión simula urgencia de una manera que los datos climáticos no pueden.
Peerna extiende esta práctica a su trabajo en estudio, donde realiza versiones en solitario del mismo proceso ritualístico. Las obras resultantes (titulares "Tipping Point", "Big Melt", "Meltdown", "Ablation Zone") presentan una paradoja poderosa: monumentos sintéticos permanentes sobre Mylar que registran tragedias naturales momentáneas, subrayando la longevidad de los materiales hechos por el hombre frente a la fragilidad de los procesos naturales.
La acumulación de líneas cinéticas y gestos sobre el Mylar (Repetición/Acumulación, Estrategia 5) refleja la complejidad e intensidad de las fuerzas naturales registradas. Y aunque la estética de Peerna es minimalista (a menudo negro sobre blanco), su activismo está anclado en un vocabulario preciso (Color como Datos, Estrategia 4). Sus títulos hacen referencia a procesos críticos de la glaciología y la ciencia climática, fusionando la estética emocional con puntos de datos objetivos y fundamentando la obra abstracta en la realidad científica.
Reiner Heidorn - Rango Específico #2 y Rango Específico #1 (2024)
El Modelo Ontológico: Bio-Divisionismo de Reiner Heidorn
Reiner Heidorn, un artista alemán radicado en Baviera, emplea un enfoque radicalmente diferente. Trabajando desde su estudio rodeado por los Alpes bávaros y bosques, Heidorn ha desarrollado lo que llama la técnica "Dissolutio" (disolución en latín), un proceso que apunta explícitamente a disolver las fronteras entre la humanidad y el mundo natural.
El activismo de Heidorn no se centra en la contaminación o degradación material como el de Peerna, sino en restaurar una relación ontológica saludable con la naturaleza. Sus pinturas son lo que él llama "pasajes" o "aperturas" hacia la materia viva, aspirando a crear "un espacio sin fronteras" entre el observador y lo observado. Esta búsqueda para desmantelar la dicotomía sujeto/objeto, identificada por filósofos ecológicos como una causa raíz de la crisis ambiental, define la eficacia política de su obra.
Su técnica ofrece un ejemplo excepcional de Hacer Visible lo Invisible (Estrategia 1). Heidorn transforma estructuras celulares microscópicas y ecosistemas de agua dulce en vastos campos inmersivos de color. Su estilo, que los historiadores del arte llaman "Neo-Expresionismo Bio-Divisionista", emplea lo que él denomina "Pointillismo Microscópico": miles de pequeños y precisos puntos de color se organizan en suaves gradaciones, transfiriendo el lenguaje visual de la microscopía científica a la expresión emocional. Hace perceptible la complejidad e interconexión de la vida que normalmente escapa al ojo humano, haciendo visibles las redes invisibles que sostienen los ecosistemas.
El proceso de Dissolutio en sí funciona como Material Witness (Estrategia 2), aunque implícitamente. Para mantener sus obras en un estado de movimiento e incorporar la transitoriedad como una cualidad estética, Heidorn viola deliberadamente las reglas clásicas de la pintura al óleo, mezclando colores directamente en el lienzo y aceptando "errores" como burbujas y cráteres. Esta alteración del medio asegura que la obra encarne el flujo y el cambio, reforzando la idea de materia viva y mutable y entregando el control a los procesos naturales.
El formato de sus obras es un mecanismo crítico de defensa (Scale/Immersion, Estrategia 3). Sus lienzos son monumentales y de gran tamaño, diseñados para "abrumar a los espectadores," funcionando como "portales" que sumergen al espectador en materia viva y mutante. Esta escala monumental es una estrategia activista intencional para combatir el antropocentrismo. Al forzar a los espectadores a una confrontación corporal con la inmensidad del ecosistema, la obra insiste en lo que Heidorn llama la "total insignificancia del individuo." Lejos de ser nihilista, este enfoque fomenta la humildad y promueve lo que él describe como "recuperación psicológica." Sentirse insignificante ante la vitalidad biológica invita a los espectadores a disolver su separación de la naturaleza, la antítesis de la alienación que alimenta la crisis ambiental.
El trabajo de Heidorn se basa fuertemente en el Color como Data/Witness (Estrategia 4). Su lenguaje visual está dominado por el verde, no como fondo sino como sujeto y voz. Los historiadores del arte asocian esto con un "verde sagrado, el testigo de la vida bendita y profunda del mundo." Su paleta, enriquecida con azules y ocres, evoca explícitamente bosques, lagos y mundos biológicos autónomos. Estos colores no son elecciones decorativas sino testigos de lugares específicos, luz específica, momentos específicos de conexión entre el artista y el entorno.
La Repetition/Accumulation (Estrategia 5) es intrínseca a su método. El Puntillismo Microscópico se basa en miles de pequeños puntos de color precisos que se acumulan para formar ecosistemas complejos. Este uso de la repetición modela la densidad y la complejidad estructural de la materia viva a escala celular, una representación estética de la interconexión necesaria y la riqueza biológica a nivel microscópico.
Finalmente, el objetivo último de Heidorn es tanto moral como psicológico (Embodied Experience, Estrategia 6). Sus pinturas están diseñadas para proporcionar momentos de "recuperación psicológica y calma profunda." Al invitar a los espectadores a atravesar estos "pasajes" y disolver las fronteras entre el yo y la naturaleza, la experiencia inmersiva se convierte en una acción terapéutica contra la ansiedad ecológica y la alienación. Los críticos reportan una sensación de "ternura inesperada" experimentada por los espectadores, demostrando la efectividad de este enfoque no confrontacional. En una era de emergencia ambiental, la insistencia de Heidorn en la lentitud y la contemplación se convierte en una forma de resistencia contra la destrucción acelerada del ecosistema.
Ampliando el Vocabulario: Tres Enfoques Más
Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)
Abstracción Conceptual: Olafur Eliasson
Olafur Eliasson, el artista conceptual danés-islandés, usa formas abstractas y minimalistas como su lenguaje principal para la comunicación ambiental. Aunque fundamentalmente es un artista conceptual, su obra califica como activismo abstracto a través de la manipulación de fenómenos naturales (luz, agua, atmósfera, percepción) en experiencias no figurativas.
Eliasson sobresale en Hacer Visible lo Invisible (Estrategia 1) y Experiencia Incorporada (Estrategia 6). Obras como Wavemachines o Regenfenster (Rain window) replican fenómenos acuáticos y condiciones climáticas, permitiendo que el público experimente fuerzas naturales invisibles o incontrolables en espacios controlados de museos. Moss wall (1994) involucra directamente la experiencia incorporada al introducir materialidad sensorial (aroma, textura del líquen) en el ambiente estéril del museo, haciendo que los visitantes sean muy conscientes de la presencia biológica viva.
Su trabajo sobre el color ilustra la cuarta estrategia mencionada arriba (Datos/Testimonio). Los Colour experiments (2019) deconstruyen pinturas históricas figurativas de paisajes (como las de Caspar David Friedrich), tratándolas como fuentes de datos cuantificables. Al analizar, extraer y distribuir proporcionalmente colores sobre lienzos abstractos, Eliasson crea un "conjunto de datos" cromático puro del paisaje. Valida la idea de que la naturaleza puede traducirse en una forma abstracta codificada, una especie de historia del arte forense.
Su proyecto Your planetary assembly (2025) emplea Escala/Inmersión (Estrategia 3) a través de ocho poliedros abstractos cuyos colores y disposición están inspirados en modelos del sistema solar. Diseñado como un espacio de asamblea pública (haciendo referencia a la ágora), la disposición espacial de la instalación obliga a los participantes a considerar su entorno inmediato dentro de un contexto cósmico más amplio, vinculando la geometría abstracta y el mapeo cósmico con la idea de comunidad local.
La práctica de Eliasson plantea constantemente: ¿Cómo puede el arte hacer que la crisis climática no solo se entienda intelectualmente, sino que se sienta físicamente? Su enfoque demuestra que los artistas conceptuales pueden usar la abstracción como su conducto principal para el mensaje ambiental, creando experiencias viscerales que evitan la comprensión intelectual.
Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totems (2019)
Visualización de Datos: Haciendo Tangibles las Estadísticas
Un movimiento creciente de artistas usa la abstracción como herramienta para traducir datos ecológicos complejos en formas accesibles. Esta práctica de "eco-visualización", término acuñado por la artista Tiffany Holmes en 2005, reinterpreta datos (consumo de energía, niveles de contaminación, pérdida de especies) mediante medios tecnológicos y artísticos para influir en el comportamiento. Esto emplea directamente Hacer Visible lo Invisible (Estrategia 1) y Color como Datos/Testigo (Estrategia 4).
La instalación Totemy de Alicja Biała e Iwo Borkowicz ofrece un ejemplo directo. Estos pilares de nueve metros de altura usan color, forma y textura para representar estadísticas climáticas específicas: explotación pesquera, contaminación del aire, tala de madera. Esta es una aplicación clara de Escala/Inmersión (Estrategia 3) mediante la altura imponente, Color como Datos/Testigo (Estrategia 4) mediante colores codificados para estadísticas, y Hacer Visible lo Invisible (Estrategia 1) al hacer tangibles estadísticas abrumadoras. Los espectadores pueden visualizar la escala de los problemas y luego escanear códigos QR para documentación completa, vinculando la estética abstracta con información factual.
ScanLAB Projects, el estudio londinense dirigido por artistas fundado por Matt Shaw y William Trossell utiliza escáneres 3D para crear obras digitales abstractas en time-lapse de sitios naturales, como un cactus saguaro colapsando en el Desierto de Sonora. El cambio climático a menudo se manifiesta en escalas temporales demasiado lentas para la percepción humana (glaciares derritiéndose durante décadas, erosión durante siglos). El time-lapse abstracto de ScanLAB resuelve esto manipulando y comprimiendo el tiempo, haciendo visible un proceso usualmente invisible a escala humana. La obra sirve como un archivo dinámico, concretando la noción de Invisible Visible (Estrategia 1) mediante la abstracción de la duración.
Mandy Barker - Nido de pájaro - © Mandy Barker
Acumulación Forense: Mandy Barker
La artista británica Mandy Barker ha desarrollado una práctica conceptual y fotográfica impactante que utiliza la acumulación para materializar la escala global de la contaminación marina. Aunque su medio final es la fotografía, sus composiciones abstractas se crean mediante el ensamblaje intencional y la superposición de miles de desechos plásticos recolectados.
La obra de Barker emplea directamente Repetición/Acumulación (Estrategia 5) y Testigo Material (Estrategia 2). La acumulación no es meramente estética; es forense, destinada a cuantificar la escala insostenible del problema. Su serie PENALTY: The World reunió 992 piezas de balones de fútbol y desechos marinos de 41 países para ilustrar la magnitud global del problema. La serie Hong Kong Soup: 1826 - Spilt documenta derrames masivos integrando pellets de plástico (nurdles) en la composición, actuando como testigos visuales de la contaminación.
Cada pieza individual de escombro se transforma en una unidad de la crisis global de micro y macroplásticos. La elección de materiales (desechos) se convierte en un acto ético, transformando la obra abstracta en prueba física e invitando al público a repensar su enfoque hacia los materiales y el consumo. Históricamente, la repetición y acumulación en el arte se asociaban con temas psicológicos (las acumulaciones obsesivas de Yayoi Kusama, por ejemplo). En el contexto ambiental, la acumulación adquiere un significado político crítico, vinculado directamente a la acumulación y fragmentación de desechos, particularmente plásticos.
Las composiciones abstractas de Barker son hermosas y horripilantes al mismo tiempo. La cuidadosa disposición de escombros en patrones tipo mandala o formas de constelación crea una seducción visual que atrae a los espectadores, para luego darles un golpe directo: cada elemento es basura, cada pieza evidencia de la crisis ecológica. Esta estrategia demuestra que la abstracción puede contener belleza y urgencia en el mismo marco, usando el placer estético no como distracción sino como el gancho que mantiene a los espectadores comprometidos el tiempo suficiente para que el mensaje se registre.
Por qué el Activismo Abstracto Funciona: Afecto y Cognición
El análisis comparativo de estas prácticas revela que el arte ambiental abstracto tiene éxito a través de dos modelos principales, cada uno empleando diferentes combinaciones de las seis estrategias.
El Modelo Afectivo (ejemplificado por Peerna) demuestra la superioridad de las prácticas rituales (Estrategia 6). Al proponer una estructura estética para el duelo ecológico y la pérdida colectiva, Peerna ofrece un camino para transformar el dolor en acción ética. Esta estrategia evita con éxito la saturación mediática y la parálisis emocional inducida por imágenes catastróficas. Ofrece lo que la comunicación climática convencional no puede: una forma de enfrentar hechos abrumadores mientras se sana el alma y se motiva a la acción.
El Modelo Cognitivo (ejemplificado por Heidorn, Eliasson y artistas de eco-visualización) utiliza la abstracción para restaurar una relación saludable con el mundo. Heidorn lo logra disolviendo las fronteras entre observador/observado y usando escala monumental (Estrategia 3) para enseñar humildad ante la vitalidad biológica. La eco-visualización usa la abstracción para hacer visible la información invisible (datos) (Estrategia 4), permitiendo la comprensión cognitiva de procesos complejos o lentos (como el time-lapse de ScanLAB). Eliasson crea ambientes controlados donde fuerzas atmosféricas invisibles se convierten en experiencias tangibles.
Ambos modelos comparten una idea crucial: la abstracción evita la comprensión intelectual para crear un conocimiento visceral y corporal. Cuando participas en la creación de un dibujo que luego se disuelve ante tus ojos, cuando te quedas abrumado ante un lienzo monumental de vida microscópica, cuando encuentras desechos oceánicos cuidadosamente dispuestos, la respuesta es somática, no cerebral. Esto crea lo que los investigadores llaman "empatía somática", una forma más profunda de entendimiento que vive en el cuerpo y motiva la acción de maneras que las estadísticas y las imágenes catastróficas no pueden.
La abstracción como testimonio urgente
¿Puede la abstracción ser activista? El trabajo de Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker y otros demuestra definitivamente que sí puede. Pero estas prácticas también revelan por qué la abstracción activista sigue siendo rara: requiere resolver el "problema del mensaje" que la figuración evita. Sin figuras ni narrativas, los artistas abstractos deben encontrar otras estrategias: hacer visibles sistemas invisibles, usar la transformación material como metáfora, abrumar mediante la escala, codificar información en color, acumular evidencia mediante la repetición, crear experiencias que transforman a los observadores en participantes.
El desafío sigue siendo real. La abstracción nunca comunicará con la claridad inmediata de una fotografía de un bosque talado o una pintura de un refugiado climático. Pero estos enfoques demuestran que la abstracción ofrece algo igualmente valioso: la capacidad de testimoniar la crisis ambiental a través de la forma, el material y el proceso; crear belleza que lleva urgencia; hablar un lenguaje visual universal; hacer sentir lo que no siempre se puede ver; proporcionar estructuras para el duelo, la sanación y la acción ética.
Para los espectadores y coleccionistas, involucrarse con la abstracción activista es en sí mismo un acto de testimonio. Cuando pasas tiempo con las elegías glaciares de Peerna o los ecosistemas microscópicos de Heidorn, cuando encuentras las instalaciones atmosféricas de Eliasson o los mandalas de desechos de Barker, participas en un tipo diferente de conciencia ambiental, una que vive en el cuerpo, en la sensación, en el espacio donde la belleza y la urgencia se encuentran. Como demuestran estos artistas, esta participación puede transformar el compromiso climático de una desesperación abrumadora a un duelo estructurado, de la observación pasiva a la sanación colectiva, de la alienación a la reconexión.
La abstracción activista es posible. Es difícil, es rara, pero cuando se logra, ofrece formas de testimonio ambiental que la figuración no puede igualar. Mientras la crisis climática exige todas las voces, estos artistas demuestran que la abstracción tiene contribuciones esenciales que hacer, no a pesar de su resistencia a mensajes explícitos, sino por lo que esa resistencia, cuando se supera, hace posible.
Jaanika Peerna y Reiner Heidorn están representados por IdeelArt.
Imagen destacada: Wetland de Reiner Heidorn (2023)
Por Francis Berthomier
