Alberto Burri y la Transformación de Materiales

Si decimos que una obra de arte tiene significado, eso implica que creemos que el significado existe. Pero si el significado existe, ¿no debería la vida misma ser lo más significativo? Después de todo, es solo porque estamos vivos que podemos disfrutar reflexionando sobre el significado de otras cosas. Alberto Burri se convirtió en artista durante una época de paradoja respecto al significado. Comenzó a pintar como prisionero de guerra durante la Segunda Guerra Mundial. Había sido médico antes de la guerra y sirvió en las líneas del frente en la infantería italiana, y como tal fue testigo directo de la conclusión a la que evidentemente había llegado la civilización respecto a la aparente falta de sentido de la vida humana. Sin embargo, al mismo tiempo, artistas en Europa y América se lanzaban de lleno a modos de expresión que trataban enteramente sobre el significado personal: significado inconsciente, significado psicológico, significado oculto y significado universal. De alguna manera, la sociedad sostenía dos pensamientos opuestos: que un ser vivo puede tener tan poco significado que puede ser desperdiciado en la guerra, y que un objeto inanimado puede poseer tanto significado que puede volverse invaluable. La obra de Burri, al menos en parte, aborda sus sentimientos sobre lo que debería y tiene significado. Al considerarla detenidamente, quizás podamos llegar a algunas de las verdades que este artista único descubrió; verdades que podrían aumentar nuestra comprensión del arte abstracto y de nosotros mismos.

Las raíces de Alberto Burri

En cierto sentido, sin la guerra tal vez Alberto Burri no se habría convertido en artista. En cambio, habría sido médico rural. Burri nació en un pequeño pueblo de Umbría, Italia, en 1915, hijo de un padre que vendía vino y una madre que enseñaba en la escuela. El campo de su hogar es idílico. Su paisaje eventualmente sirvió como tema para muchas de las primeras pinturas de Burri, las que aprendió a pintar por sí mismo como prisionero de guerra estadounidense en Texas. En 1940, Burri se graduó de la universidad con un título en medicina. Apenas había comenzado a ejercer como médico cuando ese mismo año Italia entró en la Segunda Guerra Mundial. Burri fue reclutado en la infantería. Durante casi tres años luchó como soldado en primera línea en el norte de África, sirviendo también como médico en el campo.

Cuando la unidad de Burri fue capturada, fue enviado a un campo de prisioneros de guerra en Hereford, Texas. Allí, a Burri no se le permitió ejercer la medicina. Así que, como muchos otros prisioneros, comenzó a pintar para pasar el tiempo. Al no contar con lienzos adecuados, pintaba sobre sacos de arpillera. Pintaba paisajes idílicos de lo que veía en Texas y de lo que había visto antes en su vida, en Umbría. Tras la guerra, al ser repatriado a Italia, Burri abandonó la medicina para siempre, entregándose por completo a su arte. Pero llevó su estética en una dirección muy diferente. Redujo su lenguaje visual, creando imágenes que eran completamente abstractas. Continuó usando arpillera, que estaba en abundancia en la Italia de posguerra, e incorporó también cualquier otro material, medio y herramienta que fuera barato y fácilmente disponible. Su paleta y sus imágenes recordaban el paisaje destrozado de su país natal y la textura y apariencia de tanto desperdicio.

Alberto Burri - Bianco, óleo, collage de tela, arena, pegamento y arpillera sobre lienzo, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

La prisa por el significado

El hecho de que el estilo recién abstracto de Burri incorporara colores, texturas, materiales y formas que recuerdan a la destrucción y la carnicería parece una invitación para que los espectadores supongan que estaba haciendo obras sobre sus experiencias como médico y soldado. Pero Burri afirmó a lo largo de su carrera que no había tal significado en sus elecciones, y que no había significado alguno en sus imágenes. En 1994, dijo en referencia a toda su obra, “¡Forma y espacio! Fin. No hay nada más.”

Quizás en esa declaración yace la verdad más profunda que Burri descubrió sobre el significado y la existencia. La única universalidad compartida por todas las cosas, incluidos humanos, pinturas, animales y bombas, es que todo es simplemente materia tomando diferentes formas en el espacio. En filosofía, el Realismo Material prioriza el mundo físico sobre el mundo consciente. A veces los ateos usan el término en referencia a su negación de un reino espiritual. A veces los científicos lo usan para separar observaciones objetivas de sus reacciones personales a esas mismas observaciones. Si hemos de creer lo que el propio Alberto Burri dice sobre su obra (¿y por qué no?), su arte ejemplifica el Realismo Material. Explora la realidad de las propiedades formales y físicas de sus materiales, y nada más.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, pintura acrílica y saco de yute sobre lienzo, 1954 (izquierda) / Sacco 5 P, tela sobre lienzo, arpillera y costura a mano, 1953 (derecha). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

Las realidades materiales de Burri

En cuanto a las cualidades formales de su obra, Burri fue un innovador sumamente creativo. Pionero de una variedad de técnicas para crear su trabajo, incorporó una gama igualmente diversa de materiales para resaltar el impacto de esas técnicas. Tomando prestado el concepto de collage, sus imágenes adquirieron una apariencia estratificada que difuminaba la línea entre pintura, relieve y escultura. Sus primeras obras eran mezclas de pintura y telas superpuestas, que cosía y unía. Más tarde añadió dimensionalidad cortando, rajando y haciendo agujeros en sus superficies. Usó fuego para quemar elementos de madera de sus obras, utilizando el proceso de carbonización para crear sus formas. Usó calor para derretir plástico, añadiendo una dimensión y textura extrañamente orgánicas a sus composiciones.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

En un esfuerzo por reiterar la naturaleza formalista de su obra, en lugar de darle nombres poéticos simplemente las titulaba según su naturaleza física, usando las palabras italianas para su color, material o la técnica que usó para hacerlas. Sus obras hechas con alquitrán las llamó Catrami, sus obras de plástico derretido fueron Plastichi, sus obras en madera se llamaron Legni. Llamó a sus obras en arpillera Sacchi, la palabra italiana para sacos. Las obras que hizo con fuego se llamaron Cumbustiono, y sus icónicas obras abultadas, que hacía insertando objetos extraños detrás de las superficies, las nombró Gobbi, la palabra italiana para jorobados.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

La gran grieta

Uno de los logros más icónicos de la carrera de Burri llegó en forma de una estética que él mismo creó y llamó Cretto, una palabra coloquial toscana que significa grieta. Para lograr el Cretto, exageró los procesos que conducen a la aparición natural de finas grietas capilares en varios medios pictóricos a medida que envejecen, un efecto conocido como craquelado. Normalmente, este efecto se considera perjudicial para una pintura. Por ejemplo, la pintura seminal de Kazimir Malevich, Cuadro negro, que alguna vez fue una forma negra sólida, ahora ha envejecido tan mal que parece similar a una de las pinturas Cretto de Burri.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl sobre cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

Mediante la apropiación de un proceso normalmente atribuido a la descomposición, convirtiéndolo en cambio en un proceso de creación, Burri expresa nuevamente una dicotomía esencial sobre el significado de las cosas. Crea a través del acto de destrucción. Encuentra belleza en la decadencia. La manifestación máxima de esta expresión llegó en 1985 cuando Burri la usó para crear su obra más monumental, Il Grande Cretto. Una de las obras de arte terrestre más grandes conocidas, Il Grande Cretto fue construida sobre el antiguo sitio de un pueblo aniquilado, el pueblo de Gibellina en Sicilia, que fue destruido por un terremoto en 1968. Il Grande Cretto se alza sobre sus ruinas, un ensamblaje masivo de formas de piedra y grietas que mide aproximadamente 120,000 metros cuadrados.

Kazimir Malevich - Cuadro negro, 1915, 80 cm x 80 cm, © Galería Estatal Tretiakov, Moscú

Un legado de innovación

Burri no fue el único artista inspirado a adoptar este tipo de estética tras la Segunda Guerra Mundial. Para la década de 1960, tantos artistas usaban materiales desechados y aparentemente sin valor en sus obras que se acuñó el término Arte Povera, o arte pobre, para referirse a su estilo. Y se acuñó el término Arte Informal para referirse a los lienzos salvajes y expresivos que los pintores hacían mediante la intuición y la acción emotiva. Aunque la estética de Burri lo ha asociado tanto con Arte Povera como con Arte Informal, él tuvo una razón muy diferente para abrazar esta estética que los demás que vinieron después.

Arte Povera fue una reacción a otra cosa que ocurría en el arte; fue un retorno a una estética proletaria. Arte Informal fue una aceptación de la expresión personal y el poder de hacer obras que expresaran algo profundo y oculto dentro de la obra. Lo que hizo Burri no fue una reacción contra otra cosa. Y no había significado oculto en su obra. Él dijo, “Las palabras no significan nada para mí; hablan alrededor de la imagen. Lo que tengo que expresar aparece en la imagen.” Este enfoque único y seguro hacia un examen completamente formal de materiales, forma y espacio dejó un ejemplo que afirmaba algo esperanzador: Las pinturas son solo pinturas. Es el artista quien determina su significado, y por lo tanto el artista —el individuo vivo, respirante y creativo— es quien debe ser valorado.

Imagen destacada: Alberto Burri - Ferro, 1954, créditos fotográficos Museo Guggenheim
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio