Alberto Burri y la Transformación de Materiales

Si decimos que una obra de arte tiene significado, eso implica que creemos que el significado existe. Pero si el significado existe, ¿no debería ser la vida misma la cosa más significativa? Después de todo, es solo porque estamos vivos que podemos disfrutar reflexionando sobre el significado de otras cosas. Alberto Burri se convirtió en artista durante una época de paradoja respecto al significado. Comenzó a pintar como prisionero de guerra durante la Segunda Guerra Mundial. Había sido médico antes de la guerra y sirvió en las líneas del frente en la infantería italiana, y como tal, fue testigo de primera mano de la conclusión a la que evidentemente había llegado la civilización respecto a la aparente falta de significado de la vida humana. Sin embargo, al mismo tiempo, los artistas en Europa y América se lanzaban de cabeza a modos de expresión que eran completamente sobre el significado personal: significado inconsciente, significado psicológico, significado oculto y significado universal. De alguna manera, la sociedad sostenía dos pensamientos opuestos: que un ser vivo puede tener tan poco significado que puede ser desperdiciado en la guerra, y que un objeto inanimado puede poseer tal significado que puede volverse invaluable. La obra de Burri, al menos en parte, aborda sus sentimientos sobre lo que debería y lo que tiene significado. Al considerarlo de cerca, quizás podamos llegar a algunas de las cosas que este artista único descubrió; verdades que podrían aumentar nuestra comprensión del arte abstracto y de nosotros mismos.

Las Raíces de Alberto Burri

En cierto sentido, sin la guerra tal vez Alberto Burri no se habría convertido en artista. En su lugar, habría sido un médico rural. Burri nació en un pequeño pueblo de Umbría, Italia, en 1915, de un padre que vendía vino y una madre que enseñaba en la escuela. El campo de su hogar es idílico. Su paisaje eventualmente serviría como tema para muchas de las primeras pinturas de Burri, las que él mismo aprendió a pintar como prisionero de guerra estadounidense en Texas. En 1940, Burri se graduó de la universidad con un título en medicina. Apenas había comenzado a ejercer como médico cuando, más tarde ese mismo año, Italia entró en la Segunda Guerra Mundial. Burri fue reclutado en la infantería. Durante casi tres años luchó como soldado en la primera línea en el norte de África, también sirviendo como médico en el campo.

Cuando la unidad de Burri fue capturada, fue enviado a un campo de prisioneros de guerra en Hereford, Texas. Allí, a Burri no se le permitió practicar la medicina. Así que, como muchos otros prisioneros de guerra, comenzó a pintar para pasar el tiempo. Al carecer de lienzos adecuados, pintó sobre sacos de yute. Pintó paisajes idílicos de lo que veía en Texas y de lo que había visto anteriormente en la vida, en Umbría. Después de la guerra, al ser repatriado a Italia, Burri abandonó la medicina para siempre, entregándose por completo a su arte. Pero llevó su estética en una dirección muy diferente. Redujo su lenguaje visual, creando imágenes que eran completamente abstractas. Continuó utilizando yute, que estaba en abundancia en la Italia de la posguerra, y también incorporó cualquier otro material, medio y herramienta que fueran baratos y fácilmente disponibles. Su paleta y sus imágenes se asemejaban al paisaje destrozado de su país natal y a la textura y apariencia de tanto que había sido desperdiciado.

Alberto Burri - Bianco, óleo, collage de tela, arena, pegamento y arpillera sobre lienzo, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

La prisa por encontrar el significado

El hecho de que el estilo recién abstraído de Burri incorporara colores, texturas, materiales y formas que recuerdan a la destrucción y la carnicería parece una invitación a los espectadores a suponer que estaba creando obras sobre sus experiencias como médico y soldado. Pero Burri afirmó a lo largo de su carrera que no había tal significado que encontrar en sus elecciones, y que no había significado alguno en sus imágenes. En 1994, dijo en referencia a toda su obra, “¡Forma y Espacio! El fin. No hay nada más.”

Quizás en esa declaración se encuentra la verdad más profunda que Burri descubrió sobre el significado y la existencia. La única universalidad compartida por todas las cosas, incluidos los humanos, las pinturas, los animales y las bombas, es que todo es solo materia tomando diferentes formas en el espacio. En filosofía, el Realismo Material prioriza el mundo físico sobre el mundo consciente. A veces, los ateos utilizan el término en referencia a su negación de un reino espiritual. A veces, los científicos lo utilizan para separar las observaciones objetivas de sus reacciones personales a esas mismas observaciones. Si hemos de creer lo que Alberto Burri mismo dice sobre su obra (¿y por qué no deberíamos?), su arte ejemplifica el Realismo Material. Explora la realidad de las propiedades formales y físicas de sus materiales, y nada más.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, pintura acrílica y saco de yute sobre lienzo, 1954 (Izquierda) / Sacco 5 P, tela sobre lienzo, arpillera y costura a mano, 1953 (Derecha). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

Las Realidades Materiales de Burri

En términos de las cualidades formales de su obra, Burri fue un innovador creativamente salvaje. Pionero de una variedad de técnicas para crear su trabajo, incorporó una gama igualmente diversa de materiales para resaltar el impacto de esas técnicas. Tomando prestado el concepto de collage, sus imágenes adquirieron una apariencia en capas que difuminaba la línea entre la pintura, el relieve y la escultura. Sus primeras obras eran mezclas de pintura y tela en capas, que cosía y unía. Más tarde, añadió dimensionalidad cortando, desgarrando y haciendo agujeros en sus superficies. Usó fuego para quemar elementos de madera de su obra, utilizando el proceso de carbonización para crear sus formas. Usó calor para derretir plástico, añadiendo una dimensión y textura extrañamente orgánicas a sus composiciones.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

En un esfuerzo por reiterar la naturaleza formalista de su obra, en lugar de dar a su trabajo nombres poéticos, simplemente los tituló de acuerdo a su naturaleza física, utilizando las palabras italianas para su color, material o la técnica que utilizó para crearlos. Sus obras hechas con alquitrán las llamó Catrami, sus obras de plástico derretido fueron Plastichi, sus obras en madera se llamaron Legni. Llamó a sus obras de arpillera Sacchi, la palabra italiana para bolsas. Las obras que hizo con fuego se llamaron Cumbustiono, y sus icónicas obras abultadas, que hizo insertando obstrucciones extranjeras detrás de las superficies; las nombró Gobbi, la palabra italiana para jorobados.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

La gran grieta

Uno de los logros más icónicos de la carrera de Burri se presentó en forma de una estética que él mismo pionero y que llamó Cretto, una palabra en jerga toscana para grieta. Para lograr Cretto, exageró los procesos que conducen a la apariencia natural de finas grietas en varios medios de pintura a medida que envejecen con el tiempo, un efecto conocido como craquelado. El efecto normalmente se considera algo perjudicial para una pintura. Por ejemplo, la pintura seminal de Kazimir Malevich, Cuadrado Negro, que alguna vez fue una forma negra sólida, ahora ha envejecido tan mal que se parece a una de las pinturas Cretto de Burri.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinilo sobre cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York/SIAE, Roma

A través de la apropiación de un proceso normalmente atribuido a la descomposición, convirtiéndolo en un proceso de creación, Burri expresa nuevamente una dicotomía esencial sobre el significado de las cosas. Crea a través del acto de destrucción. Encuentra belleza en la descomposición. La manifestación definitiva de esta expresión llegó en 1985 cuando Burri la utilizó para crear su obra más monumental, Il Grande Cretto. Una de las obras de arte terrestre más grandes conocidas, Il Grande Cretto se construyó sobre el antiguo sitio de una ciudad aniquilada, la ciudad de Gibellina en Sicilia, que fue destruida en un terremoto en 1968. Il Grande Cretto se sitúa sobre sus ruinas, una masiva asamblea de formas de piedra y grietas que mide aproximadamente 120,000 metros cuadrados.

Kazimir Malevich - Cuadrado Negro, 1915, 80 cm x 80 cm, © Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Un legado de innovación

Burri no fue el único artista inspirado para adoptar este tipo de estética después de la Segunda Guerra Mundial. En la década de 1960, tantos artistas estaban utilizando materiales desechados, aparentemente sin valor, en su trabajo que se acuñó el término Arte Povera, o arte pobre, para referirse a su estilo. Y se acuñó el término Art Informel para referirse a los lienzos salvajes y expresivos que los pintores estaban creando a través de la intuición y la acción emotiva. Aunque la estética de Burri le ha hecho asociarse tanto con Arte Povera como con Art Informel, él tuvo una razón muy diferente para abrazar esta estética que los demás que vinieron tras él.

Arte Povera fue una reacción a algo más que estaba sucediendo en el arte; fue un regreso a una estética proletaria. Arte Informel fue un abrazo a la expresión personal y al poder de crear obras que expresaran algo profundo y oculto dentro de la obra. Lo que hizo Burri no fue una reacción contra algo más. Y ningún significado estaba oculto en su obra. Él dijo: “Las palabras no significan nada para mí; hablan alrededor de la imagen. Lo que tengo que expresar aparece en la imagen.” Este enfoque único y seguro hacia un examen completamente formal de materiales, forma y espacio dejó un ejemplo que afirmaba algo esperanzador: Las pinturas son solo pinturas. Es el artista quien determina su significado, y por lo tanto el artista – el individuo vivo, respirante y creativo – es quien debe ser valorado.

Imagen destacada: Alberto Burri - Ferro, 1954, créditos de la foto Museo Guggenheim
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio