Tres Maestros del Color Azul en el Arte Contemporáneo

Cuando ves el color azul, ¿qué sientes? ¿Lo describirías como algo diferente a lo que sientes cuando escuchas la palabra azul o lees la palabra azul en una página? ¿La información comunicada por un tono es diferente a la información comunicada por su nombre? Sea lo que sea que sientas, ¿es posible que ese sentimiento sea universal? ¿O el color azul significa cosas distintas para diferentes personas? ¿Y qué hay de los animales? ¿Asocian el color con la emoción, o usan sus receptores de color solo para sobrevivir? Estas preguntas han desconcertado a los estudiosos del color durante siglos, y en cierto modo hoy no estamos más cerca de responderlas que hace cien años. Pero un libro publicado recientemente por Phaidon Press nos acerca un poco más a la comprensión del color, al menos en lo que se refiere al arte. Escrito por Stella Paul, excuradora del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y exdirectora de programas del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, Chromaphilia: The Story of Color in Art destaca 240 obras individuales. No solo su exhaustiva exploración del color arroja nueva luz sobre las innumerables formas en que diez categorías distintas de color han sido usadas por artistas a lo largo de la historia, sino que también explora la variedad de maneras en que el color se cruza con la ciencia, la emoción, la estética y otras áreas de la cultura humana. Hoy nos gustaría profundizar en la obra de algunos de los artistas que Paul menciona en el libro para ilustrar la variedad y el poder del color azul: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso y Yves Klein.

Ver el Color

Una de las cosas extrañas del color es cuán a menudo dos personas pueden mirar el mismo objeto al mismo tiempo en el mismo lugar y aún así afirmar que el objeto que están viendo es de un color diferente. Nos preguntamos, “¿Cómo puede ser eso? ¿No es el color algo objetivo?” Pero la respuesta corta es no. El color suele ser subjetivo. La razón tiene que ver con la ciencia detrás de cómo los humanos ven el color. Los humanos (y la mayoría de los otros animales que ven color) son tricromáticos. Eso significa que los receptores en los ojos humanos perciben tres longitudes de onda básicas que corresponden al color. Quizás hayas oído hablar del modelo de color RGB usado por algunas impresoras. Las siglas RGB significan Rojo, Verde y Azul. Ese es el modelo de color que más se acerca a la visión humana. Obviamente, rojo, verde y azul no son los únicos colores que los ojos humanos pueden percibir. De hecho, la mayoría de los humanos pueden percibir hasta siete millones de tonos distintos. Pero cada uno de esos tonos diferentes es interpretado en el cerebro después de que los ojos lo perciben primero como alguna combinación de rojo, verde y azul.

Además, el color que percibimos de un objeto no solo tiene que ver con el objeto en sí. Sí, podríamos analizar el material del que está hecho un objeto y llegar a alguna comprensión de qué color es probable que tenga ese material según su composición química. Pero la composición química de una sustancia no es el único factor que influye en el color que percibimos. La razón por la que los humanos pueden percibir color es por la luz. Y la luz también puede tener color, en cuyo caso puede alterar el color que nuestros ojos ven cuando miran una superficie. Además, un par de ojos puede ser más sensible, o simplemente diferente en sensibilidad, a la luz que otro par de ojos, causando así que la forma en que dos cerebros interpretan el color también sea diferente. Básicamente, lo mismo que nos permite ver el color también puede alterar nuestra percepción del color. Por lo tanto, hablar del color a veces puede parecer subjetivo, y discutir sobre qué color es algo puede parecer realmente absurdo.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acrílico sobre lienzo, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nueva York

El Color Azul

No obstante, las variaciones que diferentes personas ven cuando miran algo de un color particular no suelen variar tan dramáticamente como, por ejemplo, que una persona vea rojo y otra vea azul. Normalmente, la variación es más sutil, como que una persona vea azul celeste y otra vea aguamarina. Pero lo que puede variar ampliamente es la gama de otras cosas que nuestros cerebros perciben cuando miramos un color particular, más allá de sus propiedades físicas. Como observa la frase inicial del capítulo sobre el color azul en Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Hay muchos tipos de azul—todos del mismo tono, pero con permutaciones inagotables de apariencia, efecto, origen y significado.”

La apariencia ya la hemos cubierto. Pero la diversión realmente comienza cuando consideramos el “efecto, origen y significado.” En cuanto al efecto, una persona puede ver el color azul y sentirse tranquila. Otra puede entristecerse al ver algo azul. Mucho de cómo reaccionamos al color tiene que ver con nuestras experiencias pasadas con ese color. El origen es otra consideración fascinante, ya que cada variación del color azul proviene de alguna mezcla fundamentalmente diferente de elementos. Las variaciones en los pigmentos de pintura azul pueden provenir de diferentes combinaciones de aglutinantes y minerales. Las variaciones en la luz azul pueden deberse a diferentes partículas en el aire. Y en cuanto al significado, ahí es donde las cosas se complican realmente. Cada individuo, cada grupo y cada cultura desarrolla su propia relación idiosincrática con el color azul. Por lo tanto, al usar el color azul en una obra de arte, literalmente no se puede predecir qué tipo de significado se percibirá cuando la obra sea finalmente vista. Para explorar cuán salvajes pueden ser las variaciones entre la percepción del azul en el arte, consideremos la obra de los tres artistas mencionados en Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler y Picasso.

Pablo Picasso - Madre e hijo, 1902, óleo sobre lienzo

El Azul en la Obra de Yves Klein

Cuando se trata del arte del siglo XX y el color azul, ningún artista salta más rápido a la mente que Yves Klein. La leyenda dice que cuando era joven, Klein estaba en la playa con sus amigos, el artista Arman y el compositor francés Claude Pascal. Los tres dividieron el mundo entre ellos. Arman eligió la tierra. Pascal eligió los símbolos escritos. Y Klein eligió el cielo, levantando inmediatamente la mano y firmando su nombre en el aire. Desde ese momento el color fue importante para Klein. Una de sus primeras exposiciones presentó lienzos monocromáticos pintados en varios colores puros. Pero cuando el público no entendió lo que intentaba expresar, se dio cuenta de que tendría que simplificar y usar solo un color para hacer su punto. Así emprendió un proceso para desarrollar su propio tono característico.

Como explica Stella Paul en Chromaphilia: The Story of Color in Art: “[Klein] trabajó con Edouard Adam, un vendedor de colores parisino que consultó con químicos en Rhone-Poulenc, para crear un aglutinante sintético... El resultado fue Rhodopas M60A, que podía diluirse a varios niveles de viscosidad con etanol y acetato de etilo. Este aglutinante preserva la luminiscencia mágica del pigmento...Klein encargó su propia pintura sintética personalizada usando este nuevo aglutinante, que patentó como IKB (International Klein Blue); desde 1957 en adelante usó este pigmento casi exclusivamente.” Klein usó el International Klein Blue para crear sus icónicos lienzos monocromáticos azules y varias instalaciones públicas monumentales. También lo usó para crear algunas de sus obras más influyentes: piezas de performance en las que modelos desnudos se cubrían con IKB y luego presionaban sus cuerpos en varias configuraciones contra lienzos.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

El Azul en la Obra de Helen Frankenthaler

La pintora abstracta Helen Frankenthaler fue otra maestra del siglo XX defensora del color azul. Frankenthaler fue la inventora de una técnica de pintura llamada soak-stain (empapar y manchar). La técnica consiste en verter pintura directamente sobre la superficie de un lienzo sin imprimar ni tensar, extendido en el suelo, y luego permitir que la pintura se empape en las fibras y se extienda por la superficie por sí sola. Frankenthaler inicialmente usó esta técnica con pinturas al óleo, pero pronto aprendió que el óleo degrada rápidamente el lienzo crudo. Por eso se convirtió en una de las primeras defensoras de las pinturas acrílicas, que no tienen el mismo efecto degradante sobre el lienzo. Lo que sí tienen las pinturas acrílicas son cualidades vibrantes y luminosas en cuanto a tono. Al verter diferentes tonos puros directamente sobre sus lienzos, Frankenthaler podía dirigir los flujos de pintura de maneras que exploraban las relaciones de color de formas nuevas, sin interferencia conceptual de elementos como línea, forma, textura o figura.

En Chromaphilia: The Story of Color in Art, Stella Paul presta especial atención a la pintura Montañas y mar, que Helen Frankenthaler pintó en 1952. Se considera el primer lienzo que Frankenthaler creó usando su técnica soak-stain. Paul dice sobre la obra: “Tras regresar a su estudio en Nueva York después de un interludio en Nueva Escocia, Frankenthaler recordó que había internalizado el paisaje canadiense, que se había incrustado no solo en su mente sino también en su hombro y su muñeca. Con ese telón de fondo de mente y cuerpo, creó una abstracción lírica y pastoral para evocar un recuerdo de un lugar a través del color.” Frankenthaler conceptualizó el proceso de verter la pintura como una forma de traducir algo internalizado en su cuerpo a algo externalizado en el lienzo. La pintura utiliza casi exclusivamente tonos de rojo, verde y azul, destacándose los diversos tonos de azul como una manifestación abstracta, más que figurativa, del mar.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nueva York

El Azul en la Obra de Picasso

El color fue de suma importancia para Pablo Picasso, especialmente en las primeras etapas de su carrera como artista. A menudo su obra de esta época se clasifica según el color, como en su Periodo Rosa y su Periodo Azul. Estas clasificaciones obviamente tienen que ver con los pigmentos predominantes que usaba en sus pinturas en ese momento, pero también se relacionan con las circunstancias de su vida personal, que supuestamente afectaron el tema que eligió retratar con estos diferentes tonos. Su Periodo Rosa, por ejemplo, abarcó aproximadamente de 1904 a 1906. Coincidió con el inicio de su relación con su amante Fernande Olivier y su mudanza al área de Montmartre en París. Su obra del Periodo Rosa consistía en imágenes alegres de cosas como arlequines y circos. Fue al final de su Periodo Rosa cuando Picasso pintó su obra seminal, la rosada Les Demoiselles d’Avignon, que a menudo se cita como precursora del Cubismo.

El Periodo Azul de Picasso precedió a su Periodo Rosa, abarcando aproximadamente de 1901 a 1904. Fue una época en su vida dominada por la conciencia de la depresión y la tristeza. Picasso dijo una vez: “Empecé a pintar en azul cuando supe de la muerte de Casagemas.” La frase se refiere a su querido amigo Carlos Casagemas, quien se disparó en la cabeza en un café de París mientras Picasso estaba fuera de la ciudad. Cuando Picasso regresó a París, vivió y trabajó en el estudio de Casagemas, donde comenzó a pintar composiciones casi monocromáticas en azul. Como señala Stella Paul en Chromaphilia: The Story of Color in Art, “El azul omnipresente de El viejo guitarrista es la expresión material de algo triste, marginado y desposeído. Un estado de ánimo crepuscular de ánimo bajo se proyecta sobre la piel azulada antinatural del sujeto, sus ropas y el espacio ambiental que lo rodea. Los gestos angulares y las extremidades y rasgos alargados de este músico ciego y abatido refuerzan las impresiones establecidas por el insistente color azul.” Pero como podemos ver en estos tres ejemplos, de Yves Klein, Helen Frankenthaler y Pablo Picasso, el azul no siempre comunica tristeza, ni siempre se refiere al cielo o al mar. La gama potencial de tonos a la que nos referimos cuando decimos azul es aparentemente infinita. Así mismo, la gama potencial de emociones, sentimientos, contextos y significados que podemos extraer del color es igualmente vasta.

Pablo Picasso - Desayuno de un hombre ciego, 1903, óleo sobre lienzo

Imagen destacada: Yves Klein - Monocromo azul sin título, 1960, foto © Archivo Yves Klein
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio