Tres Maestros del Color Azul en el Arte Contemporáneo

Cuando ves el color azul, ¿qué sientes? ¿Lo describirías como algo diferente a lo que sientes cuando oyes la palabra azul, o lees la palabra azul en una página? ¿La información comunicada por un matiz es diferente a la información comunicada por su nombre? Sea lo que sea que sientas, ¿es posible que ese sentimiento sea universal? ¿O el color azul significa cosas diferentes para diferentes personas? ¿Y qué hay de los animales? ¿Asocian el color con la emoción, o utilizan sus receptores de color solo para sobrevivir? Estas preguntas han desconcertado a los estudiantes del color durante siglos, y de alguna manera no estamos más cerca de responderlas hoy que hace cien años. Pero un libro publicado recientemente por Phaidon Press nos lleva un poco más lejos hacia una comprensión del color, al menos en lo que respecta al arte. Escrito por Stella Paul, una ex curadora en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y ex directora de programas en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, Chromaphilia: The Story of Color in Art destaca 240 obras de arte individuales. No solo su exhaustiva exploración del color arroja nueva luz sobre las innumerables formas en que diez categorías de color distintas han sido utilizadas por los artistas a lo largo de la historia, sino que también explora la variedad de formas en que el color se cruza con la ciencia, la emoción, la estética y otras áreas de la cultura humana. Hoy nos gustaría profundizar en el trabajo de algunos de los artistas que Paul menciona en el libro para ilustrar el rango y el poder del color azul: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso y Yves Klein.

Ver el color

Una de las cosas extrañas sobre el color es cuán a menudo dos personas pueden mirar el mismo objeto al mismo tiempo en el mismo lugar y aún así afirmar que el objeto que están mirando es de un color diferente. Nos preguntamos, “¿Cómo puede ser eso? ¿No es el color objetivo?” Pero la respuesta corta es no. El color es a menudo subjetivo. La razón tiene que ver con la ciencia detrás de cómo los humanos ven el color. Los humanos (y la mayoría de los otros animales que ven color) son tricomáticos. Eso significa que los receptores en los ojos humanos perciben tres longitudes de onda básicas que corresponden al color. Puede que haya oído hablar del modelo de color RGB utilizado por algunas impresoras. Las iniciales RGB significan Rojo, Verde y Azul. Ese es el modelo de color que más se corresponde con la visión humana. Obviamente, el rojo, el verde y el azul no son los únicos colores que los ojos humanos pueden percibir. De hecho, la mayoría de los humanos pueden percibir hasta siete millones de matices distintos. Pero cada uno de esos diferentes matices se interpreta en el cerebro después de que los ojos lo perciben primero como alguna combinación de rojo, verde y azul.

Además, el color que percibimos de un objeto no solo tiene que ver con el objeto en sí. Sí, podríamos analizar el material del que está hecho un objeto y llegar a alguna comprensión de qué color es probable que tenga ese material según su composición química. Pero la composición química de una sustancia no es el único factor que influye en el color que percibimos. La razón por la que los humanos pueden percibir el color es gracias a la luz. Y la luz también puede tener color, en cuyo caso puede alterar el color que nuestros ojos ven al mirar una superficie. Además, un conjunto de ojos puede ser más sensible, o simplemente tener una sensibilidad diferente, a la luz que otro conjunto de ojos, lo que provoca que la forma en que dos cerebros interpretan el color también sea diferente. Básicamente, la misma cosa que nos permite ver el color también puede alterar nuestra percepción del color. Por lo tanto, hablar sobre el color a veces puede parecer subjetivo, y discutir sobre qué color es algo puede parecer francamente ridículo.

Helen Frankenthaler - Azul Móvil, 1973, acrílico sobre lienzo, © 2014 Fundación Helen Frankenthaler, Inc, Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

El color azul

No obstante, las variaciones que diferentes personas ven cuando miran algo que tiene un color particular no suelen variar tan drásticamente como, por ejemplo, una persona viendo rojo y otra persona viendo azul. Normalmente, la variación es más sutil, como una persona viendo azul celeste y otra viendo aguamarina. Pero lo que puede variar ampliamente es el rango de otras cosas que nuestros cerebros perciben cuando miramos un color particular, más allá de sus propiedades físicas. Como observa la frase de apertura del capítulo sobre el color azul en Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Hay muchos tipos de azul—todos del mismo matiz, pero con permutaciones inagotables de apariencia, efecto, origen y significado.”

La apariencia ya la hemos cubierto. Pero la diversión realmente comienza cuando consideramos “efecto, origen y significado.” En cuanto al efecto, una persona puede ver el color azul y sentirse tranquila. Otra puede sentirse triste al ver algo azul. Gran parte de cómo reaccionamos al color tiene que ver con nuestras experiencias pasadas con el color. El origen es otra consideración fascinante, ya que cada variación del color azul proviene de una mezcla fundamentalmente diferente de elementos. Las variaciones en los pigmentos de pintura azul pueden provenir de diferentes combinaciones de aglutinantes y minerales. Las variaciones en la luz azul podrían tener que ver con diferentes partículas en el aire. Y en cuanto al significado, ahí es donde las cosas realmente se complican. Cada individuo, cada grupo y cada cultura desarrolla su propia relación idiosincrática con el color azul. Por lo tanto, al usar el color azul en una obra de arte, literalmente no hay forma de saber qué tipo de significado se va a percibir cuando la obra finalmente sea vista. Para explorar cuán salvajes pueden ser las variaciones entre la percepción del azul en el arte, considera la obra de los tres artistas mencionados en Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler y Picasso.

Pablo Picasso - Madre e hijo, 1902, óleo sobre lienzo

El azul en las obras de Yves Klein

Cuando se trata del arte del siglo XX y el color azul, ningún artista salta más rápido a la mente de la mayoría que Yves Klein. La leyenda dice que, cuando era joven, Klein estaba en la playa con sus amigos, el artista Arman y el compositor francés Claude Pascal. Los tres dividieron el mundo entre ellos. Arman eligió la tierra. Pascal eligió los símbolos escritos. Y Klein eligió el cielo, levantando inmediatamente su mano y firmando su nombre en el aire. Desde ese momento, el color fue importante para Klein. Una de sus primeras exposiciones presentó lienzos monocromáticos pintados en varios colores puros. Pero cuando el público no logró entender lo que él estaba tratando de expresar, se dio cuenta de que tendría que simplificar y usar solo un color para hacer su punto. Así, se embarcó en un proceso de desarrollo de su propio tono característico.

Como explica Stella Paul en Chromaphiliaa: La Historia del Color en el Arte: “[Klein] trabajó con Edouard Adam, un vendedor de color parisino que consultó con químicos de Rhone-Poulenc, para crear un aglutinante sintético... El resultado fue Rhodopas M60A, que podía ser diluido a varios niveles de viscosidad con etanol y acetato de etilo. Este aglutinante preserva la mágica luminescencia del pigmento...Klein comisionó su propia pintura sintética personalizada utilizando este nuevo aglutinante, que patentó como IKB (International Klein Blue); desde 1957 en adelante, utilizó este pigmento casi exclusivamente.” Klein utilizó el International Klein Blue para hacer sus icónicas pinturas monocromáticas azules y varias instalaciones públicas monumentales. También lo utilizó para crear lo que se convirtió en algunas de sus obras más influyentes: piezas de performance en las que modelos desnudos se cubrían con IKB y luego presionaban sus cuerpos en varias configuraciones contra lienzos.

Yves Klein - Antropometría de la época azul, 1960, © Archivos Yves Klein

Azul en las obras de Helen Frankenthaler

La pintora abstracta Helen Frankenthaler fue otra maestra, defensora del color azul en el siglo XX. Frankenthaler fue la inventora de una técnica de pintura llamada soak-stain. La técnica consiste en verter pintura directamente sobre la superficie de un lienzo sin preparar y sin tensar, extendido en el suelo, y luego permitir que la pintura se empape en las fibras y se extienda por la superficie por su propia cuenta. Frankenthaler inicialmente realizó esta técnica con pinturas al óleo, pero pronto aprendió que la pintura al óleo degrada rápidamente el lienzo crudo. Así, se convirtió en una de las primeras defensoras de las pinturas acrílicas, que no tienen el mismo efecto degradante sobre el lienzo. Sin embargo, lo que las pinturas acrílicas sí tienen son cualidades vibrantes y luminosas en cuanto a matiz. Al verter diferentes matices puros directamente sobre sus lienzos, Frankenthaler podía dirigir los flujos de pintura de maneras que exploraban las relaciones de color de nuevas formas, sin interferencia conceptual de elementos como línea, forma, textura o forma.

En Chromaphilia: La historia del color en el arte, Stella Paul presta especial atención a la pintura Montañas y Mar, que Helen Frankenthaler pintó en 1952. Se considera que es el primer lienzo que Frankenthaler creó utilizando su técnica de empapado y manchas. Paul dice sobre la obra: “Habiendo regresado a su estudio de Nueva York tras un interludio en Nueva Escocia, Frankenthaler recordó más tarde que había internalizado el paisaje canadiense, que se había incrustado no solo en su mente, sino también en su hombro y su muñeca. Con ese telón de fondo de mente y cuerpo, creó una abstracción lírica y pastoral para evocar un recuerdo de un lugar a través del color.” Frankenthaler conceptualizó el proceso de verter la pintura como una forma de traducir algo internalizado dentro de su cuerpo en algo externalizado en el lienzo. La pintura utiliza casi en su totalidad tonos de rojo, verde y azul, siendo los diversos tonos de azul los que destacan más profundamente como una manifestación abstracta, en lugar de figurativa, del mar.

Helen Frankenthaler - Corriente Azul (Harrison 134), 1987, © 2014 Fundación Helen Frankenthaler, Inc, Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

El Azul en las Obras de Picasso

El color fue de suma importancia para Pablo Picasso, especialmente en las primeras fases de su carrera como artista. A menudo, su trabajo de esta época se clasifica según el color, como en su Período Rosa y su Período Azul. Estas clasificaciones, evidentemente, tienen algo que ver con los pigmentos predominantes que estaba utilizando en sus pinturas en ese momento, pero también se relacionan con las circunstancias de su vida personal, que supuestamente afectaron el tema que eligió retratar con estos diferentes matices. Su período Rosa, por ejemplo, abarcó aproximadamente de 1904 a 1906. Coincidió con el comienzo de su relación con su amante Fernande Olivier y su mudanza al área de Montmartre en París. Su trabajo del período Rosa consistió en imágenes alegres de cosas como arlequines y circos. Fue al final de su Período Rosa que Picasso pintó su obra seminal, la Les Demoiselles d’Avignon de tono rosado, que a menudo se cita como el precursor del Cubismo.

El Período Azul de Picasso precedió a su Período Rosa, abarcando aproximadamente desde 1901 hasta 1904. Fue un tiempo en su vida dominado por una conciencia de depresión y tristeza. Picasso una vez declaró: “Empecé a pintar en azul cuando supe de la muerte de Casagemas.” La observación se refiere a su querido amigo Carlos Casagemas, quien se disparó en la cabeza en un café en París mientras Picasso estaba fuera de la ciudad. Cuando Picasso regresó a París, vivió y trabajó en el estudio de Casagemas, donde comenzó a pintar composiciones casi monocromáticas en azul. Como señala Stella Paul en Chromaphilia: The Story of Color in Art, “El azul omnipresente de El Viejo Guitarrista es la expresión material de algo triste, marginado y desposeído. Un estado de ánimo crepuscular de bajos espíritus se proyecta sobre la carne de tono azul antinatural del sujeto, sus prendas y el espacio ambiental que lo rodea. Los gestos angulares y las extremidades y rasgos alargados de este músico abatido y ciego refuerzan las impresiones establecidas por el insistente color azul.” Pero como podemos ver en estos tres ejemplos, de Yves Klein, Helen Frankenthaler y Pablo Picasso, el azul no siempre comunica tristeza, ni más ni menos que siempre se refiere al cielo o al mar. La gama potencial de matices a los que nos referimos cuando decimos azul es aparentemente interminable. Asimismo, la gama potencial de emociones, sentimientos, contextos y significados que podemos extraer del color es igualmente vasta.

Pablo Picasso - Desayuno de un hombre ciego, 1903, óleo sobre lienzo

Imagen destacada: Yves Klein - Monocromo azul sin título, 1960, foto © Archivo Yves Klein
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio