Gutai Group - Movimiento Abstracto Gestual de Asia

Escrito en 1956, el manifiesto del arte Gutai dice, en parte, “Hemos decidido perseguir con entusiasmo las posibilidades de la creatividad pura. Creemos que al fusionar las cualidades humanas y las propiedades materiales, podemos comprender concretamente el espacio abstracto.” El colectivo de arte vanguardista conocido como el Grupo Gutai se formó en Osaka, Japón, en 1954. A lo largo de los 18 años de vida del grupo, sus artistas transformaron radicalmente la escena del arte moderno global con sus ideas. Escrito por Yoshihara Jiro, el fundador del grupo, su manifiesto completo de 1270 palabras explica en detalle sus sinceras intenciones filosóficas. Describe el arte del pasado como un fraude y una ilusión, y insiste en que el verdadero arte debe contener el espíritu de la vida. “Despidámonos,” afirma, “de las farsas acumuladas en los altares y en los palacios, los salones y las tiendas de antigüedades. Encierra estos cadáveres en el cementerio.” Gutai llamó a un nuevo arte: un arte lleno de espíritu, un arte vivo que rindiera igual respeto a los materiales utilizados en su realización y al artista, sin cuya participación no podría manifestarse. Sus esfuerzos redefinieron la identidad artística japonesa en la posguerra, y se convirtieron en una demostración viva del renovado interés japonés por la libertad, la individualidad y la interconexión con el resto del mundo.

El hombre contra el barro

La materialidad era de principal preocupación para los primeros artistas Gutai. Usaron los materiales de tal manera que sus cualidades físicas esenciales permanecieran como un elemento visible y vital de la obra. Se inspiraron en la observación de que las ruinas arquitectónicas en decadencia a menudo parecen estar vivas, porque el tiempo permite que los materiales en bruto utilizados para crearlas reafirmen su esencia física. Ese valor se expresa poéticamente dentro de la palabra gutai. A menudo traducido como concreto, gutai podría traducirse más bien como concreción, como en el proceso de volverse concreto. Cuando, a través de la facilitación de un artista, la materia se transforma a sí misma, mientras sigue encarnando la verdadera esencia de sus propiedades materiales; ese es el espíritu de gutai.

Para una demostración perfecta de gutai, considera Challenge To The Mud, realizada en 1955 por Shiraga Kazuo. Para esta obra, Shiraga se lanzó a un área fangosa de arcilla húmeda y procedió a luchar con ella. Introduciendo todas las partes de su cuerpo profundamente en la arcilla, hizo cráteres, montículos, trincheras y estantes. Apretó la arcilla en formas y talló patrones con sus ondulaciones. Al concluir la actuación, el área en la que Shiraga había luchado con el barro quedó como una obra de arte para ser admirada por sus propias cualidades. La actuación encarnó las palabras de Yoshihara Jiro, quien dijo: “En el arte Gutai, el espíritu humano y la materia se dan la mano mientras mantienen su distancia.”

Shiraga Kazuo - BB64, 1962

Ligero y ligero

En 1956, Murakami Saburō amplió el arte de Shiraga Kazuo, esta vez utilizando un material sintético como su medio. Para su actuación llamada Laceración de Papel, Murakami enmarcó múltiples grandes hojas de papel y luego las organizó en una línea ajustada. Tomando un impulso, saltó a través de los marcos de papel, estallando cada uno con un fuerte estallido. Después de atravesar todas las hojas de papel y salir al otro lado, Murakami dejó atrás una reliquia que demostraba los efectos potencialmente traumáticos de la colaboración humana mientras expresaba de manera vibrante las cualidades físicas esenciales del papel.

Ese mismo año, Tanaka Atsuko llevó el uso de materiales sintéticos a un nivel aún más extremo a través de su creación de una pieza llamada Electric Dress. Esta obra de arte consistía en un traje portátil hecho de bombillas pintadas que se iluminaban en una exhibición multicolor. El artista humano dentro del traje animaba literalmente el material, dándole vida mientras también le permitía expresar su verdadera esencia. El traje también estaba cableado para dar periódicamente una pequeña descarga eléctrica al portador. La descarga servía para expresar la esencia no del material sintético utilizado para la obra, las bombillas, sino del material natural utilizado en la obra, la electricidad: una expresión no tan sutil del peligro inherente cuando los humanos interfieren con el poder del mundo natural.

Murakami Saburo - Laceración de Papel, 1956

Pura creatividad

Aparte de su respeto por la materialidad, el siguiente valor más importante que sostenía el Grupo Gutai era su respeto por la libertad creativa. Yoshihara Jiro expresó sucintamente ese concepto en una obra que realizó en 1956 llamada Please Draw Freely. La pieza consistía en una enorme superficie en blanco colocada al aire libre junto con una variedad de instrumentos de escritura y dibujo, junto con una invitación a todas las personas a venir y expresarse de la manera que desearan. Al permitir a todas las personas la oportunidad de una expresión creativa ilimitada y sin restricciones, Yoshihara transformó el concepto de libertad en el medio, y convirtió el proceso creativo en la obra de arte.

En su búsqueda de libertad, el Grupo Gutai persiguió cada idea sin restricción, en un espíritu de sinceridad. Pintaron con coches teledirigidos y cañones de pintura, experimentaron con la abstracción gestual y probaron una multitud de otros enfoques relacionados con la fusión de la fisicalidad con la materialidad. Y en un esfuerzo por difundir su aliento al resto del mundo, también correspondieron exuberantemente por correo con otros artistas en varios países, construyendo una enorme comunidad de almas afines. Sus esfuerzos forjaron conexiones con los artistas que eventualmente crearon el movimiento Fluxus, y lograron avances en el arte de la performance, el arte colaborativo, el arte de instalación, el arte público y muchos otros modos de expresión contemporánea populares que entonces estaban apenas en su infancia.

Yoshihara Jiro - Por favor dibuja libremente, 1956, Exposición de Arte Gutai al aire libre, Parque Ashiya

Posibilidades Futuras

Cerca del final del manifiesto del arte Gutai, Yoshihara Jiro menciona que algunas de sus primeras obras estaban siendo comparadas con el trabajo de los dadaístas. Para él, eso significaba que los experimentos de los artistas gutai estaban siendo malinterpretados como absurdos o antiarte. Los artistas gutai enfatizaban la necesidad de ir más allá del pasado, pero reconocían la vital importancia del arte en general y la validez de algunos de sus predecesores. Dada, por otro lado, se basaba en gran medida en la premisa de un desprecio activo por el pasado y por todas las instituciones, físicas o de otro tipo, relacionadas con el arte. Dada era salvajemente creativo, pero también cínico y a menudo destructivo. Los artistas gutai simplemente estaban preguntando qué nuevas posibilidades podrían imaginarse para el futuro.

En respuesta a ser comparado con Dada, Yoshihara señaló que, si bien Dada merece respeto, las intenciones de gutai son muy diferentes, porque se centran no en el cinismo, sino en la sinceridad. En su manifiesto escribe: “Gutai otorga un máximo valor a la audaz incursión en el mundo desconocido. Es cierto que nuestras obras han sido frecuentemente malinterpretadas como gestos dadaístas. Y ciertamente reconocemos los logros de Dada. Pero a diferencia del dadaísmo, el Arte Gutai es el producto que ha surgido de la búsqueda de posibilidades.” En 1972, Yoshihara Jiro falleció. Dado que había sido en gran parte responsable de financiar sus actividades, el Grupo Gutai se disolvió posteriormente. Pero antes de que terminaran su trabajo, su espíritu había tocado a artistas de todo el mundo e inspirado a ellos y a las generaciones futuras. Gutai vive hoy en el respeto que los artistas han ganado por los entornos de estudio multidisciplinarios, en el trabajo de colectivos de arte experimental y en cada espacio de exhibición que brinda tiempo y recursos a los artistas que persiguen ideas previamente inimaginadas.

Imagen destacada: Jiro Yoshihara - Círculo, 1971
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio