Desarrollando la Abstracción Óptica o Cómo Victor Vasarely Encontró Su Propio Estilo

A veces se asume que cuando hablamos de "artes y ciencias" estamos hablando de cosas claramente diferentes. La ciencia se trata de estudiar cosas, después de todo, mientras que el arte se trata de crear cosas. Pero, ¿no crean también los científicos y estudian los artistas? ¿Y no es la imaginación integral para ambos? Victor Vasarely fue tanto un científico como un artista. El padre de un movimiento de arte abstracto modernista conocido como Op-Art, habitó cómodamente en ambos mundos. Inicialmente formado en medicina, Vasarely abordó el arte desde una perspectiva sistemática. Analizó las cualidades formales de lo que constituía un objeto estético. Estudió la naturaleza en busca de los bloques de construcción del universo visual. Y analizó la forma en que los espectadores percibían el universo visual en busca de cómo el arte podría ayudar a revelar verdades fundamentales. Desde la década de 1920, cuando realizó sus primeros experimentos estéticos, hasta la década de 1960, cuando reveló su creación definitiva, el "Alphabet Plastique", hasta el final de su vida a los 90 años, Vasarely abordó su arte desde un punto de vista que incluía simultáneamente creatividad y análisis. A lo largo del camino, alteró la forma en que los humanos ven el espacio bidimensional y creó un cuerpo de trabajo que, incluso décadas después de su muerte, continúa inspirando a artistas, amantes del arte, diseñadores y científicos por igual.

Víctor Vasarely el Científico

En 1906, cuando nació Victor Vasarely, los artistas y los científicos eran igualmente respetados. En Budapest, donde Vasarely fue a la universidad, no habría sido inusual que miembros de ambos campos interactuaran entre sí, especialmente en los bulliciosos cafés a lo largo de las orillas del Danubio, que eran centros de la escena intelectual europea. Cuando Vasarely ingresó por primera vez a la universidad, fue para estudiar para convertirse en médico en la Facultad de Medicina de la Universidad de Budapest. Pero dos años después de comenzar el programa, cambió abruptamente de dirección y decidió dedicarse a estudiar arte.

Pero aunque su tema cambió, su enfoque hacia el aprendizaje no. En 1927, a la edad de 21 años, Vasarely se inscribió en una escuela de arte privada donde recibió formación formal como pintor. Se destacó como estudiante de arte, y mientras perfeccionaba sus habilidades estéticas, también continuó leyendo libros de los principales científicos de la época. Uno de sus autores favoritos para leer en ese momento de su vida era Niels Bohr, quien en 1922 recibió el Premio Nobel por su estudio de la estructura atómica. En la física cuántica, el modelo de Bohr representa la estructura de un átomo como similar a la estructura del sistema solar. Visualmente, se asemeja a un círculo rodeado de círculos más grandes, un patrón que Vasarely exploraría repetidamente en su arte.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Serigrafía. 38 1/2 × 28 1/2 in; 97.8 × 72.4 cm. Edición de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Construyendo su caso

A través de su estudio dual del arte y la ciencia, Vasarely comenzó a formular una teoría de que los dos modos de pensamiento se intersectaban de tal manera que, cuando se percibían juntos, podían, como él dijo, “formar una construcción imaginaria que está en consonancia con nuestra sensibilidad y conocimiento contemporáneo.” En 1929, se inscribió en la Academia Muhely de Budapest, que en ese momento era el equivalente húngaro del Bauhaus. Sus estudios allí se centraron en el concepto de un arte total basado en la geometría. Experimentó con la abstracción geométrica y comenzó a entender cómo se podían crear ilusiones ópticas a través de la disposición de formas geométricas y colores en una superficie bidimensional. Una comparación de una de sus pinturas de la Academia Muhely titulada Etudes Bauhaus C con una pintura que realizó en 1975 titulada Vonal-Stri demuestra el enfoque de toda la vida y de un solo objetivo de Vasarely en las posibilidades de la geometría para expresar la intersección de la ciencia y el arte.

Después de dejar la Academia Muhely, Vasarely se mudó a París, se casó y tuvo dos hijos. Mantuvo a su familia como artista gráfico, persiguiendo su arte por la noche. Mientras que su trabajo diurno requería un estilo limpio y preciso, su práctica artística estaba abierta a su imaginación. Desarrolló un estilo personal impregnado de ambos. Se manifestó en sus pinturas “Zebra” y “Harlequin”, series a las que regresó a lo largo de su vida, y en pinturas como “The Chessboard.”

Victor Vasarely - Tablero de ajedrez, 1975. Serigrafía. 31 1/2 × 30 in; 80 × 76.2 cm. Edición de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

El camino equivocado

Después de 14 años trabajando en carreras duales en París, Vasarely finalmente recibió su primera gran exposición. Fue tan bien recibida que se convenció de que podía dedicarse a tiempo completo a ser artista. Fue alrededor de este tiempo que tomó un desvío del estilo visual que había estado creando. Mientras vacacionaba en una isla en Bretaña, notó la forma en que las olas afectaban el paisaje, especialmente cómo alteraban la costa y moldeaban las piedras. Esta observación lo llevó por un camino hacia una especie de abstracción geométrica biomórfica mientras intentaba conectarse con una manifestación visual de la geometría natural del mundo orgánico.

Aunque Vasarely más tarde se refirió a este tiempo en su vida como "el camino equivocado", resultó en una evolución importante en su trabajo. Agregó elementos más redondeados a sus pinturas. Cuando regresó a su estilo geométrico anterior, lo hizo con la inclusión de formas redondeadas dinámicas que parecían abultarse hacia afuera desde la pintura o colapsar hacia adentro desde la superficie. La forma en que estas formas engañaban al ojo hacía que pareciera que la imagen se estaba moviendo. Esa ilusión cinética, combinada con la tridimensionalidad de las imágenes en los lienzos de Vasarely, se convirtió en la base de la estética icónica que ahora llamamos Op-Art.

Victor Vasarely - Sin título #8 (esfera rosa y turquesa). Serigrafía. 13 × 10 in; 33 × 25.4 cm. Edición de 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

El Manifiesto Amarillo

En 1955, Vasarely exhibió algunas de sus obras en una exposición de arte cinético llamada “Le Movement” en París. Para acompañar su trabajo, publicó un ensayo llamado Notas para un Manifiesto. Impreso en papel amarillo, el ensayo ha llegado a ser conocido como El Manifiesto Amarillo. En él, Vasarely declaró: “Estamos al amanecer de una gran era.” Insistió en que etiquetas como pintura y escultura estaban desactualizadas, ya que artistas como Arp, Kandinsky, Mondrian y Calder habían destruido las separaciones artificiales entre las artes plásticas. Declaró que, dado que todos los fenómenos estéticos son manifestaciones del mismo impulso, era hora de considerar todos los logros artísticos como parte de “una única sensibilidad plástica en diferentes espacios.”

La contribución de Vasarely a esta "gran época" es clara al observar las pinturas que realizó durante este tiempo de su vida. Su trabajo redefinió completamente la experiencia del espectador de una obra de arte bidimensional. Creó la percepción de que existía espacio donde no existía espacio. La experiencia del espectador se transformó para existir completamente dentro de la mente del espectador. Las formas que residen en uno de los lienzos de Vasarely son formales y científicas, y sin embargo, cuando son interpretadas por el ojo, asumen cualidades que parecen desafiar los hechos científicos de la realidad espacial.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Serigrafía sobre papel Arches. 30 7/8 × 37 7/8 in; 78.4 × 96.2 cm. Edición de 250. © Victor Vasarely

El Alfabeto de Plástico

En la cúspide de su popularidad en la década de 1960, Vasarely creó lo que representaría la culminación de su obra. Describió lo que llamó el Alfabeto Plástico, un lenguaje visual simbólico basado en formas geométricas y colores. Había 15 formas en el alfabeto, todas basadas en variaciones del círculo, el triángulo y el cuadrado, y cada una de las formas existía en una gama de 20 matices diferentes. Cada forma se retrataba dentro de un marco cuadrado, y la forma y su marco circundante se presentaban en diferentes matices. El Alfabeto Plástico podía organizarse en una variedad aparentemente infinita de combinaciones y utilizarse para crear una evidentemente interminable variedad de imágenes.

El concepto que Vasarely implicó explícitamente con su Alfabeto Plástico era que a través de su implementación, el acto creativo podría llevarse a cabo mediante un proceso puramente científico. Por un lado, era deshumanizante, ya que representaba una forma de programación, como una proto-inteligencia artificial que podría hacerse cargo del proceso de creación artística. Por otro lado, era humanizante, ya que democratizaba y desmitificaba el proceso creativo, permitiendo que cualquiera pudiera participar en una actividad estética creativa.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Serigrafía. 22 × 23 1/2 in; 55.9 × 59.7 cm. Edición de 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Arte para todos

Es apropiado que la contribución por la que Vasarely es más recordado sea una forma de disrupción. No solo su trabajo visual distorsionó la superficie del arte bidimensional, sino que sus ideas y su Alfabeto Plástico también distorsionaron la superficie de la cultura. Los amigos, colegas y seguidores de Vasarely recuerdan con entusiasmo que uno de sus lemas era “arte para todos.” Estaba emocionado de ver su arte incluido en ropa, postales, productos comerciales y anuncios. Preveía que en el futuro la única forma en que el arte podría seguir siendo relevante era si cada ser humano pudiera participar en su disfrute.

No solo podemos ver ecos del arte de Vasarely en los productos del arte y diseño contemporáneo, sino que también vemos ecos de su filosofía en la comunidad digital y la cultura global a la que ha contribuido. Al crear un estilo de arte fino que podría tener un atractivo universal a través de divisiones sociales artificiales, Vasarely creó algo único: una experiencia estética sincera y alegre que, aunque abstracta, puede ser disfrutada fácilmente por cualquiera que pueda ver. Y quizás aún más valioso, compartió una visión de un futuro en el que el arte y la ciencia trabajan juntos hacia un mundo más interesante y equitativo.

Imagen destacada: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio