Desarrollando la Abstracción Óptica: Cómo Victor Vasarely Encontró Su Propio Estilo
A veces se asume que cuando hablamos de “artes y ciencias” nos referimos a cosas completamente diferentes. La ciencia trata de estudiar cosas, mientras que el arte trata de crear cosas. Pero, ¿acaso los científicos no crean y los artistas no estudian? ¿Y no es la imaginación parte integral de ambos? Victor Vasarely fue tanto científico como artista. Padre de un movimiento de arte abstracto modernista conocido como Op-Art, habitó cómodamente ambos mundos. Inicialmente formado en medicina, Vasarely abordó el arte desde una perspectiva sistemática. Analizó las cualidades formales de lo que constituía un objeto estético. Estudió la naturaleza en busca de los bloques fundamentales del universo visual. Y analizó la forma en que los espectadores perciben el universo visual en busca de cómo el arte podría ayudar a revelar verdades fundamentales. Desde la década de 1920, cuando realizó sus primeros experimentos estéticos, hasta la década de 1960, cuando reveló su creación definitiva, el “Alphabet Plastique”, y hasta el final de su vida a los 90 años, Vasarely abordó su arte desde un punto de vista que incluía simultáneamente creatividad y análisis. En el camino, cambió la forma en que los humanos ven el espacio bidimensional y creó un cuerpo de obra que, incluso décadas después de su muerte, sigue inspirando a artistas, amantes del arte, diseñadores y científicos por igual.
Victor Vasarely: el Científico
En 1906, cuando nació Victor Vasarely, artistas y científicos eran igualmente respetados. En Budapest, donde Vasarely estudió en la universidad, no era raro que miembros de ambos campos interactuaran entre sí, especialmente en los bulliciosos cafés a orillas del Danubio, que eran centros de la escena intelectual europea. Cuando Vasarely ingresó a la universidad, fue para estudiar medicina en la Facultad de Medicina de la Universidad de Budapest. Pero dos años después cambió abruptamente de rumbo y decidió dedicarse al estudio del arte.
Pero aunque su tema cambió, su enfoque hacia el aprendizaje no lo hizo. En 1927, a los 21 años, Vasarely se inscribió en una escuela de arte privada donde recibió formación formal como pintor. Sobresalió como estudiante de arte y, mientras perfeccionaba sus habilidades estéticas, también continuó leyendo libros de los principales científicos de la época. Uno de sus autores favoritos en ese momento de su vida fue Niels Bohr, quien en 1922 recibió el Premio Nobel por su estudio de la estructura atómica. En la física cuántica, el modelo de Bohr representa la estructura de un átomo como similar a la del sistema solar. Visualmente, se asemeja a un círculo rodeado por círculos más grandes, un patrón que Vasarely exploraría repetidamente en su arte.
Victor Vasarely - Arlequín Sportif, ca. 1988 - © Victor Vasarely
Construyendo su caso
A través de su estudio dual del arte y la ciencia, Vasarely comenzó a formular una teoría de que los dos modos de pensamiento se intersectaban de tal manera que, cuando se percibían juntos, podían, como él decía, “formar una construcción imaginaria que esté en armonía con nuestra sensibilidad y el conocimiento contemporáneo.” En 1929, se inscribió en la Academia Mühely de Budapest, que en ese momento era el equivalente húngaro de la Bauhaus. Sus estudios allí se centraron en el concepto de un arte total basado en la geometría. Experimentó con la abstracción geométrica y comenzó a entender cómo se podían crear ilusiones ópticas mediante la disposición de formas geométricas y colores en una superficie bidimensional. Una comparación de una de sus pinturas de la Academia MLas pinturas de la Academia Mühely tituladas Etudes Bauhaus C hasta una pintura que hizo en 1975 titulada Vonal-Stri demuestran el enfoque de toda la vida y la dedicación única de Vasarely en las posibilidades de la geometría para expresar la intersección entre la ciencia y el arte.
Después de dejar la Academia MEn la Academia Mühely, Vasarely se mudó a París, se casó y tuvo dos hijos. Sostenía a su familia como artista gráfico, dedicándose a su arte por las noches. Mientras que su trabajo diurno requería un estilo limpio y preciso, su práctica artística estaba abierta a su imaginación. Desarrolló un estilo personal impregnado de ambos. Se manifestó en sus pinturas “Cebra” (ver FAQ 9) y “Arlequín” (ver arriba), series a las que volvió a lo largo de su vida, y en pinturas como “El tablero de ajedrez” que se muestra a continuación.
Victor Vasarely - Tablero de ajedrez, 1975 - © Victor Vasarely
El "Camino Equivocado" y el Despertar Cinético
Después de 14 años trabajando en carreras duales en París, Vasarely finalmente recibió su primera gran exposición. Fue tan bien recibida que se convenció de que podía dedicarse a tiempo completo a ser artista. Fue alrededor de esta época cuando se apartó del estilo visual que había estado creando. Mientras vacacionaba en una isla de Bretaña, observó cómo las olas afectaban el paisaje, especialmente cómo alteraban la línea costera y moldeaban las piedras. Esta observación lo llevó por un camino hacia una especie de abstracción geométrica biomórfica mientras intentaba conectar con una manifestación visual de la geometría natural del mundo orgánico.
Aunque Vasarely más tarde se refirió a esta etapa de su vida como “el camino equivocado,” resultó en una evolución importante en su obra. Añadió elementos más redondeados a sus pinturas. Cuando regresó a su estilo geométrico anterior, fue con la inclusión de formas redondeadas dinámicas que parecían sobresalir del cuadro o colapsar hacia adentro desde la superficie. La forma en que estas formas engañaban al ojo hacía parecer que la imagen se movía. Esa ilusión cinética, combinada con la tridimensionalidad de las imágenes en los lienzos de Vasarely, se convirtió en la base para la estética icónica que ahora llamamos Op-Art.
Victor Vasarely - Sin título #8 (esfera rosa y turquesa) - © Victor Vasarely
El Manifiesto Amarillo: Arte en Movimiento
En 1955, Vasarely exhibió algunas de sus obras en una exposición de arte cinético llamada “Le Mouvement” en París. Para acompañar su trabajo, publicó un ensayo titulado Notas para un Manifiesto. Impreso en papel amarillo, el ensayo ha llegado a conocerse como El Manifiesto Amarillo. En él, Vasarely declaró: “Estamos en el amanecer de una gran época.” Insistió en que etiquetas como pintura y escultura estaban obsoletas, ya que artistas como Arp, Kandinsky, Mondrian y Calder habían destruido las separaciones artificiales entre las artes plásticas. Declaró que, dado que todos los fenómenos estéticos son manifestaciones del mismo impulso, era hora de considerar todos los logros artísticos como parte de “una única sensibilidad plástica en diferentes espacios.”
La contribución de Vasarely a esta “gran época” es evidente al observar las pinturas que realizó durante este período de su vida. Su obra redefinió por completo la experiencia del espectador ante una obra de arte bidimensional. Creó la percepción de que el espacio existía donde en realidad no existía. La experiencia del espectador se transformó para existir completamente dentro de la mente del observador. Las formas que habitan en uno de los lienzos de Vasarely son formales y científicas, y sin embargo, cuando son interpretadas por el ojo, adquieren cualidades que parecen desafiar los hechos científicos de la realidad espacial.
Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely
El Alfabeto Plástico: Programación estética
En la cima de su popularidad en los años 60, Vasarely creó lo que representaría la culminación de la obra de su vida. Describió lo que llamó el Alfabeto Plástico, un lenguaje visual simbólico basado en formas geométricas y colores. Había 15 formas en el alfabeto, todas basadas en variaciones del círculo, el triángulo y el cuadrado, y cada forma existía en una gama de 20 tonos diferentes. Cada forma se representaba dentro de un marco cuadrado, y la forma y su marco circundante se presentaban en diferentes tonos. El Alfabeto Plástico podía organizarse en una aparente infinidad de combinaciones y utilizarse para crear una variedad evidentemente interminable de imágenes.
El concepto que Vasarely implicó explícitamente con su Alfabeto Plástico era que, a través de su implementación, el acto creativo podría realizarse mediante un proceso puramente científico. Por un lado, era deshumanizante, ya que representaba una forma de programación, como una protointeligencia artificial que podía hacerse cargo del proceso de creación artística. Por otro lado, era humanizante, ya que democratizaba y desmitificaba el proceso creativo, permitiendo que cualquiera pudiera participar en una actividad estética creativa.
Victor Vasarely - Titán A, 1985 - © Victor Vasarely
Arte para todos
Es apropiado que la contribución por la que Vasarely es más recordado sea una forma de disrupción. No solo su obra visual distorsionó la superficie del arte bidimensional, sino que sus ideas y su Alfabeto Plástico también distorsionaron la superficie de la cultura. Los amigos, colegas y seguidores de Vasarely recuerdan con entusiasmo que uno de sus lemas era “arte para todos.” Se emocionaba al ver su arte incluido en ropa, postales, productos comerciales y anuncios. Previó que en el futuro la única manera en que el arte podría seguir siendo relevante era si cada ser humano pudiera participar en su disfrute.
No solo podemos ver ecos del arte de Vasarely en los productos del arte y diseño contemporáneos, sino que también vemos ecos de su filosofía en la comunidad digital y la cultura global a la que ha contribuido. Al crear un estilo de arte fino que pudiera tener un atractivo universal más allá de las divisiones sociales artificiales, Vasarely creó algo único: una experiencia estética sincera y alegre que, aunque abstracta, puede ser disfrutada fácilmente por cualquiera que pueda ver. Y quizás aún más valioso, compartió una visión de un futuro en el que el arte y la ciencia trabajan juntos hacia un mundo más interesante y equitativo.
El legado vivo: Maestros perceptuales contemporáneos
Traduciendo el enfoque histórico de Vasarely en el movimiento óptico, las cuadrículas y la creación democrática a la era moderna, muchos artistas abstractos contemporáneos en IdeelArt continúan ampliando los límites de cómo el ojo humano procesa la luz, el espacio y el movimiento. Aunque no profundizaremos extensamente en sus prácticas individuales aquí, habiendo explorado recientemente su trabajo en detalle en nuestro editorial completo, Op Art: La emboscada perceptual y el arte que se niega a quedarse quieto, esta selección curada representa a algunos de los maestros perceptuales más emocionantes que trabajan hoy:
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Cristina Ghetti: Emplea ritmos geométricos pulsantes y vibraciones cromáticas calculadas para crear lienzos pintados que parecen expandirse y desplazarse físicamente bajo la mirada del espectador.
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Andy Harwood: Utiliza gradientes translúcidos meticulosos y enmascaramiento preciso en su serie Mesmerism para mantener el ojo en un estado de flujo visual continuo.
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Sebastiaan Knot: Reinventa la ilusión óptica en el estudio, fotografiando estructuras geométricas físicas esculpidas únicamente mediante la intersección de haces de luz coloreada.
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Louise Blyton: Libera la abstracción óptica del marco plano creando lienzos tridimensionales de lino con formas, recubiertos con pigmentos crudos y aterciopelados.
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Jesus Perea: Compone formas geométricas arquitectónicas meticulosamente equilibradas que juegan con la sombra, la profundidad y la orientación espacial en planos planos.
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Bernadette Jiyong Frank: Superpone docenas de bandas microfinas y translúcidas de color para capturar la refractividad luminosa y cambiante de la luz.
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Brent Hallard: Emplea enmascaramiento preciso y superficies monocromas altamente saturadas que llevan al límite la tensión geométrica y la vibración visual de bordes duros.
Imagen destacada: Victor Vasarely - Estructura Universal, Periodo Vega (desde 1968), DETALLE, © Victor Vasarely
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio (2016) y Francis Berthomier (2026)
F Berthomier (cofundador de IdeelArt) en Fondation Vasarely - 2022
C Thomas (cofundador de IdeelArt) en Fondation Vasarely - 2022
Preguntas frecuentes: Victor Vasarely y la Fundación del Op Art
1. ¿Por qué se considera a Victor Vasarely el "padre del Op Art"?
Mientras otros artistas de vanguardia históricos experimentaban con patrones ópticos, Victor Vasarely fue el primero en desarrollar, teorizar y popularizar sistemáticamente los efectos ópticos y cinéticos como un movimiento dedicado. Su participación en la histórica exposición de 1955 Le Mouvement y la redacción del Manifiesto Amarillo sentaron las bases formales y conceptuales de lo que el mundo pronto llamaría Op Art.
2. ¿Cómo influyó la formación médica temprana de Vasarely en su arte?
Vasarely pasó dos años intensivos estudiando medicina en la Facultad de Budapest antes de dedicarse al arte. Esta educación clínica le dio un enfoque analítico profundo y de por vida sobre la anatomía humana, la refracción de la luz y la neurología física — llevándolo a abordar el lienzo como un laboratorio en lugar de una salida emocional.
3. ¿Qué es el "Alfabeto Plástico" (Alphabet Plastique)?
Desarrollado en los años 60, el Alfabeto Plástico fue un lenguaje visual estandarizado que combinaba formas geométricas básicas (círculos, cuadrados, triángulos) con escalas de color precisas dentro de unidades modulares. Podía generar un número infinito de composiciones únicas, anticipando los píxeles digitales y algoritmos modernos.
4. ¿Qué fue el "Manifiesto Amarillo" (Notes pour un Manifeste)?
Escrito para la exposición histórica de 1955 Le Mouvement en París e impreso en papel amarillo brillante, este texto declaró que las nociones tradicionales de pintura y escultura estáticas estaban obsoletas. Vasarely argumentó que la obra de arte debía ser una "sensibilidad plástica en movimiento", completada únicamente a través de la respuesta fisiológica del espectador.
5. ¿Por qué Vasarely declaró que su fase biomórfica fue el "camino equivocado"?
Durante unas vacaciones en Bretaña a finales de los años 40, Vasarely se adentró temporalmente en la abstracción biomórfica. Aunque luego descartó esta etapa como un desvío, introdujo curvas y esferas orgánicas en sus sistemas de rejilla — permitiendo las ilusiones tridimensionales abultadas y dinámicas que definieron su estilo característico del Op Art.
6. ¿Qué fue la Academia Műhely de Hungría y cómo influyó en la obra de Vasarely?
Conocida como la "Bauhaus húngara", la Academia Műhely enseñaba la integración del arte fino, el diseño gráfico, la geometría y la arquitectura funcional. Estudiar allí en 1929 introdujo a Vasarely a los estrictos principios geométricos del constructivismo que formaron la base de su carrera.
7. ¿Cuál es la relación entre el modelo atómico de Niels Bohr y las pinturas de Vasarely?
El modelo atómico de Bohr — un núcleo rodeado por anillos concéntricos en órbita — inspiró directamente el uso frecuente de Vasarely de círculos anidados, esferas expansivas y rejillas geométricas rítmicas a lo largo de su carrera.
8. ¿Cuál es el significado detrás del lema de Vasarely "Arte para Todos"?
Vasarely rechazó el elitismo del mercado artístico tradicional. Creía que el arte fino debía integrarse en la vida diaria y abrazó la reproducción masiva de sus patrones ópticos en ropa, textiles, postales y fachadas de edificios.
9. ¿Por qué se considera "Zebra" (1937) de Vasarely un hito en la historia del arte?
Zebra consiste en dos figuras entrelazadas compuestas completamente por franjas curvas en blanco y negro contrastantes, sin contornos ni fondo. La ilusión de volumen y movimiento se genera únicamente por la interacción óptica de las franjas, siendo uno de los primeros verdaderos precursores del Arte Óptico.
10. ¿Cómo influyó el trabajo diario de Vasarely como diseñador gráfico en su arte fino?
Catorce años de trabajo gráfico comercial requirieron claridad visual, líneas nítidas, alto contraste y precisión en la impresión. Esto refinó sus habilidades técnicas y le enseñó a manipular el peso visual, que luego aplicó para asegurar que sus ilusiones ópticas fueran físicamente perfectas.
11. ¿Qué es la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence?
Inaugurada en 1976, la Fundación Vasarely es un complejo arquitectónico diseñado a medida que alberga 44 instalaciones ópticas monumentales integradas directamente en las paredes, realizando el sueño de Vasarely de llevar el arte geométrico abstracto a un entorno arquitectónico tridimensional permanente.
12. ¿Cómo prefigura el Alfabeto Plástico de Vasarely el arte digital?
El Alfabeto Plástico funciona exactamente como los píxeles modernos de computadora y los gráficos vectoriales. Décadas antes de las computadoras personales, Vasarely estaba efectivamente "programando" sus lienzos mediante lógica, estructuras binarias y reproducción sistemática.
13. ¿Cuál es la diferencia entre el Arte Óptico y el Arte Cinético?
- El Arte Cinético implica movimiento físico real mediante viento, motores o imanes.
- El Arte Óptico implica movimiento fisiológico: la pintura estática provoca fatiga visual y vibración retiniana en el ojo del espectador, creando la ilusión de movimiento.
14. ¿Por qué Vasarely priorizó los "múltiples" sobre las pinturas únicas en lienzo?
Vasarely defendió las serigrafías y las ediciones producidas industrialmente para vender obras ópticas de alta calidad a precios accesibles, difundiendo su filosofía de "Arte para Todos" a nivel mundial.
15. ¿Cómo deben los coleccionistas cuidar y preservar las serigrafías originales de Victor Vasarely?
- Protección UV: Enmarque detrás de acrílico o vidrio con filtro UV; evite la luz solar directa.
- Control de humedad: Mantenga una humedad del 40–60 % para evitar que el papel se deforme.
- Montaje sin ácido: Use solo paspartús y tableros de respaldo de calidad museística y sin ácido.
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