La historia detrás de la Composición VII de Wassily Kandinsky

“Composición VII” (1913) de Wassily Kandinsky es considerada por muchos aficionados al arte abstracto como la pintura más importante del siglo XX—quizás incluso la pintura abstracta más importante jamás creada. Sin embargo, frecuentemente, cuando alguien la mira por primera vez, reacciona negativamente, expresando ira, frustración o incluso asco. Indudablemente, es una pintura difícil, especialmente para aquellos que son nuevos en el arte abstracto. En primer lugar, es masiva, midiendo 200 x 300 centímetros. En segundo lugar, la superficie está completamente cubierta con innumerables formas amorfas superpuestas, líneas aparentemente aleatorias y un campo minado de colores, algunos vívidos y otros difusos. Nada hace referencia al mundo natural conocido. Solo la ilusión de profundidad es perceptible, pero el espacio al que retrocede no tiene ningún parecido con la realidad. La pintura podría parecer fácilmente un sinsentido para cualquiera que no esté dispuesto a trabajar para desentrañar sus misterios. Pero para aquellos dispuestos a estudiarla con una mente abierta, “Composición VII” puede ofrecer suficientes dividendos intelectuales, visuales e incluso espirituales para toda la vida. Y no estoy siendo hiperbólico. Esta pintura realmente es tan importante para algunas personas—no solo por sus cualidades visuales, físicas o formales, sino porque para Kandinsky y aquellos que lo aprecian, “Composición VII” ha llegado a ser entendida como una encarnación concreta de la pureza espiritual en el arte.

Escalera a los siete

Entre los años 1910 y 1939, Kandinsky pintó 10 lienzos a los que asignó el título "Composición". Hoy en día, solo sobreviven siete de esas pinturas, habiendo sido destruidas las tres primeras durante la Primera Guerra Mundial. Pero existen fotografías de las tres primeras Composiciones. Aunque carecen de información de color, podemos deducir de ellas algunas pistas sobre la esencia del viaje visual en el que Kandinsky se encontraba mientras creaba cada una. Ese viaje inicialmente implicaba transformar paisajes y figuras tradicionales en masas simplificadas, biomórficas, y luego coaxionar esas masas en formas y figuras que se volvían cada vez más abstractas. En "Composición III", por ejemplo, las formas de humanos y animales aún son reconocibles, moviéndose, quizás jugando o quizás peleando, o ambas cosas, en una especie de entorno pastoral. Pero luego, en "Composición IV" (1911), las formas son casi irreconocibles. Kandinsky nos dice que en esta imagen hay figuras reclinadas en la parte inferior derecha, y dos torres en la cima de una colina en la parte superior derecha, una escena que él describe como guerra y paz simultáneas. Pero me resultaría difícil llegar a esta conclusión sin su explicación.

Wassily Kandinski - Composición VI, 1913. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Museo del Estado Hermitage

"Composición V" (1911) es aún más abstracta, y sin embargo, la emoción que expresa también se siente más intensa que en las Composiciones anteriores. En esta pintura, las formas en la pintura aún se relacionan de alguna manera con el mundo natural, ya que figuras ligeramente humanoides y características cuasi-naturales, aunque reducidas, están intercaladas a lo largo de la imagen. Casi totalmente abstracta, sin embargo, es "Composición VI", que Kandinsky pintó dos años después de "Composición V". Su característica más prominente son sus líneas, como las seis líneas paralelas en el medio de la imagen que se asemejan al cuello de una guitarra. Lo que esta pintura representa, según Kandinsky, es "el Diluvio", refiriéndose a la historia bíblica de Noé. Intentó destilar las esencias emocionales, psicológicas y espirituales de la historia—destrucción y creación; miedo y esperanza—en una exploración visual de equilibrio y armonía. Sobre "Composición VI" escribió: "el motivo original de la pintura (el Diluvio) fue disuelto y transferido a la existencia interna, puramente pictórica, independiente y objetiva." No obstante, la pintura aún incluye claramente algunos elementos figurativos, que vinculan su lenguaje visual con el mundo externo.

Una Expresión de Sentimientos Internos

"Composición VII" se considera tan importante porque es la primera vez que Kandinsky sintió que había alcanzado el ideal por el cual su serie de Composiciones fue nombrada. En los últimos párrafos del último capítulo de su libro seminal, De lo espiritual en el arte, que Kandinsky publicó en 1910, describe tres tipos diferentes de inspiración artística. El primero, que él llama "impresión", lo describe como una impresión artística directa de la naturaleza exterior. El segundo, que él llama "improvisación", lo describe como "expresión inconsciente y espontánea", similar a la práctica surrealista posterior del dibujo automático. El tercero, que él llama "composición", lo describe como "una expresión de un sentimiento interno formado lentamente, que se expresa solo después de una larga maduración." Cuando se trata de "Composición VII", la frase "larga maduración" es clave. Cuando pintó "Composición VII", Kandinsky vivía en Múnich. Basado en el registro histórico que mantuvo en ese momento, sabemos que planeó "Composición VII" durante meses, creando más de 30 bocetos preliminares para ella en varios medios. Cada boceto preliminar construye hacia una imagen que está completamente desprovista tanto de "impresión" como de "improvisación."

Wassily Kandinski - Composición VII, 1913. Óleo sobre lienzo. 79 x 119 in (200.6 x 302.2 cm). Galería Tretyakov

Poco después de terminar este hito, Kandinsky se vio obligado por el estallido de la Primera Guerra Mundial a regresar a su hogar en Rusia. Deprimido por la guerra, apenas pintó en absoluto durante años. Pasaron 10 años antes de que reanudara su serie de Composiciones. "Composición VIII" (1923) traduce la imaginería abstracta de su predecesora a un lenguaje visual puramente geométrico. "Composición IX", que no se completó hasta 1936, no es puramente abstracta, sino que reintroduce la idea de "impresión" al añadir formas florales y otras imágenes naturales. "Composición X" (1939), que se completó cinco años antes de la muerte de Kandinsky, es altamente simbólica y también sorprendentemente moderna, incluso ahora. Sin embargo, aunque cada una de estas Composiciones posteriores, y cada una de las seis que la precedieron, podría considerarse visionaria, lo que hace que "Composición VII" se destaque es el hecho de que al lograr una abstracción reflexiva, metódica, madura y total, cumple con el ideal supremo que Kandinsky intentaba alcanzar, no solo con esta serie, sino con todas sus obras del siglo XX. Es la primera vez que Kandinsky logra con la pintura lo que él creía que los músicos lograban con la música: una traducción pura de sentimientos en elementos abstractos formales que son capaces de expresar el espíritu humano.

Imagen destacada: Wassily Kandinski - Composición V, 1911. Óleo sobre lienzo. 74.8 x 108.2 in (190 x 275 cm). Colección privada.
Todas las imágenes a través de Wikimedia Commons.
Por Phillip Barcio