Artistas Abstractos Muy Pictóricos: Los Nuevos Alquimistas

En su estudio de Heidelberg, Arvid Boecker (imagen destacada) raspa metódicamente su lienzo con una racleta de serigrafía. Capa por capa, construye lo que llama una "arqueología del color". A ocho mil kilómetros de distancia, en su estudio americano, Clay Johnson hace lo mismo con herramientas para drywall, a veces destruyendo y reconstruyendo la misma sección treinta veces. Mientras tanto, en Bruselas, Janise Yntema calienta cera de abejas a la temperatura exacta con su soplete, añadiendo otra capa translúcida a meses de trabajo acumulado.

Estos artistas nunca se han conocido, pero comparten una obsesión que se está volviendo cada vez más rara en el arte contemporáneo: la creencia de que la pintura en sí—su peso, textura y presencia física—tiene un poder insustituible.

Clay Johnson, After Midnight,  2020

El arte desaparecido de la paciencia

Vivimos en una era de atajos artísticos. Las herramientas digitales prometen resultados instantáneos. Nuevas técnicas emergen semanalmente, celebradas simplemente por su novedad. El mundo del arte, como todo lo demás, ha sido seducido por la velocidad y la conveniencia. Las técnicas pictóricas tradicionales—lentas, laboriosas, implacables—parecen casi anacrónicas.

Sin embargo, dispersos por estudios desde Alemania hasta California, desde Bélgica hasta los Países Bajos, algunos artistas continúan moviendo pintura sobre lienzos con la dedicación de artesanos medievales. Representan lo que podríamos llamar Arte Abstracto Muy Pictórico, una práctica definida no por estéticas compartidas, sino por una convicción compartida: que la manipulación física de la pintura crea algo que ningún proceso digital puede replicar.

Esto no es nostalgia. Es resistencia.

Janise Yntema, Murmur, 2015

¿Qué hace que el arte sea "Muy pictórico"?

Mira a Clay Johnson trabajar, y lo entiendes de inmediato. Él no usa pinceles: demasiado suaves, demasiado predecibles. En cambio, ataca su lienzo con espátulas y herramientas de construcción, raspando, construyendo, destruyendo, reconstruyendo. Su pintura acrílica seca lo suficientemente rápido como para que pueda reaccionar a cada capa a medida que surge, creando superficies tan trabajadas que se acercan a la escultura.

O observe el método metódico de acumulación de marcas de impasto de Martina Nehrling, cada pincelada cuidadosamente colocada que se aferra a su vecina como elementos arquitectónicos. Sus colores puros y opacos crean patrones hipnóticos que parecen vibrar con energía física.

Lo que estos artistas comparten no es el estilo: sus obras terminadas se ven notablemente diferentes. Lo que comparten es el proceso: un compromiso obsesivo con la pintura como material, con la superficie como sujeto, con el tiempo hecho visible a través de capas acumuladas.

Martina Nehrling, Apophis, 2024

Los cuatro pilares del arte muy pictórico

A través de la observación cuidadosa de sus prácticas, emergen cuatro principios fundamentales que definen el Arte Abstracto Muy Pictórico. No son reglas sino obsesiones, fuerzas impulsoras que moldean cada decisión en el estudio.

Honestidad material

Estos artistas no intentan que la pintura parezca otra cosa. Yari Ostovany celebra la forma en que el pigmento se disuelve, cubre, raspa, se disuelve de nuevo. Danny Giesbers construye capas transparentes que crean campos luminiscentes, cada trazo juega un papel crucial en una composición general que tomó meses completar. Se permite que la pintura sea pintura: viscosa, opaca, obstinada, hermosa por sí misma.

Profundidad temporal

Cada capa representa una decisión, un momento en el tiempo, una respuesta a lo que vino antes. Las superficies tipo relieve de Jeremy Annear se convierten en sitios arqueológicos de toma de decisiones creativas. Puedes leer la historia de cada pintura en su topografía: dónde el artista acumuló, raspó, cambió de dirección, encontró resolución.

Compromiso físico

Estas obras requieren cuerpos, no solo mentes. Robert Niesse construye y desgasta múltiples secciones de color mediante procesos físicos complejos. Emily Berger trabaja con franjas horizontales gestuales, involucrando todo su cuerpo en cada trazo. Las pinturas llevan rastros del esfuerzo humano que ningún asistente podría replicar, ningún proceso digital podría simular.

Resistencia a la reproducción

Quizás lo más importante es que estas obras no pueden apreciarse completamente a través de pantallas. Exigen presencia física para una comprensión completa. En nuestra era de Instagram, esto representa una declaración artística audaz: algunas experiencias no pueden digitalizarse, algunos placeres no pueden compartirse virtualmente.

Jeremy Annear, Cascading Lines, 2013

El coraje del anacronismo

Se necesita coraje para trabajar de esta manera en 2025. Mientras otros artistas exploran la colaboración con IA, las posibilidades de NFT y espectáculos de instalación, estos pintores se retiran a sus estudios durante meses de trabajo solitario. Adoptan técnicas que no ofrecen atajos, ni gratificación instantánea, ni potencial viral.

Las pinturas de Arvid Boecker surgen mediante una construcción paciente: primero dibuja la composición a lápiz, luego evoluciona colores y capas durante períodos prolongados. Cada obra se convierte en un mapa topográfico de atención sostenida. En una cultura que premia lo inmediato, él insiste en lo eventual.

Janise Yntema trabaja con cera encáustica, una técnica literalmente antigua—usada por los romanos, perfeccionada a lo largo de milenios. En su estudio, aplica cera de abejas natural y resina sobre paneles de madera, usando el calor como su solvente activo. A través de acumulaciones lentas de capas semitransparentes, crea imágenes donde la luz misma se vuelve compositivamente presente. Su proceso requiere lo que ella llama "una danza alquímica entre lo dirigido y lo incontrolado"—lo opuesto a la predictibilidad digital.

Danny Giesbers, Neon 1 (izquierda) y Dan Flavin (derecha), 2020

Ecos Históricos, Urgencia Contemporánea

Este enfoque conecta con precedentes ilustres. Las pinturas con escobilla de Gerhard Richter demuestran el diálogo definitivo entre control y azar a través de superficies intensamente trabajadas. Frank Auerbach y Leon Kossoff transformaron el impasto en relieve escultórico. Anselm Kiefer incorporó arena, ceniza y memoria en superficies que cargaban con el peso de la historia.

Pero los artistas de Very Painterly Abstract de hoy enfrentan un contexto cultural diferente. Donde sus predecesores trabajaron contra el dominio de la fotografía y los medios masivos, estos artistas trabajan contra el dominio de la cultura digital misma. No solo están haciendo pinturas; están preservando una forma de pensar, un modo de compromiso, un tipo de experiencia.

Emily Berger, Old Flame (izquierda) y Red Dream (derecha), 2022

La Persistencia Internacional

Lo notable es cómo este compromiso aparece a través de culturas y continentes. Danny Giesbers en los Países Bajos desarrolla enfoques algorítmicos combinados con marcas espontáneas. Su serie "Shifts" incorpora pinturas fosforescentes que se transforman con las condiciones de iluminación: la superficie intensamente trabajada se convierte en participante de su propia evolución continua.

Emily Berger aplica capas de pintura al óleo sobre paneles de madera en California, creando dinámicas de empuje y tracción mediante colores complementarios que dotan a sus composiciones de una luminosidad matizada. A través del raspado y el scumbling, conecta el gesto del Expresionismo Abstracto con una conciencia material contemporánea.

Robert Niesse construye capas brillantes alternando con marcas de firma poderosas, creando lo que él describe como "contexto brutal y conclusión de composiciones de color." Su enfoque sistemático pero intuitivo refleja su formación en diseño mientras abraza la expresión abstracta espontánea.

Cada artista aporta especificidad cultural a una obsesión material compartida, enriqueciendo el vocabulario mientras mantiene un compromiso esencial con superficies trabajadas intensamente y profundidad temporal.

Yari Ostovany, Aquí es donde nos encontramos (Para John Berger), 2015

Por qué esto importa ahora

Al defender Very Painterly Abstract Art, defendemos más que una preferencia estética. Defendemos el valor del compromiso sostenido, de procesos que no pueden acelerarse, de experiencias que no pueden digitalizarse.

Estos artistas nos recuerdan que, a pesar de los avances tecnológicos, existe algo irremplazable en la manipulación directa y física de los materiales. Sus superficies trabajadas intensamente son monumentos a la creatividad humana—registros de un compromiso sostenido entre artista y medio que ningún proceso digital puede replicar.

El mercado reconoce esta irremplazabilidad. Algunos coleccionistas buscan obras que exigen presencia física para su comprensión completa, pinturas que revelan nuevos detalles con cada visión, superficies que cambian con la luz y la perspectiva. Los artistas de Very Painterly Abstract ofrecen exactamente esta experiencia.

Robert Niesse, 2121-6, 2024

El futuro de la resistencia

A medida que la cultura digital se vuelve más omnipresente, Very Painterly Abstract Art se vuelve más valiosa—no como curiosidad histórica, sino como necesidad contemporánea. Estos artistas no están preservando el pasado; están asegurando que ciertos tipos de experiencia humana sigan siendo posibles.

Representan a los últimos alquimistas en una era de todo instantáneo, transformando materias primas en experiencias irremplazables mediante el tiempo, la paciencia y el compromiso físico. Sus estudios se convierten en santuarios donde siguen siendo posibles diferentes relaciones con el tiempo y la creación.

Al celebrar a estos artistas, celebramos no solo el logro individual, sino la vitalidad continua de prácticas que se niegan a comprometerse con la rapidez. Aseguran que la pintura siga siendo no solo relevante sino esencial, ofreciendo algo cada vez más raro: la oportunidad de encontrar rastros físicos de pensamiento y sentimiento humano sostenido.

Sus superficies gruesas de pintura llevan más que pigmento: llevan la convicción de que algunas cosas no pueden ser apresuradas, digitalizadas ni simplificadas. En nuestra era acelerada, insisten en la desaceleración. En nuestro mundo virtual, exigen presencia física. En nuestra era de reproducción infinita, crean lo irremplazable.

Este es su coraje, su don y su legado.

Imagen destacada: Arvid Boecker, de izquierda a derecha: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Cortesía del artista.