Navegando por las Obras del Reino del Arte Abstracto Digital

El rápido desarrollo de la tecnología digital tuvo un impacto profundo en todos los aspectos de nuestra existencia y el arte difícilmente pudo escapar a su influencia disruptiva. El arte actual surge con un clic del ratón —o más recientemente, con un toque en la pantalla— mientras que el software y las aplicaciones que permiten a los artistas crear en el ámbito digital proliferan a un ritmo explosivo. Por su naturaleza no representativa y no mimética, el arte abstracto fue el que más beneficios obtuvo de esta transformación tecnológica sin igual. El arte abstracto digital prospera mientras las nuevas funciones del software ofrecen una miríada de opciones estéticas cautivadoras —a solo un clic de distancia. El software es indudablemente el núcleo central del arte abstracto digital y ha ayudado a expandir los horizontes de la creatividad de manera insuperable. Aunque muchos artistas combinan lo digital con la pintura tradicional, la escultura o la fotografía, en última instancia recurren al software para interpretar la esencia de su obra y explorar nuevas fronteras artísticas. Mientras que Photoshop, Adobe Illustrator y Corel Painter fueron ampliamente usados por ilustradores y fotógrafos realistas y figurativos, muchos de sus filtros (como Photoshop Wave) son famosos por crear una inmensa variedad de patrones abstractos. Sin embargo, muchos creen que solo los algoritmos generativos pueden crear arte abstracto genuino (basado en código) y el creciente número de herramientas, programas, marcos y lenguajes se despliega para satisfacer esta creencia. En IdeelArt, somos el hogar de artistas que describen su trabajo como arte de nuevos medios y utilizan la tecnología digital más diversa para crearlo. Esta semana presentamos con orgullo cinco de las obras digitales abstractas más fascinantes que puedes añadir a tu colección.

Luuk de Haan - Straec 26

Parte de su serie Straec basada en vectores, Straec 26 encarna el significado original capturado en una palabra del inglés antiguo stræc —algo que es rígido después de ser estirado— ya que sus imágenes parecen estiradas pero rígidas. De Haan experimentó con la idea de los vectores en su anterior serie de abstracción geométrica, dado que los vectores, como cantidad matemática, comunican una trayectoria hacia un punto en un espacio tridimensional. Su proceso creativo comienza eligiendo una paleta de colores y luego usando un software de imagen para crear rectángulos sobre una superficie. Estos rectángulos son el punto inicial desde donde se adentra en la generación de triángulos aleatorios y otras formas geométricas que evocan la esencia de los vectores. Inspirado por el trabajo abstracto geométrico de Malevich y Mondrian, de Haan revela acertadamente su estética minimalista y una composición definida por formas geométricas seguras, líneas claras, superficies suaves que resuenan vivazmente con su vocabulario visual. De Haan es ampliamente reconocido por su expresión distintiva de crear composiciones geométricas usando software de imagen que fotografía directamente desde la pantalla. Modifica las condiciones físicas bajo las cuales se toma la fotografía, enfatizando la incertidumbre y el elemento errático de sorpresa que se revela a través de la interacción con la imagen digital. Las imágenes recién surgidas cautivan la elocuencia visual natural y orgánica, así como una rigurosa exploración gráfica de la forma, el color, la geometría y la línea. De Haan nació en Vlaardingen, Holanda Meridional, Países Bajos. Es artista visual y diseñador de sonido. Su arte visual se basa en los medios de la fotografía, el dibujo y las herramientas digitales para crear composiciones abstractas orgánicas y geométricas.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Arte de Nuevos Medios. 100 x 72.5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Parte de la última serie Emanations de Kane, EM-78 Vajra 3 explora la luz como el aspecto más esencial de la fotografía. Indagando visualmente en la ambigua dualidad del significado de la palabra sánscrita vajra —un arma mítica empuñada por el dios Indra que simboliza tanto las propiedades de un diamante (indestructibilidad) como un rayo (fuerza irresistible)— Kane escanea la imagen del vajra, la difumina hasta sus posibilidades más finitas y luego la estira hasta que solo queda una imagen destilada de color y forma. Hace un uso meticuloso del software informático para expresar el potencial espiritual de la luz como elemento definitorio de la fotografía. Para él, este es un punto de partida para experiencias perceptivas mayores y su intención con la serie Emanation fue traducir un fenómeno espiritual único en algo secular, contemporáneo y universal. Kane es un artista multimedia estadounidense cuyo trabajo cruza los límites de la fotografía, la pintura y la impresión en un esfuerzo por examinar la idea de qué es y qué puede ser una imagen. Vive y trabaja en California, cerca de San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigmento sobre lienzo. 213.36 x 60.96 x 3.81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Otra obra de Kane que forma parte de su última serie Emanations, EM2020-59 explora aún más las cualidades de la luz como un elemento etéreo que traslada las propiedades materiales de la fotografía al ámbito metafísico/espiritual. Una imagen escaneada de un thangka budista —una pintura que representa una deidad budista— se difumina y estira nuevamente, resultando solo en una imagen destilada de color y forma. Kane imprime estas imágenes reducidas en papel para acuarela como representaciones elementales de los cuerpos de luz de los Budas que otorgan una bendición a quienes las contemplan. Él interpreta estas bendiciones como momentos de tranquilidad y atención plena, e intenta provocar la misma experiencia de paz y serenidad que un espectador vive al encontrarse con el arte de Rothko o Turrell. Kane se inspiró profundamente en la idea de que un objeto inanimado creado mediante la aplicación de la tecnología pudiera otorgar tal sentimiento a un espectador.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigmento sobre papel para acuarela. 50.8 x 50.8 cm.

Jesús Perea - M338

En su búsqueda de la belleza a través de la geometría, Perea examina la(s) estructura(s) racional(es) que subyacen a la naturaleza impredecible y afectiva de la inteligencia. Impreso en Hahnemuhle photo rag, M338 representa la manifestación más única de la abstracción gráfica de Perea. Oscila entre la ilustración y el expresionismo, sintetizando el mundo de la razón y el mundo de las emociones en una creación digital expresiva y persuasiva. Situado entre lo geométrico y lo biomórfico, emerge una belleza matemática de la naturaleza que revela los misterios tanto de la estructura como de la expresión. La viveza de sus obras creadas digitalmente evoca una sensación de movimiento constante —incluso cuando están terminadas parecen estar vivas con potencial. Busca deliberadamente imágenes que oscilan entre el pasado y el futuro; entre los mundos arquitectónico y natural. En 2018, después de tres años usando únicamente la computadora como herramienta para la composición y creación, sintió la necesidad de experimentar nuevamente el ritmo y desarrollo de mezclar procesos creativos manuales y digitales, y M338 ejemplifica su regreso a la mezcla de dos ámbitos en su búsqueda interminable de la belleza y la emoción pura. Perea es un artista abstracto multidisciplinar que vive y trabaja en Madrid, España. Junto con Richard Caldicott, Luuk de Haan y Pieter Bijwaard, Perea es miembro del colectivo de arte abstracto contemporáneo Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Creación digital, impresa en Hahnemuhle Photo Rag de 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Esta última obra de Snell revela estructuras visuales rítmicas y armoniosas que transportan al espectador a las profundidades del pensamiento puro. Crea sugerencias visuales que traducen la reflexión en un estado auténticamente meditativo. Bleed # 202001 revela el dinamismo de las relaciones cromáticas de Snell que surge de una combinación de aspectos arquitectónicos de sus composiciones y sus superficies vibrantes y luminosas. La ausencia de meta-semántica y representación arrastra al espectador al centro de la materia estética primitiva y tonal. En esta experiencia primordial, el espectador se sumerge en el color, el ritmo y el espacio que se abren para su reflexión interpretativa, despejando así el camino hacia la pura trascendencia. Captura un objeto o lugar con una cámara tradicional, decodifica digitalmente la información visual reduciendo y simplificando los colores y formas hasta que estos elementos reducidos se despliegan en sus relaciones autorreferenciales. Este proceso de despliegue mapea la ambigüedad y los estados transitorios intrínsecos al medio. Snell combina técnicas tradicionales y digitales para explorar las posibilidades de la abstracción y el minimalismo en la foto-media contemporánea. Vive y trabaja en Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Impresión cromogénica montada en plexiglás mate de 3 mm. 180 x 115 cm.

Imagen destacada: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, vista de instalación.
Por Jovana Vuković