Pat Passlof - Seis Décadas de Arte Importante

Pat Passlof me dio uno de los regalos más significativos que un artista puede otorgar a un espectador de arte, además del regalo del puro placer sensorial: me convenció de cuestionar mi propio gusto. Mi primer encuentro con su obra (me da vergüenza admitirlo) fue en diciembre de 2019, cuando, casi una década después de su muerte al final de una carrera de seis décadas, se inauguró la exposición “Pat Passlof: Cincuenta Años en Papel” en la New York Studio School. Las obras de la muestra desbarataron mi mente cuando las vi por primera vez. Percibí su paleta de colores como turbia, y sus composiciones como desarmoniosas, tanto que pasé casi ningún tiempo con ellas. Mi reacción fue tan negativa, y tan fuerte, de hecho, que me llevó a investigar quién era esta artista, qué más había logrado, y por qué no había visto su obra antes. Aprendí que estas obras en papel estaban destinadas a ser oníricas—aunque no necesariamente pesadillescas, quizás, pero esa palabra es relativa. También aprendí que durante más de 40 años, Passlof estuvo casada con el pintor Milton Resnick, y tenía la reputación de desviar la atención de sí misma hacia su esposo. (Sin embargo, había sido presentada en más de 50 exposiciones, así que la culpa de que nunca notara su obra antes es completamente mía.) Finalmente, aprendí que durante la mayor parte de su carrera, Passlof se había centrado en la abstracción. Alegre, bulliciosa, segura y cruda, la energía innegable de sus pinturas abstractas me inspiró a volver y echar un segundo vistazo a las obras en papel cuasi-figurativas que había visto inicialmente. Ese segundo vistazo reveló mundos de matices y maestría que había pasado por alto anteriormente. Cuanto más miraba la pintura, más se transformaba la paleta apagada, revelando capas brillantes de pintura base, y expandiendo mundos interiores de profundidad. Una vez que le di a las obras el tiempo que merecían, las composiciones se revelaron no solo como armoniosas, sino casi clásicas. Como la mayoría de las personas, casi nunca vuelvo a mirar pinturas que inicialmente rechacé. Passlof me recordó lo tonto que es eso, y que no debo caer víctima de la supuesta autoridad de mi propio gusto.

Escape de la Escuela de Nueva York

Passlof comenzó su carrera como pintora como estudiante en el famoso Black Mountain College, donde aprendió de luminarias como Josef Albers y Willem de Kooning. Muchas de sus primeras pinturas, como "Escalera" (1948), muestran la inconfundible influencia de de Kooning, con sus superficies trabajadas y raspadas, marcas gestuales emotivas y formas semi-figurativas. Fue de Kooning quien presentó a Passlof a su futuro esposo, Resnick. Los dos se mudaron juntos en la década de 1950, justo cuando Passlof estaba ganando la confianza para alejarse de la influencia de sus maestros. Más joven y menos dogmática que la primera generación de expresionistas abstractos, no veía valor en mantenerse fiel a un solo estilo o método. A mediados de la década de 1950, había comenzado a desarrollar un lenguaje visual abierto y bruto dominado por la presencia característica de innumerables marcas de pincel impasto apretadas.

Pat Passlof - Ojo Rojo, 1959. Óleo sobre lienzo. 42 x 35 pulgadas. La Fundación Milton Resnick y Pat Passlof.

Además de despertarse ante la creciente carga de su influencia estética, Passlof también comenzó a percibir el poder que la generación anterior de artistas de Nueva York, y sus críticos defensores, como Clement Greenberg, tenían para prejudicar a los dealers y curadores en lo que respecta a las oportunidades de exhibición. A mediados de la década de 1950, por lo tanto, la vio comenzar a afirmarse como una activista del arte. Junto con artistas como Jim Dine, Louise Bourgeois y Romare Bearden, Passlof ayudó a establecer lo que se conoció como las Galerías de la 10ª Calle: una colección de espacios de exhibición dirigidos por artistas que eludían el tradicional sistema de galerías de Nueva York centrado en la 8ª Calle. Esos intermediarios de poder—especialmente Greenberg—lamentaron estas galerías colectivas e insultaron el trabajo: pero el trabajo no era malo; simplemente señalaba el fin de su capacidad para controlar qué artistas podían hacer presencia.

Pat Passlof - Pasto Celestial, 1961. Óleo sobre lienzo. 68 x 144 pulgadas. La Fundación Milton Resnick y Pat Passlof.

Patrones y cuadrículas

En 1972, 24 años después de que fuera una estudiante de ojos asombrados en el Black Mountain College, Passlof comenzó lo que eventualmente se convirtió en su mandato de 38 años como profesora de arte en la City University of New York (CUNY) Staten Island. Ella valoraba a sus estudiantes y fue una profunda influencia en generaciones de artistas. Sus cartas a los estudiantes incluso fueron recopiladas en un libro titulado Pat Passlof, To Whom the Shoe Fits: Letters to Young Painters. Justo un año después de comenzar a enseñar, Passlof nuevamente se posicionó en la vanguardia de la política de exposiciones cuando, junto con Ce Roser y Sylvia Sleigh, fue una de las artistas originales involucradas en la histórica exposición de 1973 Women Choose Women, que presentó las obras de 109 artistas femeninas, seleccionadas por un jurado completamente femenino. Lucy Lippard y los otros organizadores de la exposición fueron infamemente rechazados por todas las instituciones importantes de la ciudad, excepto el New York Cultural Center. Cuando se inauguró la exposición, todas las publicaciones de arte de relevancia la reseñaron, creando un revuelo que revolucionó la conciencia pública sobre la profundidad y el alcance de las voces femeninas en las artes visuales.

Pat Passlof - Melón 2, 2001. Óleo sobre lino. 60 x 48 pulgadas. La Fundación Milton Resnick y Pat Passlof.

A lo largo del resto de su carrera, Passlof continuó empujándose a sí misma para evolucionar. En la década de 1990, creó un cuerpo de pinturas exuberantes, abstractas y con patrones, nombradas en honor a autores, como Frost, Hawthorne, Thoreau y Whitman. Al mismo tiempo, estaba pintando gouaches figurativas y inquietantes como “Birches and Skulls” (1999) y “Hermes” (1996). Una de sus últimas pinturas, “Melon 2” (2011), se destaca para mí como su gloria culminante. Una mezcla magistral y en capas de formas biomórficas, color luminoso y sus característicos trazos de pincel ajustados, tiene un aire tan effortless y magistral que parece existir fuera de la historia del arte. La forma en que ves tu tiempo está destinada a ser diferente de cómo lo ven tus contemporáneos o las personas en el futuro. Solo puedes reaccionar de acuerdo a lo que tú mismo percibes como verdadero. Passlof se mantuvo fiel a su propia visión de dónde encajaba en el campo del arte, y al hacerlo creó un cuerpo de trabajo que existe fuera de las tendencias. Me desafió a mirar más allá de mis propias preconcepciones. Ahora la veo como una revelación.

Imagen destacada: Pat Passlof - Sin título, 1995-96. Óleo sobre lienzo. 78 x 117 pulgadas. La Fundación Milton Resnick y Pat Passlof.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio