Navegando por las Obras del Reino del Arte Abstracto Digital

El rápido desarrollo de la tecnología digital tuvo un profundo impacto en todos los aspectos de nuestra existencia y el arte difícilmente pudo escapar de su influencia disruptiva. El arte de hoy surge con el clic del ratón - o más recientemente, el toque en la pantalla - mientras que el software y las aplicaciones que permiten a los artistas crear en el ámbito digital proliferan a un ritmo explosivo. Por virtud de su naturaleza no representativa y no mimética, el arte abstracto cosechó la mayor parte de los beneficios de esta transformación tecnológica sin igual. El arte abstracto digital está prosperando a medida que nuevas características de software ofrecen una miríada de opciones estéticas cautivadoras - a solo un clic de distancia. El software es indudablemente el núcleo central del arte abstracto digital y ayudó a expandir los horizontes de la creatividad de manera insuperable. Mientras que muchos artistas combinan lo digital con la pintura tradicional, la escultura o la fotografía, en última instancia recurren al software para construir la esencia de su trabajo y explorar nuevas fronteras artísticas. Mientras que Photoshop, Adobe Illustrator y Corel Painter fueron ampliamente utilizados por ilustradores y fotógrafos realistas y figurativos, muchos de sus filtros (como Photoshop Wave) son notorios por crear una inmensa variedad de patrones abstractos. Sin embargo, muchos creen que solo los algoritmos generativos podrían crear arte abstracto genuino (basado en código) y el creciente número de herramientas, programas, marcos y lenguajes se despliega para acomodar esta creencia. En IdeelArt, somos el hogar de artistas que describen su trabajo como arte de nuevos medios y utilizan la tecnología digital más divergente para crearlo. Esta semana presentamos con orgullo cinco de las obras de arte abstracto digital más fascinantes que puedes agregar a tu colección.

Luuk de Haan - Straec 26

Parte de su serie basada en vectores Straec, Straec 26 encarna el significado original capturado en una palabra del inglés antiguo stræc - algo que es rígido después de haber sido estirado - ya que sus imágenes parecen estiradas pero rígidas. De Haan experimentó con la idea de vectores en su anterior serie abstracta geométrica, ya que los vectores, como cantidad matemática, comunican una trayectoria hacia un punto en un espacio tridimensional. Su proceso creativo comienza eligiendo una paleta de colores y luego utilizando software de imagen para crear rectángulos en una superficie. Estos rectángulos son el punto inicial desde donde se adentra en la generación de triángulos aleatorios y otras formas geométricas que evocan la esencia de los vectores. Inspirado por el trabajo abstracto geométrico de Malevich y Mondrian, de Haan revela acertadamente su estética minimalista y una composición definida por formas geométricas seguras, líneas claras, superficies suaves que resuenan rápidamente con su vocabulario visual. De Haan es ampliamente celebrado por su expresión distintiva de crear composiciones geométricas utilizando software de imagen que fotografía directamente de la pantalla. Él altera las condiciones físicas bajo las cuales se toma la fotografía, enfatizando la incertidumbre y el elemento errático de sorpresa que se divulga a través de la interacción con la imagen digital. Las imágenes recién emergidas cautivan la elocuencia visual natural y orgánica, así como una rigurosa exploración gráfica de forma, color, geometría y línea. De Haan nació en Vlaardingen, Holanda del Sur, Países Bajos. Es un artista visual y diseñador de sonido. Su arte visual se basa en los medios de fotografía, dibujo y herramientas digitales para crear composiciones abstractas geométricas orgánicas.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Arte de Nuevos Medios. 100 x 72.5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Parte de Kane’s última serie Emanations, EM-78 Vajra 3, explora la luz como el aspecto más esencial de la fotografía. Indagando visualmente en la ambigua dualidad del significado de la palabra sánscrita vajra - un arma mítica empuñada por el dios Indra que simboliza tanto las propiedades de un diamante (indestructibilidad) como un rayo (fuerza irresistible) - Kane escanea la imagen de vajra, la difumina hasta sus posibilidades más finitas y luego la estira hasta que solo queda una imagen destilada de color y forma. Utiliza meticulosamente software de computadora para expresar el potencial espiritual de la luz como el elemento definitorio de la fotografía. Para él, este es un punto de partida para experiencias perceptuales más amplias y su intención con la serie Emanation fue traducir un fenómeno espiritual único en algo secular, contemporáneo y universal. Kane es un artista multimedia estadounidense cuyo trabajo intersecta los límites de la fotografía, la pintura y la impresión en un esfuerzo por examinar la idea de lo que es y puede ser una imagen. Vive y trabaja en California, cerca de San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigmento sobre lienzo. 213.36 x 60.96 x 3.81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Otra obra de Kane que forma parte de su última serie Emanations, EM2020-59, explora aún más las cualidades de la luz como un elemento etéreo que transpone las propiedades materiales de la fotografía al ámbito metafísico/espiritual. Una imagen escaneada de un thangka budista - una pintura que representa a una deidad budista - se difumina y se estira nuevamente, resultando en una imagen destilada de color y forma. Kane imprime estas imágenes reducidas en papel de acuarela como representaciones elementales de los cuerpos de luz de los Budas que otorgan una bendición a quienes las contemplan. Él interpreta estas bendiciones como momentos de tranquilidad y atención plena, y para instigar la misma experiencia de paz y serenidad que un espectador vive al encontrarse con el arte de Rothko o Turrell. Kane se sintió profundamente inspirado por la noción de que un objeto inanimado creado por la aplicación de la tecnología podría otorgar tal sentimiento a un espectador.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigmento sobre papel de acuarela. 50.8 x 50.8 cm.

Jesús Perea - M338

En su búsqueda de la belleza a través de la geometría, Perea examina la(s) estructura(s) racional(es) que subyacen a la naturaleza impredecible y afectiva de la inteligencia. Impreso en Hahnemuhle photo rag, M338 epitomiza la manifestación más única de la abstracción gráfica de Perea. Oscila entre la ilustración y el expresionismo, sintetizando el mundo de la razón y el mundo de las emociones en una creación digital expresiva y persuasiva. Situada entre lo geométrico y lo biomórfico, emerge una belleza matemática de la naturaleza que revela los misterios tanto de la estructura como de la expresión. La vibrante de sus obras creadas digitalmente evoca una sensación de movimiento constante; incluso cuando están completas, parecen estar vivas con potencial. Está buscando deliberadamente imágenes que flotan entre el pasado y el futuro; entre los mundos arquitectónicos y naturales. En 2018, después de tres años de usar únicamente una computadora como herramienta para la composición y creación, sintió la necesidad de experimentar nuevamente el ritmo y el desarrollo de la fusión de procesos creativos manuales y digitales, y M338 ejemplifica su regreso a la mezcla de dos reinos en su búsqueda interminable de belleza y pura emoción. Perea es un artista abstracto multidisciplinario que vive y trabaja en Madrid, España. Junto con Richard Caldicott, Luuk de Haan y Pieter Bijwaard, Perea es miembro del colectivo de arte abstracto contemporáneo Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Creación digital, impresa en Hahnemuhle Photo Rag de 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Sangrar # 202001

Esta última de Snell, revela estructuras visuales rítmicas y armoniosas que transportan al espectador a las profundidades del pensamiento puro. Crea sugerencias visuales que traducen la reflexión en un estado auténticamente meditativo. Bleed # 202001 revela el dinamismo de las relaciones de color de Snell que surge de una combinación de aspectos arquitectónicos de sus composiciones y sus superficies vibrantes y luminosas. La ausencia de meta-semántica y representación arrastra al espectador en medio de la materia estética primal y tonal. En esta experiencia primordial, el espectador se sumerge en color, ritmo y espacio que se abre a su reflexión interpretativa, despejando así el camino hacia la pura trascendencia. Captura un objeto o ubicación con una cámara tradicional, decodifica digitalmente la información visual reduciendo y simplificando los colores y formas hasta que estos elementos reducidos se despliegan en sus relaciones autorreferenciales. Este proceso de despliegue mapea la ambigüedad y los estados transicionales intrínsecos al medio. Snell combina técnicas tradicionales y digitales para explorar las posibilidades de la abstracción y el minimalismo en la fotografía contemporánea. Vive y trabaja en Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Impresión cromogénica montada en cara de plexiglás mate de 3 mm. 180 x 115 cm.

Imagen destacada: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, vista de instalación.
Por Jovana Vuković