Desnudando el Lienzo - Despedida a Ron Gorchov

Durante una entrevista en 2017 con el curador suizo Hans Ulrich Obrist, el pintor estadounidense Ron Gorchov (1930 - 2020) ofreció el siguiente consejo a los jóvenes artistas: “Sé desesperado y paciente.” La aparente declaración oxímoron encapsula perfectamente la actitud con la que Gorchov, quien falleció a principios de este mes, abordaba su práctica. Nacido en Chicago en 1930, su familia se mudó de ciudad en ciudad más de una docena de veces durante la Gran Depresión mientras su padre, con mentalidad emprendedora, buscaba trabajo. Las circunstancias pudieron haberlos hecho desesperados por dinero, pero su padre le enseñó a Gorchov a ver el dinero como algo separado del propósito. Su familia estaba sin dinero, dice Gorchov, pero nunca pobre. Gorchov trabajó como salvavidas cuando se mudó por primera vez a Nueva York en los años 50, y más tarde enseñó arte: trabajos que le dieron el tiempo necesario para abordar su arte con la paciencia que merecía. Su principio guía era que los artistas siempre deberían crear obras para el próximo siglo, no para el siglo en que viven. Su idea para avanzar la pintura hacia el siglo XXI fue combinarla, en las cantidades justas, con la escultura y la arquitectura. “Para mí,” dijo Gorchov, “la esencia de la escultura es la masa. En la arquitectura, se siente el volumen. Y la pintura enfatiza la superficie.” Las pinturas “en forma de silla de montar” por las que se hizo famoso fueron su solución al problema. Ya en 1949, Gorchov tenía la noción de que el mundo de la pintura se había vuelto demasiado apegado a la idea del rectángulo, un apego acelerado por Piet Mondrian, quien, según razonaba Gorchov, había agotado la forma. Gorchov consideró varias opciones para alterar la planitud de un lienzo rectangular típico, como colocar una pelota de tenis detrás para crear un abultamiento. Le tomó 19 años desarrollar los “bastidores en forma de silla de montar” que usó para crear sus ahora icónicas superficies de pintura convexas y curvas. Su primera pintura en forma de silla de montar, que hizo en 1968, se titula “Mine” — un doble sentido que hace referencia al hecho de que veía la obra como exclusivamente suya, y también como una posible mina de oro llena de posibilidades creativas por descubrir.

¿Abstracto o Concreto?

La mayoría de los espectadores consideran que la obra de Gorchov es abstracta. Sin embargo, su marchante John Cheim, director principal y de exposiciones en la galería Cheim & Read —que tiene una reputación distinguida por trabajar con gigantes de la abstracción como Joan Mitchell, Milton Resnick y Louis Fishman— afirma que Gorchov no debe ser visto como totalmente abstracto. “Las formas tienen una fuerte relación con la obra de Giorgio Morandi. Gorchov no es un pintor puramente abstracto, al igual que Morandi no es puramente figurativo,” dice Cheim. El director de la galería Stephen Truax añade: “Ron usaba cosas que veía y encontraba en la vida real como inspiración para las formas que usaba en sus abstracciones.”

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, óleo sobre lino, 85 x 75 x 13 pulgadas, 215.9 x 190.5 x 33 centímetros. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Foto: Brian Buckley. Todas las imágenes de las obras cortesía del artista y Cheim & Read, Nueva York.

Una pista sobre el contenido emocional en sus pinturas puede encontrarse en los títulos que Gorchov les dio, que con frecuencia hacen referencia a mitos clásicos o historias de textos teológicos como la Biblia. Sin embargo, Gorchov no comenzó tratando de pintar una figura o escena particular de un mito. Más bien, pintaba de manera intuitiva y subconsciente, a menudo pintando el lado derecho del lienzo con su mano derecha y el lado izquierdo con su mano izquierda. Pensaba en el contenido después de hecho. “Cuando hago una pintura y la miro,” explicó una vez Gorchov, “tengo que preguntarme, ¿cómo me sentí cuando la hice? Porque estuve involucrado en hacerla, no sé cómo me sentí. Entonces estudio la pintura para descubrirlo… y trato de encontrar una historia que se sienta como yo me sentí.” Este intercambio entre cosas vistas en la vida, el acto subconsciente de pintar y el análisis posterior de los sentimientos me parece tanto abstracto como concreto. Me recuerda a cómo Jean Arp hablaba del verdadero significado del dadaísmo: como la imprevisibilidad, el sinsentido y la lógica perfecta de la naturaleza expresada a través del arte.

Ron Gorchov - Prometeo, 2016. Óleo sobre lino. 49 x 65 x 10 1/2 pulgadas / 124.5 x 165.1 x 26.7 centímetros. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Todas las imágenes de las obras cortesía del artista y Cheim & Read, Nueva York.

El Reformador Revolucionario

Para mí, hay algo profundamente estadounidense en la obra que creó Gorchov. América es tanto una cosa concreta como un concepto abstracto, que está constantemente dividido entre la revolución y la reforma. Cuando desarrolló sus bastidores en forma de silla de montar, Gorchov era un artista revolucionario, uno que estaba decidido a subvertir el viejo concepto central de la pintura: que debía hacerse sobre superficies rectangulares y planas. Incluso mientras desarrollaba su primer lienzo curvo, de hecho, la noción de planitud estaba siendo nuevamente alabada por críticos de arte destacados como Clement Greenberg como la meta de la Abstracción Post-Pictórica, la última tendencia en pintura según Greenberg. Sin embargo, después de socavar audazmente los sistemas estructurales de los rectángulos y la planitud, Gorchov se comprometió completamente con su nuevo sistema y lo repitió durante el resto de su carrera, reemplazando la antigua norma con la nueva norma. ¿Qué podría ser más estadounidense que ceder los impulsos revolucionarios a la compulsión por una reforma interminable, trabajando dentro de sistemas recién establecidos para crear variaciones infinitamente intrigantes?

RETRATO CON JAMBAS ESTE Ron Gorchov en su estudio de Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov JAMBAS ESTE 1971 Óleo sobre lino 77 x 77 x 12 1/2 pulgadas 195.6 x 195.6 x 31.8 centímetros © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Realmente, una vez que ves una pintura de Gorchov, todas las futuras pinturas de Gorchov que encuentres son instantáneamente reconocibles como suyas. Pero esto no es un insulto. Es la misma crítica que se podría hacer a la naturaleza, que también trabaja dentro de sus propios sistemas especiales para crear variaciones infinitas y hermosas. De hecho, en el contexto de su relación con los modos de la naturaleza, siento que Gorchov pertenece mejor a la línea de Hans Arp — otro artista biomórfico, que fue en parte dadaísta, en parte surrealista y en parte abstracto, pero que siempre se refería a su arte como concreto. Gorchov creó un cuerpo de obra que es tanto cerebral como caprichoso — completamente idiosincrático y a la vez instantáneamente reconocible — y así, al igual que Arp, creo que eso coloca a Gorchov en su propia categoría especial.
Me impresiona cómo Gorchov logró su principio guía original, recordándonos a través de su ejemplo lo importantes que son tanto el pensar como el sentir para los artistas que desean ser relevantes no solo en su siglo, sino también en el siguiente.

Imagen destacada: RETRATO POR AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Reproducido con permiso.
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio