Desnudando el Lienzo - Despedida a Ron Gorchov

Durante una entrevista en 2017 con el curador suizo Hans Ulrich Obrist, el pintor estadounidense Ron Gorchov (1930 - 2020) ofreció el siguiente consejo a los jóvenes artistas: “Sé desesperado y paciente.” La declaración aparentemente oxímoronica encapsula perfectamente la actitud con la que Gorchov, quien falleció a principios de este mes, abordó su práctica. Nacido en Chicago en 1930, su familia se mudó de ciudad en ciudad más de una docena de veces durante la Gran Depresión mientras su padre, con mentalidad emprendedora, buscaba trabajo. Las circunstancias pueden haberlos hecho desesperados por dinero, pero su padre enseñó a Gorchov a ver el dinero como algo separado del propósito. Su familia estaba en quiebra, dice Gorchov, pero nunca fue pobre. Gorchov trabajó como salvavidas cuando se mudó a Nueva York en la década de 1950, y más tarde enseñó arte: trabajos que le dieron el tiempo que necesitaba para abordar su arte con la paciencia que merecía. Su principio rector era que los artistas siempre deberían estar creando obras para el próximo siglo, no para el siglo en el que viven. Su idea para llevar la pintura hacia el siglo XXI era combinarla, en las cantidades justas, con escultura y arquitectura. “Para mí,” dijo Gorchov, “la esencia de la escultura es la masa. En la arquitectura, sientes el volumen. Y la pintura enfatiza la superficie.” Las pinturas “en forma de silla de montar” por las que se hizo famoso fueron su solución al problema. Ya en 1949, Gorchov tuvo la noción de que el mundo de la pintura se había vuelto demasiado aferrado a la idea del rectángulo, un apego acelerado por Piet Mondrian, quien, razonó Gorchov, había agotado la forma. Gorchov consideró varias opciones para alterar la planitud de un lienzo rectangular típico, como colocar una pelota de tenis detrás de él para crear un bulto. Le tomó 19 años desarrollar los “estiradores en forma de silla de montar” que usó para crear sus ahora icónicas superficies de pintura convexas y curvadas. Su primera pintura en forma de silla de montar, que hizo en 1968, se titula “Mine”—un doble sentido que hace referencia al hecho de que veía la obra como exclusivamente suya, y también la veía como una posible mina de oro llena de posibilidades creativas no descubiertas.

Abstracto o Concreto

La mayoría de los espectadores consideran que el trabajo de Gorchov es abstracto. Sin embargo, su galerista John Cheim, Principal y Director de Exposición en la galería Cheim & Read—que tiene una reputación distinguida por trabajar con gigantes de la abstracción como Joan Mitchell, Milton Resnick y Louis Fishman—afirma que Gorchov no debe ser visto como totalmente abstracto. "Las formas tienen una fuerte relación con el trabajo de Giorgio Morandi. Gorchov no es un pintor puramente abstracto, así como Morandi no es puramente figurativo", dice Cheim. El Director de la Galería Stephen Truax añade: "Ron usaba cosas que veía y encontraba en la vida real como inspiración para las formas que utilizaba en sus abstracciones."

Ron Gorchov - HERMANO II, 2017, Óleo sobre lino, 85 x 75 x 13 pulgadas, 215.9 x 190.5 x 33 centímetros. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Foto: Brian Buckley. Todas las imágenes de las obras de arte son cortesía del artista y Cheim & Read, Nueva York.

Una pista sobre el contenido emocional en sus pinturas se puede encontrar en los títulos que Gorchov les dio, que a menudo hacen referencia a mitos clásicos o historias de textos teológicos como la Biblia. Sin embargo, Gorchov no comenzó tratando de pintar una figura o escena particular de un mito. Más bien, pintó de una manera intuitiva y subconsciente, a menudo pintando el lado derecho del lienzo con su mano derecha y el lado izquierdo con su mano izquierda. Pensó en el contenido después del hecho. "Cuando hago una pintura y la miro", explicó Gorchov una vez, "tengo que preguntarme, ¿cómo me sentí cuando hice eso? Porque estuve involucrado en su creación, no sé cómo me sentí. Así que luego estudio la pintura para averiguarlo... y trato de encontrar una historia que se sienta como me sentí." Este intercambio entre las cosas vistas en la vida, el acto subconsciente de pintar y los análisis posteriores de los sentimientos me parece tanto abstracto como concreto. Me recuerda a cómo Jean Arp habló sobre el verdadero significado del Dada: como la imprevisibilidad, la falta de sentido y la lógica perfecta de la naturaleza expresada a través del arte.

Ron Gorchov - Prometeo, 2016. Óleo sobre lino. 49 x 65 x 10 1/2 pulgadas / 124.5 x 165.1 x 26.7 centímetros. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Todas las imágenes de las obras de arte son cortesía del artista y Cheim & Read, Nueva York.

El Reformador Revolucionario

Para mí, hay algo profundamente americano en la obra que creó Gorchov. América es tanto una cosa concreta como un concepto abstracto, que está constantemente desgarrado entre la revolución y la reforma. Cuando desarrolló por primera vez sus estiradores de silla de montar, Gorchov era un artista revolucionario, uno que estaba decidido a subvertir la concepción central de la pintura que ha existido durante siglos: que debe hacerse en superficies planas y rectangulares. De hecho, incluso mientras desarrollaba su primer lienzo curvado, la noción de planitud estaba siendo aclamada una vez más por críticos de arte destacados como Clement Greenberg como el objetivo de la Abstracción Post-Pictórica, la última tendencia en pintura según Greenberg. Sin embargo, después de socavar audazmente los sistemas estructurales de los rectángulos y la planitud, Gorchov se comprometió completamente con su nuevo sistema y lo repitió durante el resto de su carrera, reemplazando lo viejo normal con lo nuevo normal. ¿Qué podría ser más americano que ceder impulsos revolucionarios a la compulsión por la reforma interminable, trabajando dentro de sistemas recién establecidos para crear variaciones infinitamente intrigantes?

PORTRAIT WITH EAST JAMB Ron Gorchov en su estudio de Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Óleo sobre lienzo 77 x 77 x 12 1/2 pulgadas 195.6 x 195.6 x 31.8 centímetros © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Verdaderamente, una vez que ves una pintura de Gorchov, todas las futuras pinturas de Gorchov que encuentres son instantáneamente reconocibles como suyas. Pero esto no es un insulto. Es la misma crítica que se podría hacer a la naturaleza, que también trabaja dentro de sus propios sistemas especiales para crear variaciones infinitas y hermosas. De hecho, en el contexto de su relación con las formas de la naturaleza, siento que Gorchov pertenece mejor a la línea de Hans Arp—otro artista biomórfico, que era parte dadaísta, parte surrealista y parte abstracto, pero que siempre se refería a su arte como concreto. Gorchov creó un cuerpo de trabajo que es tanto cerebral como caprichoso—completamente idiosincrático y, sin embargo, instantáneamente reconocible—y así, al igual que Arp, creo que eso coloca a Gorchov en su propia categoría especial.
Estoy impresionado con cómo Gorchov logró alcanzar su principio orientador original, recordándonos a través de su ejemplo cuán importantes son tanto el pensamiento como el sentimiento para los artistas que desean ser relevantes no solo en su siglo, sino también en el siguiente.

Imagen destacada: RETRATO POR AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Reproducido con permiso.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio