El legado eterno de Jack Whitten
Jack Whitten, célebre pintor abstracto, filósofo social y líder cultural, ha fallecido a los 78 años. En una carrera expositiva que abarcó más de 50 años, Whitten creó un legado artístico basado en el mismo principio por el que vivió: que al cambiar nuestra percepción, podemos crear una cultura más pacífica. En el taller, era conceptualmente riguroso, estéticamente dinámico y un incansable experimentador. La mayoría de los artistas tienen la suerte de desarrollar una única posición visual única a lo largo de su carrera. Whitten desarrolló varias. Su enfoque fue tan innovador y experimental que a menudo provocaba que se le malinterpretara, incluso por sus seguidores. Esa realidad hizo que Whitten fuera poco valorado por el mercado durante la mayor parte de su vida y poco reconocido en la conversación histórica del arte. Pero la mentalidad de los marchantes y compradores de arte finalmente ha comenzado a ponerse al día con Whitten en la última década y media, durante la cual su obra ha aparecido en más de 40 exposiciones. La gente está empezando a apreciar que, a pesar de la variedad de estilos diferentes que Whitten empleó, hay muchos aspectos unificadores en su obra. Por ejemplo, la idea de capas es importante en todo lo que Whitten produjo. También lo es el concepto de percepción. La luz también es importante. Y también el patrón. Estos cuatro elementos se relacionan con lo que Whitten describió vagamente como su “visión del mundo”. Como explicó, “La visión del mundo es una declaración cósmica del ser.” Su visión del mundo era que la luz es lo que nos ayuda a percibir; y la percepción es lo que nos ayuda a reconocer patrones; los patrones son lo que nos lleva a formular nuestras creencias; y nuestras creencias determinan cómo estructuramos la sociedad. Whitten insistía en que el arte puede ser un agente poderoso de cambio, porque aborda nuestra percepción y así puede ayudarnos a crear un mundo más ético y empático.
El arte es nuestra única esperanza
Whitten abrazó por primera vez el potencial transformador del arte en sus primeros 20 años. Lo vio como un método para sobrellevar lo que hasta ese momento había sido, para él, una experiencia horrible del mundo. Describió su crecimiento en el sur de Estados Unidos en términos claros: racismo y violencia constantes dirigidos hacia él y hacia todas las personas de color. Dejó su estado natal, Alabama, en 1960, a los 21 años, y nunca regresó. Se mudó a la ciudad de Nueva York y se inscribió en Cooper Union. Catorce años después, sus obras eran celebradas en una exposición individual en el Museo Whitney de Arte Americano. Muchas de las obras de esa exposición pertenecían a lo que se considera su primera posición visual icónica: sus llamadas pinturas “losas”. Para hacer estas obras, Whitten colocaba sus lienzos en el suelo y empujaba la pintura sobre ellos con una espátula. Tan pronto como una capa de pintura se secaba, aplicaba otra, y así sucesivamente. Construía las capas hasta que la superficie era densa y dimensional. Cada color inferior se muestra al final.
Jack Whitten - Sin título, 1968, Pastel sobre papel, 28.9 × 50.2 cm, créditos fotográficos Allan Stone Projects, Nueva York
Para Whitten, estas pinturas fueron un intento filosófico de abrirse paso hacia una alternativa más allá de su pasado violento. Fueron un intento no tanto de descubrir lo universal, sino más bien de descubrir lo que existe más allá del yo. Creía que la cultura estaba llena de estereotipos, y que este proceso de trabajo, de dejar que todos los diferentes colores y capas asomaran a la composición final abstracta, era una forma de destruir las expectativas en las que se basan esos estereotipos. Sus pinturas “losas” son invitaciones a preguntarse qué está sucediendo; a cuestionar cómo se crea algo; a analizar suposiciones preexistentes; y a pensar en algo distinto a lo conocido. Las veía como un intento directo de confundir el pensamiento rígido. Como dijo una vez, “El arte tiene el poder de derribar barreras erigidas por pensadores fundamentalistas simplistas que intentan mantener el poder. Si los fundamentalistas temen al Rojo, Amarillo y Azul, entonces el Rojo, Negro y Verde, o el Rosa y Lavanda deben darles pesadillas.”
Jack Whitten - exposición individual en Hauser & Wirth, Nueva York, 26 de enero – 8 de abril de 2017, vista de instalación, créditos fotográficos Hauser & Wirth, Nueva York
Sin destino, solo estructura
Tan pronto como Whitten se hizo conocido por sus pinturas “losas”, abandonó esa técnica y comenzó a trabajar en un estilo de collage, usando fragmentos secos de pintura acrílica como azulejos. Usando los azulejos, hizo lo que parecen ser mosaicos. Se dio cuenta de que al no colocar estos fragmentos de pintura planos, reflejaban la luz de manera diferente, añadiendo dimensión y vida a las obras. Esto se convirtió en su siguiente posición visual icónica. La fue desarrollando a lo largo de los años, hasta llegar a una técnica de hacer moldes para sus azulejos de pintura, en lugar de depender de fragmentos de pintura. Llamó a estos azulejos moldeados “listos ahora” y los usó para construir composiciones arquitectónicas que se asemejan a muros de ladrillo. Usó esta técnica para hacer sus pinturas “memoriales”, como 9-11-01, que conmemoraba los ataques al World Trade Center, que presenció desde su apartamento en Tribeca. Pero incluso esta técnica, que resultó ser la más popular entre coleccionistas e instituciones, no fue su destino estético final. Continuó experimentando y evolucionando durante el resto de su vida.
Jack Whitten - exposición individual en Hauser & Wirth, Nueva York, 26 de enero – 8 de abril de 2017, vista de instalación, créditos fotográficos Hauser & Wirth, Nueva York
Existen múltiples clichés para abordar la cuestión metafísica de qué es más importante en la vida: el viaje o el destino. Whitten tenía un dicho favorito, que aprendió de su antiguo marchante Allan Stone. Decía: “No hay destino.” Para Whitten, la vida existía en un continuo—un camino hacia ninguna parte. Lo único que le importaba eran los procesos: procesos de ver; de pensar; de experimentar; de crear. A lo largo de su carrera, se mantuvo fiel a la noción de que siempre había algo nuevo esperando a la vuelta de la esquina. Como un músico de jazz que toca en una determinada tonalidad, se dio estructuras subyacentes: puntos de partida intelectuales basados en filosofías centrales. Y desde ahí, improvisaba. Los patrones, capas y luz que nos dejó para admirar nos ofrecen caminos hacia nuevos sistemas de percepción. Nos muestran un camino hacia algo más profundo e importante que el yo.
Jack Whitten - Monolito Negro, II: Homenaje a Ralph Ellison El Hombre Invisible, 1994, Acrílico, melaza, cobre, sal, carbón, ceniza, chocolate, cebolla, hierbas, óxido, cáscara de huevo, cuchilla de afeitar sobre lienzo, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Imagen destacada: Jack Whitten - Cinco décadas de pintura, galerías Target y Friedman, 13 de septiembre de 2015 - 24 de enero de 2016, organizado por el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
