Las Esculturas Humanas de Jonathan Borofsky
Cuando comenzó su carrera artística en la década de 1960, Jonathan Borofsky aspiraba a encontrar una manera de unificar el Minimalismo con el Arte Pop; fusionar nociones esencialmente abstractas como la pureza y la simplicidad con un lenguaje visual que pudiera tener un atractivo masivo. A lo largo de los años, Borofsky transitó por numerosos cuerpos de obra distintos en busca de este objetivo esquivo. Una idea que persiguió estaba relacionada con los números, que él siente que tienen una especie de poder cuasi-espiritual: conectan personas, lugares y cosas de manera concreta y determinan cada aspecto de los ámbitos físico y metafísico. Durante años, Borofsky anotó su conteo creciente cada día y realizó varias obras que simplemente indicaban el número en el que se encontraba en un momento dado. Firmó otras obras que parecían no tener relación con los números no con su firma, sino con su conteo numérico del día en que la obra fue terminada. Además de su serie numérica, Borofsky creó un cuerpo de obra basado en declaraciones simples, basadas en texto, hechas sobre superficies bidimensionales, como carteles. Otro cuerpo de obra recreó imágenes y objetos que Borofsky vio en sus sueños. Cada uno de estos experimentos tocó de diversas maneras nociones de abstracción y figuración. Cada uno a su manera fue tanto altamente conceptual como absolutamente literal. Sin embargo, ninguno logró verdaderamente aquello que anhelaba: una encarnación del Minimalismo y el Arte Pop que pudiera ser comprendida instantáneamente. Borofsky finalmente alcanzó su meta al centrarse en lo que quizás sea el tema más modesto imaginable: la forma humana. Comenzando con esculturas a pequeña escala para galerías, pasando a instalaciones complejas con cientos de formas humanas, y finalmente expandiéndose al ámbito público, Borofsky ha creado un enorme cuerpo de esculturas humanas. Muchos de los espectadores que encuentran estas esculturas las leen como obras figurativas directas, y sin embargo, en cumplimiento de su ambición, muchos otros también encuentran en ellas cualidades que revelan los amplios y complejos misterios del mundo invisible.
Esencia Material y Pictórica
Una de las maneras más evidentes en que Borofsky unificó los métodos del Minimalismo con los del Arte Pop es dotando a sus esculturas humanas de una esencia material sucinta. Los materiales y procesos son aspectos clave de la ética minimalista. Artistas como Donald Judd valoraban materiales industriales como el metal, el plástico y el concreto por sus cualidades impersonales, que por su naturaleza rechazaban la virtuosidad al disfrazar la “mano del artista.” Los procesos industriales también son preferidos por los artistas minimalistas porque democratizan el arte. En lugar de que una obra sea idolatrada por su rareza, puede ser apreciada por el hecho de que podría reproducirse indefinidamente, un verdadero reflejo de la Era Moderna. Junto con la derrota de la virtuosidad y la rareza, el Minimalismo también defiende la simplicidad, buscando alcanzar la pureza mediante la eliminación de detalles superfluos. Aunque sus esculturas humanas adoptan una amplia variedad de cualidades físicas y visuales, Borofsky siempre se asegura de elegir materiales y procesos industriales y de simplificar sus formas, garantizando que la obra exprese esos tres ideales minimalistas: democracia, abundancia y pureza.
Jonathan Borofsky - Hombre Caminante, 17 metros de altura, estructura interior de acero con cubierta exterior de fibra de vidrio. Instalación permanente, edificio Munich Re, Múnich, Alemania, 1995. © Jonathan Borofsky
Una diferencia esencial entre el Arte Pop y el Minimalismo es que los artistas minimalistas tienden casi exclusivamente a hacer obras no narrativas y no figurativas, mientras que los artistas Pop tienden a hacer justo lo contrario, tomando descaradamente contenido narrativo y figurativo directamente de la cultura popular. De la manera más general posible, la figura humana puede considerarse el ejemplo supremo de materia cultural apropiada. Pero Borofsky no se detiene ahí. Para sus esculturas humanas, busca manifestaciones particulares de la figura humana que se relacionan con la cultura popular de otras maneras, añadiendo capas a la obra que se refieren no solo a la humanidad en general, sino a momentos humanos específicos. Frecuentemente, los elementos más narrativos en la obra revelan los aspectos más ocultos y a veces más cínicos de la naturaleza humana. Por ejemplo, una escultura humana que instaló una vez en Los Ángeles hace referencia a atletas abrazándose después de un partido. Parte de la serie “Molecule Men”, la escultura presenta cientos de agujeros perforados en las formas. Un crítico la interpretó groseramente como un monumento a los tiroteos desde vehículos en movimiento, viendo los agujeros como balazos y asumiendo que el metal oscurecido era una declaración sobre la raza.
Jonathan Borofsky - Torre de Personas. 20 metros de altura, acero pintado. Instalación permanente, Parque Olímpico, Pekín, China, 2008. © Jonathan Borofsky
Todo Sobre las Relaciones
En algunos aspectos con sus esculturas humanas, podría decirse que Borofsky está imitando, o al menos esforzándose por imitar, toda la gama de la potencialidad humana. Incluso cuando destaca un acto humano específico, como con sus esculturas “Hombre Martillando” que muestran a una persona realizando el acto cotidiano del trabajo manual, logra evocar ambos extremos del espectro de la cultura humana. En un sentido material, el “Hombre Martillando” es extremadamente austero. En cuanto a su escala y posibles ramificaciones políticas, sin embargo, es potencialmente ostentoso. Al presentar la combinación de ambos extremos dentro del contenedor de la figura humana, Borofsky invita a los espectadores a especular no solo sobre qué es la escultura, sino sobre qué es para ellos. Esta amplia declaración social hace eco a las palabras de Walt Whitman: “Contengo multitudes.”
Jonathan Borofsky - Hombre Martillando, Museo de Arte de Seattle. © Jonathan Borofsky
Lo más fascinante es cómo los elementos que son más abstractos en las Esculturas Humanas a menudo terminan haciendo lo más para afectar la narrativa pública que evoluciona alrededor de la obra. En el caso de la escultura mencionada anteriormente en Los Ángeles, el color y la forma — dos de los elementos más abstractos de la pieza — se volvieron más importantes que la verdadera historia detrás de la obra. Mientras tanto, otras obras, como las de la serie “Personas Caminando hacia el Cielo”, presentan enormes postes diagonales plateados con pequeñas formas humanas caminando hacia arriba sobre ellos. El tema narrativo es fácilmente reconocible, pero lo que da poder y presencia a la obra son sus fuertes cualidades lineales y su acabado metálico. Estos aspectos definen la relación de la obra con la arquitectura circundante. También definen su relación con los espectadores, al darnos cuenta de que lo que realmente estamos mirando es un reflejo de nosotros mismos. Somos nosotros quienes atravesamos un camino que se describe fácilmente mientras marchamos felices hacia lo desconocido.
Imagen destacada: Jonathan Borofsky - Estructuras Humanas y la Luz de la Conciencia. Jardines y Parque de Esculturas Frederik Meijer - 30 de enero al 10 de mayo de 2009. © Jonathan Borofsky
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
