Cuando Piero Manzoni Hizo Arte Abstracto con Achromes
El 14 de febrero de 2019, Hauser & Wirth Los Ángeles abrirá una exposición centrada en los “Achromes” de Piero Manzoni. Titulada Piero Manzoni: Materiales de Su Tiempo, y comisariada por Rosalia Pasqualino di Marineo, directora de la Fundación Piero Manzoni en Milán, la exposición presenta una rara oportunidad para que el público estadounidense se enfrente a un cuerpo legendario de arte conceptual. Comenzados en 1957, los Achromes fueron fundamentales para exaltar la vanguardia italiana durante el llamado “milagro económico italiano”, un tiempo de reconstrucción después de la Segunda Guerra Mundial cuando la vida diaria y los niveles de vida de los italianos cambiaron más rápido y de manera más dramática que nunca. Fue una época en la que millones de migrantes económicos fluyeron del campo a las ciudades, causando cambios irrevocables en la arquitectura, el flujo de tráfico, los hábitos de alimentación y bebida, y, por supuesto, en las artes y la cultura. Nacido en 1933, Manzoni se consolidó como artista en medio de este tiempo. Su mundo destrozado estaba marcado por el trauma, la incertidumbre y un miedo siempre presente a la guerra nuclear. Su primera exposición, celebrada en 1956, consistió en inquietantes pinturas figurativas de objetos cotidianos reducidos a sombras, ambientadas en fondos de resplandores radiactivos y ardientes. Sin embargo, todo sobre su método cambió en 1957, cuando una exposición de pinturas monocromáticas azules de Yves Klein llegó a Milán. Manzoni vio la exposición como un llamado a las armas. Abandonó su búsqueda de la imagen pintada, dedicándose en cambio a la búsqueda de lo que podría considerarse verdadero arte, o arte que encarnara la originalidad y la intemporalidad de la naturaleza. Sus Achromes fueron un primer paso hacia algo completamente original. Lo llevaron a Manzoni hacia el desarrollo de cada otro cuerpo de trabajo que creó, y lo pusieron en un camino hacia convertirse en uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
La Superficie Incolora
Manzoni había estado creando y exhibiendo obras de arte completamente blancas – lo que ahora llamamos su serie "Achrome" – durante dos años antes de que finalmente se le ocurriera el nombre "Superfici Acrome", o Superficie Incolora, en 1959. Hay ironía en el nombre. Los científicos consideran que la ausencia de color es negrura, no blancura, ya que el color requiere luz para ser percibido, y el negro absorbe toda la luz. Las primeras llamadas Superficies Incoloras que Manzoni hizo fueron creadas simplemente cubriendo hojas de lienzo con gesso blanco, un pigmento blanco tiza que normalmente utilizan los pintores para preparar una superficie para pintar. Al simplemente aplicar gesso a un lienzo y llamarlo terminado, Manzoni superó a Yves Klein, quien había logrado mucho al reducir la pintura a un solo matiz, pero aún dejaba espacio para la simplificación.
Piero Manzoni - Achrome, 1961. Fibra sintética. 42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 in. Museo de Arte Contemporáneo de Herning (HEART). Foto: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milán.
Sin embargo, incluso después de eliminar por completo el matiz, Manzoni descubrió que la marca de su mano seguía siendo visible en la obra, ya que había aplicado el yeso a la superficie. Anhelaba algo irreproducible, verdaderamente original, lo que significaba que tenía que sacarse a sí mismo de la obra y dejar que la naturaleza se expresara libre de su interferencia. Para sus próximos Achromes, vertió caolín líquido, una sustancia blanca similar a la arcilla, sobre hojas de lienzo crudo y luego dejó que el peso del medio manipulase la superficie a su antojo. Con el tiempo, el medio hizo que la superficie se plegara y deformara de maneras similares al lecho de un río desgastado por el agua o las crestas barridas por el viento de un desierto arenoso. Pero incluso esta intervención parecía demasiado para Manzoni. En su búsqueda de un Achrome que ocultara completamente la evidencia de su presencia, cubrió panecillos con caolín, recubrió hojas de poliestireno con pintura fosforescente y cosió secciones de lienzo blanco juntas en una cuadrícula. Sus intentos más exitosos fueron quizás los Achromes que utilizaron materiales que ya eran blancos, como algodón, fibra de vidrio y piel de conejo. Para esos, simplemente organizó composiciones y luego dejó que el material hablara por sí mismo.
Piero Manzoni - Achrome, 1961. Algodón cuadrado y cloruro de cobalto. 56.2 x 47.2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 in. Museo de Arte Contemporáneo de Herning (HEART). Foto: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milán.
Verdaderamente cierto
Lo que Manzoni esperaba lograr con sus “Superfici Acrome” era algo que era verdaderamente verdadero: la expresión artística de la tautología – algo tan original que continúa expresando su verdad inherente de manera redundante para siempre, independientemente de cómo reaccione cualquiera a ello. La gravedad es tautológica, al igual que el paso del tiempo. Es innegable, auténtica y completamente única. Algunos artistas piensan que la creación de arte tautológico es un objetivo fútil e imposible. Creen que tan pronto como una idea humana se manifiesta en el mundo físico, revela su artificialidad, convirtiéndose en una parodia de la naturaleza y la verdad en lugar de ser un representante de ella. Sin embargo, Manzoni no era tan cínico. Creía que era posible crear obras de arte inimitables, y además de sus Achromes, se esforzó por alcanzar este objetivo con varios otros cuerpos de trabajo.
Piero Manzoni - Achrome, c. 1960. Algodón. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 in. Cortesía de la Fondazione Piero Manzoni, Milán y Hauser & Wirth. Foto: Genevieve Hanson. © Fondazione Piero Manzoni, Milán
En una serie llamada “Fiato d'Artista” (Aliento de un Artista), vendió globos que podían ser inflados por el comprador o inflados por el artista, con el precio aumentando en consecuencia en el segundo caso. El aliento atrapado dentro de cada globo era irreproducible, y el tamaño y la forma exactos de cada globo eran únicos. Lo mejor de todo es que estas obras se desvanecían con el tiempo, liberando eventualmente su preciada mercancía a través de un proceso natural de autodestrucción. En otra serie llamada “Consumo de Arte por el Público Devora-Arte”, Manzoni imprimió su propia huella dactilar en huevos que luego invitó a los espectadores a consumir con él. Para sus “Sculture viventi” (Esculturas Vivas), reclutó seres humanos para permitirle firmar sus cuerpos. Y en el caso de su serie más infame, “Merda d’Artista” (Caca de Artista), Manzoni secó y empaquetó 90 latas de su propio excremento y luego las vendió por el precio actual del oro. Sin embargo, quizás lo más cercano que Manzoni estuvo de lograr su objetivo de inimitabilidad fue cuando creó el “Socle du Monde” (Pedestal del Mundo), un pedestal invertido situado en un campo en Dinamarca. Al presentar el mundo entero como una obra de arte, esta pieza sugiere que solo al aceptar la autoridad final de la naturaleza un artista puede expresar verdaderamente su verdad.
Piero Manzoni Materiales de Su Tiempo estará en exhibición en Hauser & Wirth Los Ángeles del 14 de febrero al 7 de abril de 2019.
Imagen destacada: Piero Manzoni - Achrome, 1961. Paja, polvo reflectante y caolín, base de madera quemada. 68.3 x 45.8 x 44.5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 in. Museo de Arte Contemporáneo de Herning (HEART). Foto: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milán.
Por Phillip Barcio
