Las Esculturas Humanas de Jonathan Borofsky

Cuando comenzó su carrera artística en la década de 1960, Jonathan Borofsky aspiraba a encontrar una manera de unificar el Minimalismo con el Arte Pop; fusionar nociones esencialmente abstractas como la pureza y la simplicidad con un lenguaje visual que pudiera tener un atractivo masivo. A lo largo de los años, Borofsky transitó por numerosos cuerpos de trabajo distintos en busca de este elusivo objetivo. Una idea que persiguió estaba relacionada con los números, que siente que tienen una especie de poder cuasi-espiritual: conectan personas, lugares y cosas de maneras concretas y determinan cada aspecto de los reinos físico y metafísico. Durante años, Borofsky anotó su creciente conteo cada día e hizo varias obras de arte que simplemente indicaban el número en el que se encontraba en un momento dado. Firmó otras obras de arte que parecían no estar relacionadas con los números no con su firma, sino con su conteo numérico del día en que se terminó la obra. Además de su serie de números, Borofsky creó un cuerpo de trabajo basado en declaraciones simples y textuales hechas en superficies bidimensionales, como letreros. Otro cuerpo de trabajo recreó imágenes y objetos que Borofsky vio en sus sueños. Cada uno de estos experimentos tocó diversas nociones de abstracción y figuración. Cada uno a su manera fue tanto altamente conceptual como absolutamente literal. Sin embargo, ninguno logró verdaderamente aquello que anhelaba: una encarnación del Minimalismo y el Arte Pop que pudiera ser comprendida instantáneamente. Borofsky finalmente logró su objetivo al centrarse en lo que quizás es el tema más modesto imaginable: la forma humana. Comenzando con esculturas de pequeña escala para galerías, pasando a instalaciones complejas que presentan cientos de formas humanas, y finalmente expandiéndose al ámbito público, Borofsky ha creado un enorme cuerpo de esculturas humanas. Muchos de los espectadores que se encuentran con estas esculturas las leen como obras figurativas directas, y sin embargo, en cumplimiento de su ambición, muchos otros también encuentran en ellas cualidades que revelan los amplios y complejos misterios del mundo no visto.

Esencia Material y Pictórica

Una de las formas más obvias en que Borofsky unificó los métodos del Minimalismo con los del Arte Pop es dotando a sus esculturas humanas de una esencia material sucinta. Los materiales y los procesos son aspectos clave de la ética minimalista. Artistas como Donald Judd valoraban materiales industriales como el metal, el plástico y el concreto por sus cualidades impersonales, que por su naturaleza rechazaban la virtuosidad al disfrazar la "mano del artista". Los procesos industriales también son preferidos por los artistas minimalistas porque democratizan el arte. En lugar de que una obra de arte sea idolatrada por su rareza, puede ser apreciada por el hecho de que podría ser reproducida indefinidamente, un verdadero reflejo de la Era Moderna. Junto con la derrota de la virtuosidad y la rareza, el Minimalismo también aboga por la simplicidad, buscando alcanzar la pureza a través de la eliminación de detalles superfluos. Aunque sus esculturas humanas adoptan una amplia variedad de cualidades físicas y visuales, Borofsky siempre se preocupa por elegir materiales y procesos industriales y por simplificar sus formas, asegurando que la obra exprese esos tres ideales minimalistas: democracia, abundancia y pureza.

Jonathan Borofsky - Hombre Caminando, 17 metros de altura, estructura interna de acero con revestimiento exterior de fibra de vidrio. Instalación permanente, edificio de Munich Re, Múnich, Alemania, 1995. © Jonathan Borofsky

Una diferencia esencial entre el Pop Art y el Minimalismo es que los artistas minimalistas tienden casi exclusivamente a hacer obras no narrativas y no figurativas, mientras que los artistas pop tienden a hacer justo lo contrario, tomando descaradamente contenido narrativo y figurativo directamente de la cultura popular. De la manera más general posible, la figura humana puede considerarse el ejemplo definitivo de materia temática cultural apropiada. Pero Borofsky no se detiene ahí. Para sus esculturas humanas, busca manifestaciones particulares de la figura humana que se relacionen con la cultura popular de otras maneras, añadiendo capas a la obra que se relacionan no solo con la humanidad en general, sino con momentos humanos específicos. Frecuentemente, los elementos más narrativos en la obra revelan los aspectos más ocultos, y a veces más cínicos, de la naturaleza humana. Por ejemplo, una escultura humana que instaló una vez en Los Ángeles hace referencia a atletas abrazándose después de un juego. Parte de la serie "Molecule Men", la escultura presenta cientos de agujeros perforados a través de las formas. Un crítico la interpretó groseramente como un monumento a los tiroteos desde vehículos, viendo los agujeros como agujeros de bala y asumiendo que el metal oscurecido era una declaración sobre la raza.

Jonathan Borofsky - Torre de Personas. 20 metros de altura, acero pintado. Instalación permanente, Parque Olímpico, Pekín, China, 2008. © Jonathan Borofsky

Todo sobre las relaciones

En algunos aspectos, con sus esculturas humanas, se podría decir que Borofsky está imitando, o al menos esforzándose por imitar, toda la gama de la potencialidad humana. Incluso cuando destaca un acto humano específico, como con sus esculturas de "Hombre Martillo" que muestran a una persona involucrada en el acto cotidiano del trabajo manual, logra evocar ambos extremos del espectro de la cultura humana. En un sentido material, el "Hombre Martillo" es extremadamente austero. Sin embargo, en términos de su escala y posibles ramificaciones políticas, es potencialmente ostentoso. Al presentar la combinación de ambos extremos dentro del contenedor de la figura humana, Borofsky invita a los espectadores a especular no solo sobre lo que es la escultura, sino sobre lo que es para ellos. Esta amplia declaración social resuena con las palabras de Walt Whitman: "Contengo multitudes."

Jonathan Borofsky - Hombre Martillo, Museo de Arte de Seattle. © Jonathan Borofsky

Lo más fascinante es cómo los elementos que son más abstractos en las Esculturas Humanas a menudo terminan haciendo más para afectar la narrativa pública que evoluciona en torno a la obra. En el caso de la escultura de Los Ángeles mencionada anteriormente, el color y la forma – dos de los elementos más abstractos de la pieza – se volvieron más importantes que la verdadera historia detrás de la obra. Mientras tanto, otras obras, como las de la serie “Personas Caminando hacia el Cielo”, presentan enormes postes diagonales plateados con pequeñas formas humanas caminando hacia arriba sobre ellos. El tema narrativo es fácilmente relacionable, pero lo que le da a la obra su poder y presencia son sus fuertes cualidades lineales y su acabado metálico. Estos aspectos definen la relación de la obra con la arquitectura circundante. También definen su relación con los espectadores, ya que nos damos cuenta de que lo que realmente estamos mirando es un reflejo de nosotros mismos. Somos nosotros quienes atravesamos un terreno que se describe fácilmente mientras marchamos felices hacia lo desconocido.

Imagen destacada: Jonathan Borofsky - Estructuras Humanas y la Luz de la Conciencia. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 de enero - 10 de mayo de 2009. © Jonathan Borofsky
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio