En la Galería Yossi Milo, una exposición colectiva de artistas que pintan con luz.

El 17 de enero de 2019, la Yossi Milo Gallery en Nueva York abrirá una exposición colectiva que examina el estado contemporáneo de la Fotografía Concreta. Titulada Pintando con Luz, la exposición incluirá obras de más de 25 artistas que evitan las estrategias fotográficas tradicionales en favor de métodos abstractos, conceptuales o experimentales de movilizar la luz para alterar una superficie. Aunque el término se acuñó solo en la década de 1960, la idea de la Fotografía Concreta ha existido durante más de un siglo. Es diferente en la mayoría de los aspectos de la fotografía documental, e incluso de muchos tipos de fotografía abstracta. El propósito de la mayoría de la fotografía documental es registrar un momento fugaz en el tiempo, capturando una imagen parcial de la realidad a medida que pasa frente a un objetivo de cámara. La fotografía abstracta también podría documentar la realidad, pero en lugar de intentar capturar imágenes reconocibles del mundo o contar una historia narrativa, la intención detrás de una fotografía abstracta podría ser expresar elementos formales como línea, tono, forma, color o forma de manera simbólica o puramente plástica. Lo que distingue a la Fotografía Concreta es también la intención del artista, así como la forma en que se emplean los materiales, herramientas y técnicas de la fotografía. La Fotografía Concreta elimina la noción de "tomar una foto" y la reemplaza con la idea de utilizar la luz para "hacer una foto" en una superficie sensible a la luz, o de permitir que una composición visual surja a través de alguna combinación de luz, una superficie, una cámara, productos químicos u otros materiales. Las Fotografías Concretas podrían considerarse puras en el sentido de que su misión no es hacer referencia a algo más, sino permitir que algo autorreferencial surja. Aquí examinamos los métodos de siete de los artistas presentados en Pintando con Luz: Richard Caldicott, Gottfried Jäger, Luuk de Haan, Jessica Eaton, Tenesh Webber, Sheree Hovsepian y Alison Rossiter. Cada uno de estos artistas posee un método único y se esfuerza por alcanzar un objetivo idiosincrático. Y, sin embargo, cada uno también sigue un hilo conceptual similar: la creencia de que una fotografía no necesita ser un registro de nada más que de su propia existencia, o de los materiales y procesos de su propia creación.

Richard Caldicott

Richard Caldicott a veces utiliza una cámara analógica como parte de su proceso, pero sus fotogramas y fotografías no están fundamentados en la intención de documentar. En cambio, Caldicott construye meticulosamente composiciones que son mínimas, coloridas, geométricas y autorreferenciales. En una de sus series, por ejemplo, crea una impresión de fotograma a partir de un negativo de papel recortado y luego exhibe la impresión y el negativo uno al lado del otro en un díptico, planteando preguntas sobre la naturaleza del objeto y el sujeto en la fotografía, y criticando de manera caprichosa dónde podrían estar los puntos de inicio y final del proceso fotográfico.

Richard Caldicott - Sin título 110/5, 1999. C-Print. 35.5 x 27.9 cm

Gottfried Jäger

El padre de la "Fotografía Generativa", Gottfried Jäger es considerado uno de los pioneros más importantes de la Fotografía Concreta. Jäger aborda la creación de una fotografía no desde la perspectiva de representar formas del mundo natural, sino más bien desde el punto de partida de un sistema matemático que él elabora, el cual determina la evolución de la imagen. A pesar de su rechazo a la imaginería natural, sus Fotografías Generativas revelan sistemas fantásticos y complejos que, no obstante, evocan los aspectos más esenciales subyacentes del universo físico.

Luuk de Haan

En un giro conceptual de las tendencias contemporáneas, Luuk de Haan comienza su proceso en una computadora y lo termina con una cámara. Crea una composición mínima y geométrica utilizando software digital y luego fotografía la imagen directamente de la pantalla de la computadora. Al alterar las condiciones de iluminación bajo las cuales se toma la fotografía, y al realizar movimientos gestuales con la cámara, logra resultados inesperados que dan una sensación de dinamismo a sus composiciones.

Luuk De Haan - dos cuadrados puenteados 1, 2013. Único. Tinta Ultrachrome HD sobre papel Hahnemühle. 42 x 57.8 cm

Jessica Eaton

Utilizando una cámara de gran formato tradicional, Jessica Eaton emplea técnicas como el desenfoque de movimiento y las exposiciones múltiples para construir composiciones ultra-luminosas que a menudo hacen referencia a los lenguajes visuales de la historia del arte modernista. Ella utiliza el proceso fotográfico en sí para desafiar su papel como indexador. En lugar de contemplar el tema de sus fotografías o los métodos utilizados en su creación, sus impresiones invitan a los espectadores a un reino visual conceptual y trascendental.

Tenesh Webber

Para crear sus fotografías sin cámara, Tenesh Webber superpone hilo, papel, objetos hechos a mano y hojas de vidrio marcadas sobre papel fotosensible, que luego expone a la luz en un cuarto oscuro. Los fotogramas resultantes registran una imagen negativa de los materiales físicos utilizados en su creación. La imagen final va más allá de ser un registro de materiales y procesos. Patrones, líneas, formas y vacíos conspiran para crear una sensación de profundidad y complejidad, evocando pensamientos sobre la vastedad de los mundos físico y conceptual.

Tenesh Webber -Shift, 2004. Fotografía en blanco y negro. 20.5 x 20.5 cm

Sheree Hovsepian

En lugar de otorgar agencia a la idea de que una fotografía puede contar una historia completa, Sheree Hovsepian destaca el hecho de que incluso la fotografía más realista solo revela fragmentos de verdad. Sus fotogramas se crean exponiendo selectivamente áreas de papel sensible a la luz. A veces exhibe la imagen resultante por sí sola, y otras veces utiliza la impresión en gelatina de plata como un solo elemento en un ensamblaje más grande, que también podría incluir una variedad de materiales como nylon, alfileres, clavos, cuerda, madera, cinta o objetos encontrados.

Alison Rossiter

En algunos aspectos, Allison Rossiter podría describirse más como una buscadora de imágenes que como una creadora de ellas. Desde 2007, Rossiter ha estado recolectando rollos de película sin usar que han caducado, que en algunos casos datan de hace casi un siglo. Ella imprime la película no expuesta, permitiendo que los elementos pictóricos se manifiesten a medida que las devastaciones del tiempo se expresan en el papel. Las imágenes inquietantes y dramáticas que emergen de este proceso podrían verse como una colaboración entre el fabricante de la película, quienquiera que la almacenara y manejara a lo largo de las décadas, y Rossiter, quien toma las decisiones estéticas y técnicas sobre cuándo y cómo se crea la imagen final.

Pintura con Luz estará en exhibición del 17 de enero al 23 de febrero de 2019 en la Galería Yossi Milo, 245 Avenida Décima, en el vecindario Chelsea de Nueva York.

Imagen destacada: Liz Nielsen - Stone Arch Toro, 2018, Fotograma cromogénico analógico, Único, en Fujiflex, 30 x 40. © Liz Nielsen. Cortesía de Danziger Gallery, Nueva York.
Por Phillip Barcio