En la Galería Yossi Milo, una exposición colectiva de artistas que pintan con luz.

El 17 de enero de 2019, la Galería Yossi Milo en Nueva York inaugurará una exposición colectiva que examina el estado contemporáneo de la Fotografía Concreta. Titulada Pintando con Luz, la exposición incluirá obras de más de 25 artistas que rechazan las estrategias fotográficas tradicionales en favor de métodos abstractos, conceptuales o experimentales para movilizar la luz y alterar una superficie. Aunque el término fue acuñado solo en la década de 1960, la idea de la Fotografía Concreta existe desde hace más de un siglo. Es diferente en la mayoría de los aspectos de la fotografía documental, e incluso de muchos tipos de fotografía abstracta. El propósito de la mayoría de la fotografía documental es registrar un momento fugaz en el tiempo, capturando una imagen parcial de la realidad mientras pasa frente al objetivo de una cámara. La fotografía abstracta también puede documentar la realidad, pero en lugar de intentar capturar imágenes reconocibles del mundo o contar una historia narrativa, la intención detrás de una fotografía abstracta puede ser expresar elementos formales como línea, tono, forma, color o figura de manera simbólica o puramente plástica. Lo que distingue a la Fotografía Concreta es también la intención del artista, así como la forma en que se emplean los materiales, herramientas y técnicas de la fotografía. La Fotografía Concreta elimina la noción de “tomar una foto” y la reemplaza con la idea de utilizar la luz para “hacer una imagen” sobre una superficie fotosensible, o para permitir que una composición visual surja mediante alguna combinación de luz, una superficie, una cámara, productos químicos u otros materiales. Las fotografías concretas podrían considerarse puras en el sentido de que su misión no es referirse a otra cosa, sino permitir que algo autorreferencial llegue a existir. Aquí examinamos los métodos de siete de los artistas presentados en Pintando con Luz: Richard Caldicott, Gottfried Jäger, Luuk de Haan, Jessica Eaton, Tenesh Webber, Sheree Hovsepian y Alison Rossiter. Cada uno de estos artistas posee un método único y persigue un objetivo idiosincrático. Y sin embargo, todos siguen un hilo conceptual similar: la creencia de que una fotografía no necesita ser un registro de nada más que su propia existencia, o de los materiales y procesos de su propia creación.

Richard Caldicott

Richard Caldicott a veces usa una cámara analógica como parte de su proceso, pero sus fotogramas y fotografías no se basan en la intención de documentar. En cambio, Caldicott construye meticulosamente composiciones que son mínimas, coloridas, geométricas y autorreferenciales. En una de sus series, por ejemplo, crea una impresión fotograma a partir de un negativo recortado en papel y luego exhibe la impresión y el negativo lado a lado en un díptico, planteando preguntas sobre la naturaleza del objeto y el sujeto en la fotografía, y criticando de manera juguetona dónde podrían estar los puntos de inicio y fin del proceso fotográfico.

Richard Caldicott - Sin título 110/5, 1999. C-Print. 35.5 x 27.9 cm

Gottfried Jäger

El padre de la “Fotografía Generativa,” Gottfried Jäger es considerado uno de los pioneros más importantes de la Fotografía Concreta. Jäger aborda la creación de una fotografía no desde la perspectiva de representar formas del mundo natural, sino desde el punto de partida de un sistema matemático que él diseña, el cual determina la evolución de la imagen. A pesar de su rechazo a la imagen natural, sus Fotografías Generativas revelan sistemas fantásticos y complejos que, sin embargo, evocan los aspectos más esenciales y subyacentes del universo físico.

Luuk de Haan

En un giro conceptual de las tendencias contemporáneas, Luuk de Haan comienza su proceso en una computadora y lo termina con una cámara. Crea una composición mínima y geométrica usando un programa digital y luego fotografía la imagen directamente desde la pantalla de la computadora. Al alterar las condiciones de iluminación bajo las cuales se toma la fotografía y al realizar movimientos gestuales con la cámara, logra resultados inesperados que dan una sensación de dinamismo a sus composiciones.

Luuk De Haan - dos cuadrados unidos 1, 2013. Única. Tinta Ultrachrome HD sobre papel hahnemuhle. 42 x 57.8 cm

Jessica Eaton

Usando una cámara tradicional de gran formato, Jessica Eaton emplea técnicas como el desenfoque por movimiento y exposiciones múltiples para construir composiciones ultra luminosas que a menudo hacen referencia a los lenguajes visuales de la historia del arte modernista. Utiliza el proceso fotográfico mismo para desafiar su papel como índice. En lugar de contemplar el tema de sus fotografías o los métodos usados en su creación, sus impresiones invitan a los espectadores a un reino visual trascendente y conceptual.

Tenesh Webber

Para crear sus fotografías sin cámara, Tenesh Webber superpone hilo, papel, objetos hechos a mano y hojas marcadas de vidrio sobre papel fotosensible, que luego expone a la luz en un cuarto oscuro. Los fotogramas resultantes registran una imagen negativa de los materiales físicos usados en su creación. La imagen final va más allá de ser un registro de materiales y procesos. Patrones, líneas, formas y vacíos conspiran para crear una sensación de profundidad y complejidad, evocando pensamientos sobre la vastedad de los mundos físico y conceptual.

Tenesh Webber - Cambio, 2004. Fotografía en blanco y negro. 20.5 x 20.5 cm

Sheree Hovsepian

En lugar de otorgar protagonismo a la idea de que una fotografía puede contar una historia completa, Sheree Hovsepian destaca el hecho de que incluso la fotografía más realista solo revela fragmentos de verdad. Sus fotogramas se crean exponiendo selectivamente áreas de papel fotosensible a la luz. A veces exhibe la imagen resultante por sí sola, y otras veces usa la impresión en gelatina de plata como un solo elemento en un ensamblaje mayor, que también puede incluir una variedad de materiales como nailon, alfileres, clavos, cuerda, madera, cinta o objetos encontrados.

Alison Rossiter

En algunos aspectos, Alison Rossiter podría describirse más como una halladora de imágenes que como una creadora de ellas. Desde 2007, Rossiter ha estado coleccionando rollos caducados de película sin usar que en algunos casos datan de casi un siglo atrás. Imprime la película no expuesta, permitiendo que los elementos pictóricos se manifiesten a medida que el paso del tiempo se expresa en el papel. Las imágenes inquietantes y dramáticas que emergen de este proceso podrían verse como una colaboración entre el fabricante de la película, quienes la almacenaron y manipularon durante las décadas, y Rossiter, quien toma las decisiones estéticas y técnicas sobre cuándo y cómo la imagen final llega a existir.

Pintando con Luz estará en exhibición desde el 17 de enero hasta el 23 de febrero de 2019 en la Galería Yossi Milo, 245 Tenth Avenue, en el barrio Chelsea de Nueva York.

Imagen destacada: Liz Nielsen - Stone Arch Toro, 2018, Fotograma cromogénico analógico, único, sobre Fujiflex, 30 x 40. © Liz Nielsen. Cortesía de Danziger Gallery, Nueva York
Por Phillip Barcio