La historia detrás de la Composición VII de Wassily Kandinsky

“Composición VII” (1913) de Wassily Kandinsky es considerada por muchos aficionados al arte abstracto como la pintura más importante del siglo XX—quizás incluso la pintura abstracta más importante jamás creada. Sin embargo, con frecuencia cuando alguien la ve por primera vez reacciona negativamente, expresando enojo, frustración o incluso disgusto. Indudablemente, es una pintura difícil, especialmente para quienes son nuevos en el arte abstracto. En primer lugar, es enorme, midiendo 200 x 300 centímetros. En segundo lugar, la superficie está completamente cubierta con innumerables formas amorfas superpuestas, líneas aparentemente aleatorias y un campo minado de colores, algunos vivos y otros difuminados. Nada hace referencia al mundo natural conocido. Solo es perceptible la ilusión de profundidad, pero el espacio hacia el que se adentra no tiene parecido con la realidad. La pintura podría parecer un sinsentido para cualquiera que no esté dispuesto a trabajar para desentrañar sus misterios. Pero para quienes estén dispuestos a estudiarla con mente abierta, “Composición VII” puede ofrecer suficientes dividendos intelectuales, visuales e incluso espirituales para toda la vida. Y no estoy siendo hiperbólico. Esta pintura realmente es tan importante para algunas personas—no solo por sus cualidades visuales, físicas o formales, sino porque para Kandinsky y quienes lo aprecian, “Composición VII” ha llegado a entenderse como una encarnación concreta de la pureza espiritual en el arte.

Escalera hacia el Siete

Entre los años 1910 y 1939, Kandinsky pintó 10 lienzos a los que asignó el título “Composición.” Hoy en día, solo sobreviven siete de esas pinturas, ya que las primeras tres fueron destruidas durante la Primera Guerra Mundial. Pero existen fotografías de las primeras tres Composiciones. Aunque carecen de información de color, podemos deducir de ellas algunas pistas sobre la esencia del viaje visual en el que Kandinsky estaba mientras creaba cada una. Ese viaje inicialmente implicó transformar paisajes y figuras tradicionales en masas biomórficas simplificadas, y luego inducir que esas masas tomaran formas cada vez más abstractas. En “Composición III,” por ejemplo, las formas de humanos y animales aún son reconocibles, moviéndose, quizás jugando o quizás peleando, o ambas cosas, en una especie de entorno pastoral. Pero luego en “Composición IV” (1911), las formas son casi irreconocibles. Kandinsky nos dice que en esta imagen hay figuras recostadas en la parte inferior derecha, y dos torres en la cima de una colina en la parte superior derecha, una escena que describe como guerra y paz simultáneas. Pero para mí sería difícil llegar a esta conclusión sin su explicación.

Wassily Kandinski - Composición VI, 1913. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Museo Estatal del Hermitage

“Composición V” (1911) es aún más abstracta, y sin embargo la emoción que expresa también se siente más intensa que en las Composiciones anteriores. En esta pintura, las formas todavía se relacionan algo con el mundo natural, ya que figuras ligeramente humanoides y rasgos cuasi-naturales, aunque simplificados, están dispersos por toda la imagen. Casi totalmente abstracta, sin embargo, es “Composición VI,” que Kandinsky pintó dos años después de “Composición V.” Su característica más prominente son sus líneas, como las seis líneas paralelas en el centro de la imagen que se asemejan al mástil de una guitarra. Lo que esta pintura representa, según Kandinsky, es “el Diluvio,” es decir, la historia bíblica de Noé. Intentó destilar las esencias emocionales, psicológicas y espirituales de la historia—destrucción y creación; miedo y esperanza—en una exploración visual del equilibrio y la armonía. Sobre “Composición VI” escribió: “el motivo original de la pintura (el Diluvio) se disolvió y se trasladó a la existencia interna, puramente pictórica, independiente y objetiva.” No obstante, la pintura aún incluye claramente algunos elementos figurativos, que vinculan su lenguaje visual con el mundo externo.

Una Expresión del Sentimiento Interior

“Composición VII” se considera tan importante porque es la primera vez que Kandinsky sintió que logró el ideal para el cual fue nombrada su serie Composición. En los últimos párrafos del último capítulo de su libro seminal, Sobre lo espiritual en el arte, que Kandinsky publicó en 1910, describe tres tipos diferentes de inspiración artística. El primero, que llama “impresión,” lo describe como una impresión artística directa de la naturaleza exterior. El segundo, que llama “improvisación,” lo describe como “expresión inconsciente y espontánea,” similar a la práctica surrealista posterior del dibujo automático. El tercero, que llama “composición,” lo describe como “una expresión de un sentimiento interior formado lentamente, que se manifiesta solo después de una larga maduración.” Cuando se trata de “Composición VII,” la frase “larga maduración” es clave. Cuando pintó “Composición VII,” Kandinsky vivía en Múnich. Basándonos en el registro histórico que mantuvo en ese momento, sabemos que planeó “Composición VII” durante meses, creando más de 30 bocetos preliminares en varios medios. Cada boceto preliminar avanza hacia una imagen completamente desprovista tanto de “impresión” como de “improvisación.”

Wassily Kandinski - Composición VII, 1913. Óleo sobre lienzo. 79 x 119 in (200.6 x 302.2 cm). Galería Tretyakov

Poco después de terminar este hito, Kandinsky se vio obligado por el estallido de la Primera Guerra Mundial a regresar a Rusia. Deprimido por la guerra, apenas pintó durante años. Pasaron 10 años antes de que retomara su serie Composición. “Composición VIII” (1923) traduce la imaginería abstracta de su predecesora a un lenguaje visual puramente geométrico. “Composición IX,” que no se completó hasta 1936, no es puramente abstracta, pero reintroduce la idea de “impresión” añadiendo formas florales y otras imágenes naturales. “Composición X” (1939), que se completó cinco años antes de la muerte de Kandinsky, es altamente simbólica y también sorprendentemente moderna, incluso hoy. Sin embargo, aunque cada una de estas Composiciones posteriores, y cada una de las seis que la precedieron, podría considerarse visionaria, lo que hace que “Composición VII” destaque es el hecho de que al lograr una abstracción reflexiva, metódica, madura y total, cumple el ideal supremo que Kandinsky intentaba alcanzar, no solo con esta serie sino con todas sus obras del siglo XX. Es la primera vez que Kandinsky logra con la pintura lo que creía que los músicos lograban con la música: una traducción pura de sentimientos en elementos formales abstractos capaces de expresar el espíritu humano.

Imagen destacada: Wassily Kandinski - Composición V, 1911. Óleo sobre lienzo. 74.8 x 108.2 in (190 x 275 cm). Colección privada.
Todas las imágenes vía Wikimedia Commons.
Por Phillip Barcio