¿Por qué el arte de Georg Baselitz es esencialmente abstracto?

El arte de Georg Baselitz ha sido calificado de impactante, controvertido y grotesco. También se lo ha llamado épico, y una de las expresiones artísticas alemanas más influyentes a nivel internacional de los últimos 50 años. Sus pinturas, esculturas y grabados casi siempre contienen imágenes reconocibles del mundo objetivo, por ambiguas que puedan ser. Y, más a menudo que no, hacen referencia explícita a algún asunto político, histórico o social. No obstante, a pesar de su naturaleza declarativa y a menudo directa, consideramos que el arte de Georg Baselitz es fundamentalmente abstracto. Para nosotros, hay claramente mucho más en su obra que su tema. Incluso Baselitz parece no saber exactamente hasta dónde llegan sus capas. Sus obras parecen estar ya en el proceso de preguntarse qué son incluso antes de que tengamos la oportunidad de preguntárnoslo. Para nosotros son más que imágenes. Son los últimos registros vivos de una lucha continua entre el pasado y el presente, el significado y la nada, el artista y el arte.

El talento es irrelevante

Georg Baselitz se ha descrito a sí mismo como alguien fundamentalmente difícil de encasillar. “No se lo pongo fácil a la gente”, ha dicho. “La identificación es difícil. Uno no reconoce mi arte de inmediato”. A lo largo de sus cinco décadas de carrera, Baselitz ha evolucionado a través de numerosos estilos diferentes y ha explorado diversas técnicas. Incluso ha introducido recientemente lo que llama remixes: versiones actualizadas y reelaboradas rápidamente de sus propias obras clásicas. Pero una palabra describe adecuadamente toda su obra, independientemente de su medio o de su momento: brutal. Jean-Michel Basquiat, contemporáneo de Baselitz durante un tiempo, denunció en una ocasión a los críticos de su propio estilo brutal diciendo: “Lo creas o no, en realidad sé dibujar”. En el caso de Baselitz, la naturaleza brutal de su obra nos hace preguntarnos: ¿también sabe dibujar? Y, en cualquier caso, ¿acaso quiere hacerlo?

Muchas personas consideran sexista a Baselitz porque suele decir que las mujeres son las peores pintoras, ya que se preocupan demasiado por el virtuosismo y no lo suficiente por cosas como la ambición, la rebeldía y la agresividad. ¿Es acaso un virtuoso secreto que simplemente elige crear imágenes ambiciosas, rebeldes y agresivamente toscas porque eso lo convierte en un pintor mejor? Es posible. Pero cuando Baselitz estudiaba en la escuela de arte, fue expulsado durante su primer año por ser “social y políticamente inmaduro”. Tal vez su estilo brutal sea una necesidad. Tal vez no sea el sexismo lo que lo lleva a hacer esas acusaciones sobre las mujeres. Tal vez sea simplemente el error que cometen muchas personas exitosas al creer que, como tienen éxito, también deben ser sabias.

Georg Baselitz con sus esculturas Dresdener Frauen (Mujeres de Dresde), 1990. Madera tallada con motosierra. © Georg Baselitz

La imagen no es nada

Pero incluso si su estilo brutal se debe a la necesidad y no a la elección, aún podemos ver en él la firma abstracta de un artista que busca una expresión verdadera. Una de las obras que primero llevó a Baselitz a la atención del público fue una pintura titulada Die grosse Nacht im Eimer o La gran noche por el desagüe. Representa la diminuta figura deformada, con el torso desnudo y aspecto infantil, de un hombre que permanece estúpidamente de pie, con los pantalones desabrochados y blandiendo su enorme falo. Las autoridades soviéticas de Alemania Oriental confiscaron la pintura por obscena cuando se exhibió por primera vez, y muchas personas han dicho que evoca la imagen de Adolph Hitler.

Pero La gran noche por el desagüe también ha sido considerada un autorretrato. Para algunos, incluso se parece a un muñeco de Pinocho con la nariz arrancada y metida en los pantalones, quizá una referencia caprichosa a la clásica mentira masculina. Sea cual sea el verdadero significado, las elecciones cromáticas son oscuras y salvajes, sus marcas están vivas, sus decisiones compositivas son juguetonas y la figura resulta a la vez amenazante y grotesca. Todos estos elementos hablan de ambiciones existenciales y sugieren que, al interactuar con la obra, deberíamos guiarnos más por esos sentimientos que por el tema.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Óleo sobre lienzo. Museum Ludwig, Colonia, Alemania (derecha) y un remix de esta pintura de 2005 (derecha) © 2019 Georg Baselitz

Los héroes son monstruos

A mediados de la década de 1960, Baselitz viajó a Florencia y estudió las pinturas de los artistas manieristas italianos. Inspirado por su fisicidad dramatizada, emprendió una importante serie de obras que presentaban figuras contemporáneas en poses míticas similares. Estas figuras a menudo se parecían a soldados que regresaban de la guerra o a campesinos que vagaban por paisajes apocalípticos. Se refirió a las pinturas como Nuevos tipos y llamó héroes, rebeldes y pastores a las figuras que aparecían en ellas. El ejemplo más famoso de la serie se titula Los grandes amigos. Representa a dos figuras de ese tipo que se dan la mano mientras caminan por un vacío de pesadilla ante una bandera estadounidense caída.

Las pinturas de Nuevos tipos parecen tener indudablemente un propósito narrativo. Pero es difícil explicar cuál es esa narración. Los gestos faciales recuerdan, en efecto, a las pinturas heroicas de santos del pasado. Los cuerpos corpulentos y mutilados evocan una fuerza palpable, pero tienen cabezas diminutas. ¿Están comentando el heroísmo de la estupidez, la ignorancia de la guerra o la necesidad de ser físicamente fuerte pero mentalmente pequeño si se quiere sobrevivir? Una vez más, aparte del tema, las elecciones cromáticas, la planitud del plano pictórico y la extrañeza de la composición evocan sentimientos abstractos de angustia, falta de sentido y oscuridad.

Georg Baselitz - Los grandes amigos, 1965. Óleo sobre lienzo. 98 2/5 × 118 1/10 pulgadas. 250 × 300 cm. Museo Städel, Fráncfort © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Colonia

El mundo está al revés

En medio de la pintura de sus Nuevos tipos, Baselitz comenzó a fracturar algunas de sus imágenes, desplazando elementos de la composición de formas que hacían más ambiguo el tema y otorgaban mayor importancia al componente estético. La fracturación reveló una atracción de Baselitz hacia la abstracción que alcanzó su plena madurez en 1969, cuando comenzó a pintar sus cuadros al revés. Para crear sus pinturas invertidas, colocaba los lienzos en el suelo y los pintaba desde una perspectiva invertida; después los colgaba boca abajo en la pared al terminarlos.

Siguió dedicado a la importancia del tema. Por ejemplo, una de sus pinturas invertidas más famosas muestra la imagen de un águila, una posible referencia a la historia alemana. Quería provocar la evocación que podía surgir cuando un espectador contemplaba el tema de sus obras, pero también quería que la objetualidad de sus pinturas fuera la preocupación principal. Quería que la pintura captara la atención del espectador, objetualizando así la obra, al tiempo que conservaba su potencial simbólico. Sus pinturas invertidas lo liberaron de la trampa de la interpretación literal y lo ayudaron a crear obras que podían considerarse objetos puramente estéticos.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Óleo sobre lienzo. 63 3/4 × 51 1/8 pulgadas. 161.9 × 129.9 cm (izquierda) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Óleo sobre lienzo (derecha) © 2019 Georg Baselitz

La brutalidad del arte

A menudo, críticos, historiadores e incluso el propio Baselitz han contextualizado su obra haciendo referencia al concepto alemán de Vergangenheitsbewältigung, que básicamente significa enfrentarse al pasado. Se refiere a las formas en que los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial se han visto obligados a ayudar a explicar las acciones indefendibles de su pasado colectivo. En una entrevista con Spiegel Online en 2013, Baselitz describió sus sentimientos sobre este concepto diciendo: “Todos los pintores alemanes tienen una neurosis con el pasado de Alemania: la guerra, sobre todo la posguerra, Alemania Oriental. Abordé todo esto en una profunda depresión y bajo una gran presión. Mis pinturas son, por así decirlo”. En verdad, sus pinturas son batallas. Son batallas físicas, ya que nunca ha tenido un asistente a pesar de la dificultad extenuante de su proceso. Y son batallas emocionales, pues lucha entre su visión preexistente y el impulso hacia algo distinto que se apodera de él una vez que la pintura ha comenzado.

Una de las obras más famosas que ha realizado Baselitz es, de hecho, una referencia a una batalla real. Titulada ’45, sus 20 paneles aluden al bombardeo de Dresde en 1945. En ella, Baselitz aborda la brutalidad con brutalidad de una manera directa y personal. Demuestra que lo más importante para crear un futuro aceptable no es la perfección, el talento ni la gracia. Lo más importante es reconocer el deseo humano en estado puro. Lo importante es la emoción, la pasión y el corazón. Y esta obra en particular también demuestra con eficacia que, para un artista, la brutalidad es fundamental: brutalidad hacia el pasado, hacia otros artistas, hacia la propia obra, hacia el tema y hacia el medio. Independientemente de su tema, toda obra de arte que ha realizado Georg Baselitz es abstracta porque nos muestra nuestro mundo mientras lo rechaza, lo invierte y lo rehace simultáneamente. Exige que lo veamos, pero también que busquemos otra cosa, algo diferente, algo aún no imaginado. Expresa realidades duales: que dentro de la destrucción está la creación, dentro de la historia está nuestro futuro y dentro de cada batalla hay algo por lo que vale la pena luchar.

Imagen destacada: Georg Baselitz - Dinner in Dresden (detalle), 1983. Óleo sobre lienzo. © 2019 Georg Baselitz
Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio 2017
Editado por IdeelArt (2026)