Combinando lo Abstracto y lo Figurativo - Arte de Albert Oehlen

A primera vista, muchas de las pinturas de Albert Oehlen parecen complicadas, como el equivalente visual del ruido. Combinan elementos figurativos con elementos que son puramente abstractos. Incorporan una amplia y siempre cambiante variedad de procesos, materiales y técnicas. Cuando nos enfocamos en esos elementos dispares, las composiciones pueden parecer desarticuladas a veces, e inarmoniosas. Pero cuando se consideran desde un punto de vista más amplio, no como declaraciones visuales finales, sino como desencadenantes de una respuesta estética más profunda, emerge un sentido de armonía en sus pinturas. Oehlen fue estudiante de Sigmar Polke, un pintor, fotógrafo y profesor alemán que desafió los límites entre la figuración y la abstracción. Y es un excompañero de casa de Martin Kippenberger, un artista multimedia de origen alemán también conocido por explorar cómo el mundo objetivo se cruza con lo abstracto. Y también es un amigo de larga data de Christopher Wool, un pintor que combina mensajes audaces basados en texto con abstracción de maneras que crean líneas duras entre los dos, mientras sugiere simultáneamente que son lo mismo. En la forma en que combina figuración y abstracción, el cuerpo de trabajo que Oehlen ha creado comparte un claro legado con el de estos tres otros artistas. Pero también comparte otra similitud importante, menos obvia: es más simple de lo que parece.

La evolución de Albert Oehlen

Albert Oehlen nació en 1954 en Krefeld, Alemania, al noroeste de Düsseldorf. Creció en una familia artística. El padre de Oehlen era artista, y su hermano Markus, dos años menor, se ha convertido en un destacado artista de pop abstracto, trabajando también en los medios de la pintura y la escultura. Albert ha dicho que siempre supo que se convertiría en artista, como si fuera algo que daba por sentado. Pero la elección de centrarse en la pintura, y especialmente en la pintura abstracta, fue algo que le llegó gradualmente con el tiempo.

Oehlen terminó su carrera en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo en 1978. Después de la escuela, experimentó con varias formas de expresión, incluida la música. Pero fue después de mudarse de Alemania a España, donde se encontró compartiendo un hogar con Martin Kippenberger, que encontró su voz como pintor abstracto. En una entrevista con Interview Magazine en 2009, Oehlen dice que aprovechó esa oportunidad para transformar su enfoque hacia el arte. “Quería comenzar algo nuevo que había estado soñando durante mucho tiempo, que era la pintura abstracta”, dijo Oehlen, “y aproveché la oportunidad para comenzarlo allí [en España], lo cual fue muy bueno porque estábamos muy aislados. Éramos Martin y yo solos en esa casa, así que podías cometer tus fracasos y ver cómo reacciona el otro.”

Albert Oehlen - Sin título, 1989. Óleo y resina sobre lienzo. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

La imprevisibilidad de la pintura

Tener libertad total para experimentar y fracasar inculcó en Oehlen la importancia de la inseguridad en su arte. Hay una emoción inherente en no saber cómo va a resultar algo. Hay una fuerza viva que impulsa a un artista a manifestar lo desconocido, o lo no imaginado. Pero un posible inconveniente de la libertad total para experimentar es que puede ser paralizante. ¿Por dónde empezar si no se tiene idea de a dónde se va? Para darse a sí mismo suficiente estructura para mantenerse enfocado mientras también disfruta de la libertad de experimentar, Oehlen comenzó a inventar reglas simples para sí mismo en el estudio.

Estas reglas arbitrarias no tienen otro propósito que desafiarlo en su proceso, crear imprevisibilidad y conflicto. A veces limita sus piezas a un solo tono. Otras veces se impone la limitación de simplemente ir más despacio. Una de las reglas arbitrarias favoritas de Ohlen, que solía compartir con sus estudiantes cuando enseñaba en la Kunstakademie Düsseldorf, era: “Cambia el material. Porque hay muchas decisiones de las que no eres consciente. Comienza cuando vas a comprar suministros de arte. Tomas decisiones, y siempre son las mismas, como el tipo de pinceles que compras. Y si te ves obligado a cambiar algo, le da una inseguridad a la obra que es muy útil. Te hace descubrir lo que realmente necesitas."

Albert Oehlen - Gato de Titanio con Animal probado en laboratorio, 1999. Óleo sobre lienzo. © Albert Oehlen

Nada es feo

A lo largo de décadas de experimentación y de establecer límites arbitrarios sobre sí mismo, Oehlen ha llegado a una divertida realización. Debido a las cualidades físicas únicas que poseen las obras, hay poco que alguien pueda hacer para que una pintura sea fea. Hubo un tiempo en que la idea de la mala pintura estaba en la mente de muchos curadores y artistas, incluido Oehlen. Se consideraron varias definiciones de mala pintura. Algunos creían que tenía que ver con el proceso. Otros creían que era fundamental para la composición, o las cualidades estéticas de una obra.

Oehlen trabajó duro en la noción de hacer malas pinturas de la misma manera que un músico podría hacer una canción que es imposible de escuchar. Pero descubrió que alguien podría considerar cada pintura hermosa, porque los humanos simplemente tienen una atracción visceral por la belleza inherente de la pintura sobre una superficie. No importa cuál sea el tema, no importa cuál sea el nivel de habilidad del artista, no importa cuál sea la composición y no importa cuál sea el proceso, se puede argumentar que ninguna pintura es mala, porque se puede encontrar algo bueno en ella si estamos dispuestos a mirar.

Albert Oehlen - Sin título, 2005. Acrílico y óleo sobre lienzo. © Albert Oehlen

Desencadenantes visuales

La obra madura que Albert Oehlen crea hoy refleja la mentalidad de un pintor que simplemente ama involucrarse en su trabajo. Es diverso en su selección de materiales y técnicas, dándose oportunidades para crecer y evolucionar. A veces hace collages y luego pinta sobre ellos, utilizando para el collage una mezcla de anuncios publicitarios de mala calidad y impresiones en inyección de tinta. A veces usa spray, a veces usa óleos, a veces difumina la pintura a través de la superficie en un desenfoque. La alegría para él como artista claramente proviene de la mezcla adecuada de experimentación y reglas, o en otras palabras, del proceso.

Para los espectadores, puede ser fácil confundirse con las innumerables capas, estilos y referencias en las obras de Oehlen. Pero como mencionamos anteriormente, al simplificar la forma en que las miramos, podemos acercarnos a entender su valor. La forma de simplificarlas es verlas no como piezas que contienen un significado por desentrañar, sino mirarlas en su lugar como disparadores visuales. Retrocede y míralas como la revelación de un proceso, y deja que desencadenen una emoción o un pensamiento. La imaginería figurativa, el texto, los colores, las marcas o los restos físicos de nuestra cultura se suman a un sentimiento, uno que depende en gran medida de nosotros. La imagen no es el final de la historia. Si lo fuera, de hecho sería confusa. Pero es solo el comienzo.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Collage de papel sobre lienzo. © Albert Oehlen

Suaviza el Ruido

Visualmente, las obras de Albert Oehlen se han agrupado con varios movimientos artísticos, como Neo-Expresionismo y Nuevos Salvajes. Los neoexpresionistas fueron fundamentales para la reintroducción de la figuración tras movimientos como Expresionismo Abstracto, Minimalismo y Arte Conceptual. Los Nuevos Salvajes, o juventud salvaje, combinaron imágenes abstractas y figurativas con colores vivos y pinceladas emotivas. A primera vista, las obras de Oehlen a menudo parecen contener ambos elementos. Pero Oehlen también ha ganado otro apodo: el radical libre. Ese nombre se debe a la insistencia de Oehlen en que no forma parte de ningún movimiento, y que cada una de sus obras debe ser considerada por separado y de acuerdo con su propia propuesta estética.

Lo que exactamente implican las proposiciones de Oehlen es una conversación abierta, una que ni siquiera Oehlen puede explicar completamente. Todo lo que es obvio es que ha ido elaborando gradualmente una visión estética única, una que continúa evolucionando. Utiliza cualquier herramienta visual que tenga a su disposición para crear algo que genere una sensación en los espectadores. Todo es hermoso y todo es bueno, al menos en algunas de nuestras mentes. La gente puede decir que les gusta o que no les gusta. ¿Y qué? No se puede entender mediante un análisis factual. Todo lo que podemos decir con certeza es que el ruido de etiquetas, juicios y críticas estéticas realmente solo interfiere con su trabajo. Al igual que los innumerables elementos que Oehlen combina en sus obras, todo es ruido. A través de su proceso impredecible y de mente abierta, Oehlen simplemente está tratando de crear buenas pinturas. Está tomando los elementos complicados de la atmósfera visual y suavizándolos. Cuanto más podamos simplificar la forma en que miramos su trabajo, más simple se vuelve, y más fácil es verlo como algo hermoso.

Albert Oehlen - Del legado, 2007. Impresión litográfica en Somerset Epson. © Albert Oehlen

Imagen destacada: Albert Oehlen - Sin título (detalle), 1993. Óleo sobre lienzo. © Albert Oehlen
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio