Combinando lo Abstracto y lo Figurativo - Arte de Albert Oehlen

A primera vista, muchas de las pinturas de Albert Oehlen parecen complicadas, como el equivalente visual del ruido. Combinan elementos figurativos con elementos puramente abstractos. Incorporan una amplia y siempre cambiante variedad de procesos, materiales y técnicas. Cuando nos centramos en esos elementos dispares, las composiciones pueden parecer a veces desconectadas y desarmoniosas. Pero al considerarlas desde un punto de vista más amplio, no como declaraciones visuales finales sino como detonantes para una respuesta estética más profunda, emerge un sentido de armonía en sus pinturas. Oehlen fue alumno de Sigmar Polke, un pintor, fotógrafo y profesor alemán que desafió los límites entre la figuración y la abstracción. Y fue compañero de casa de Martin Kippenberger, un artista multimedia nacido en Alemania también conocido por explorar cómo el mundo objetivo se cruza con lo abstracto. Además, es amigo de larga data de Christopher Wool, un pintor que combina mensajes audaces basados en texto con abstracción de maneras que crean líneas duras entre ambos, mientras simultáneamente sugieren que son lo mismo. En la forma en que combina figuración y abstracción, el conjunto de obras que Oehlen ha creado comparte un legado claro con el de estos tres artistas. Pero también comparte otra similitud importante, menos obvia: es más simple de lo que parece.

La evolución de Albert Oehlen

Albert Oehlen nació en 1954 en Krefeld, Alemania, al noroeste de Düsseldorf. Creció en una familia artística. El padre de Oehlen era artista, y su hermano Markus, dos años menor, también se ha convertido en un consumado artista pop abstracto que trabaja en pintura y escultura. Albert ha dicho que siempre supo que sería artista, como si fuera algo que daba por sentado. Pero la decisión de centrarse en la pintura, y especialmente en la pintura abstracta, fue algo que le llegó gradualmente con el tiempo.

Oehlen terminó su carrera en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo en 1978. Después de la escuela experimentó con varias formas de expresión, incluida la música. Pero fue tras mudarse de Alemania a España, donde compartió casa con Martin Kippenberger, que encontró su voz como pintor abstracto. En una entrevista con Interview Magazine en 2009, Oehlen dice que aprovechó esa oportunidad para transformar su enfoque del arte. “Quería comenzar algo nuevo con lo que había soñado durante mucho tiempo, que era la pintura abstracta,” dijo Oehlen, “y aproveché la oportunidad para empezarla allí [en España], lo cual fue muy bueno porque estábamos muy aislados. Éramos solo Martin y yo en esa casa, así que podías cometer errores y ver cómo reaccionaba el otro.”

Albert Oehlen - Sin título, 1989. Óleo y resina sobre lienzo. 23 4/5 × 28 9/10 pulg. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

La imprevisibilidad de la pintura

Tener libertad total para experimentar y fracasar inculcó en Oehlen la importancia de la inseguridad en su arte. Hay una emoción inherente en no saber cómo resultará algo. Hay una fuerza viva que impulsa al artista a manifestar lo desconocido o lo inimaginado. Pero una posible desventaja de la libertad completa para experimentar es que puede paralizar. ¿Por dónde empezar si no se tiene idea de a dónde se va? Para darse suficiente estructura que le permitiera mantenerse enfocado y al mismo tiempo disfrutar la libertad de experimentar, Oehlen comenzó a inventar reglas simples para sí mismo en el taller.

Estas reglas arbitrarias no tienen otro propósito que desafiarlo en su proceso, crear imprevisibilidad y conflicto. A veces limita sus piezas a un solo tono. Otras veces se impone la limitación de simplemente ir más despacio. Una de las reglas arbitrarias favoritas de Oehlen, que solía compartir con sus estudiantes cuando enseñaba en la Kunstakademie Düsseldorf, era: “Cambia el material. Porque muchas decisiones no las tienes conscientes. Empieza cuando vas a comprar materiales de arte. Tomas decisiones, y siempre son las mismas, como el tipo de pinceles que compras. Y si te ves obligado a cambiar algo, eso le da una inseguridad a la obra que es muy útil. Te hace descubrir lo que realmente necesitas.”

Albert Oehlen - Gato de titanio con animal probado en laboratorio, 1999. Óleo sobre lienzo. © Albert Oehlen

Nada es feo

A lo largo de décadas de experimentación y de imponerse límites arbitrarios, Oehlen ha llegado a una curiosa conclusión. Debido a las cualidades físicas únicas que poseen las obras, hay poco que alguien pueda hacer para que una pintura sea fea. Hubo un tiempo en que la idea de la mala pintura estaba en la mente de muchos curadores y artistas, incluido Oehlen. Se consideraron varias definiciones de mala pintura. Algunos creían que tenía que ver con el proceso. Otros pensaban que era fundamental para la composición o las cualidades estéticas de una obra.

Oehlen trabajó duro en la idea de hacer malas pinturas de la misma manera que un músico podría hacer una canción imposible de escuchar. Pero descubrió que alguien podría considerar hermosa cualquier pintura, porque los humanos simplemente tienen una atracción visceral por la belleza inherente de la pintura sobre una superficie. No importa el tema, ni el nivel de habilidad del artista, ni la composición ni el proceso, se puede argumentar que ninguna pintura es mala, porque se puede encontrar algo bueno en ella si estamos dispuestos a mirar.

Albert Oehlen - Sin título, 2005. Acrílico y óleo sobre lienzo. © Albert Oehlen

Detonantes visuales

La obra madura que Albert Oehlen crea hoy refleja la mentalidad de un pintor que simplemente ama involucrarse en su trabajo. Es diverso en la selección de materiales y técnicas, dándose oportunidades para crecer y evolucionar. A veces hace collages y luego pinta sobre ellos, usando para el collage una mezcla de anuncios publicitarios desechables y impresiones de inyección de tinta. A veces usa pintura en aerosol, otras veces óleos, a veces difumina la pintura sobre la superficie en un borrón. La alegría para él como artista claramente proviene de la mezcla adecuada de experimentación y reglas, o en otras palabras, del proceso.

Para los espectadores, puede ser fácil confundirse con la multitud de capas, estilos y referencias en las obras de Oehlen. Pero como mencionamos antes, simplificando la forma en que las miramos podemos acercarnos a entender su valor. La manera de simplificarlas es verlas no como piezas que contienen un significado por desentrañar, sino como detonantes visuales. Retroceder y verlas como la revelación de un proceso, y dejar que desencadenen una emoción o un pensamiento. La imaginería figurativa, el texto, los colores, las marcas o los restos físicos de nuestra cultura suman un sentimiento, uno que depende en gran medida de nosotros. La imagen no es el final de la historia. Si lo fuera, sería confusa. Pero es solo el comienzo.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Collage de papel sobre lienzo. © Albert Oehlen

Suavizar el ruido

Visualmente, las obras de Albert Oehlen han sido agrupadas con varios movimientos artísticos, como el Neoexpresionismo y el Neue Wilde. Los neoexpresionistas fueron fundamentales para la reintroducción de la figuración tras movimientos como el Expresionismo abstracto, el Minimalismo y el Arte conceptual. El Neue Wilde, o juventud salvaje, combinaba imágenes abstractas y figurativas con colores vivos y pinceladas emotivas. A primera vista, las obras de Oehlen a menudo parecen contener ambos elementos. Pero Oehlen también ha ganado otro apodo: el radical libre. Ese nombre se debe a la insistencia de Oehlen en que no forma parte de ningún movimiento, y que cada una de sus obras debe considerarse por separado y según su propia propuesta estética.

Lo que exactamente implican las propuestas de Oehlen es una conversación abierta, que ni siquiera él puede explicar completamente. Lo único obvio es que ha elaborado gradualmente una visión estética única, que sigue evolucionando. Usa las herramientas visuales que tiene a su disposición para crear algo que genere un sentimiento en los espectadores. Todo es bello y bueno, al menos en algunas de nuestras mentes. La gente puede decir que les gusta o que no les gusta. ¿Y qué? No puede entenderse mediante un análisis factual. Todo lo que podemos decir con certeza es que el ruido de etiquetas, juicios y críticas estéticas realmente solo estorba su obra. Como los numerosos elementos que Oehlen combina en sus obras, todo es ruido. A través de su proceso imprevisible y abierto, Oehlen simplemente intenta crear buenas pinturas. Está tomando los elementos complicados de la atmósfera visual y suavizándolos. Cuanto más podamos simplificar la forma en que miramos su obra, más simple se vuelve, y más fácil es verla como bella.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Litografía sobre Somerset Epson. © Albert Oehlen

Imagen destacada: Albert Oehlen - Sin título (detalle), 1993. Óleo sobre lienzo. © Albert Oehlen
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio