Mujeres en la Abstracción Americana, 1930-1950
Artistas abstractos estadounidenses enfrentaron muchos obstáculos durante las décadas de 1930 y 1940. Al ingresar a una disciplina aún dominada por el realismo y gobernada por poderosos críticos e instituciones artísticas, los artistas abstractos tuvieron que encontrar formas creativas de promover su obra y ganar aceptación en un mundo cada vez más tumultuoso. A la vanguardia estuvieron valientes y talentosas artistas femeninas que además tuvieron que navegar por complejas dinámicas sociales y culturales durante los períodos de antes y después de la guerra. Hasta la fecha, sus contribuciones a la abstracción estadounidense temprana a menudo han sido pasadas por alto en favor de los pioneros masculinos. Sin embargo, para comprender plenamente la historia del arte, debemos reconocer a las mujeres que allanaron el camino para la abstracción a través de su creatividad, estética y defensa.
Abstracción temprana
Se reconoce ampliamente que la abstracción comenzó en Europa a finales del siglo XIX, cuando algunos artistas se alejaron del realismo y exploraron formas, texturas y tonos con mayor detalle. Los avances tecnológicos, incluyendo una mayor comunicación y viajes, permitieron que artistas europeos y estadounidenses intercambiaran ideas más que nunca. Asimismo, muchos artistas europeos que huían de los horrores de la Primera y Segunda Guerra Mundial trajeron nuevas técnicas y teorías a los Estados Unidos. Esto llevó a un grupo creciente de artistas estadounidenses interesados en la abstracción, muchos de ellos habiendo visitado artistas en Europa o tomado cursos con refugiados europeos que vivían en Estados Unidos. Sin embargo, la abstracción fue particularmente despreciada por el establecimiento artístico estadounidense, que prohibió a los artistas abstractos exhibir en galerías y museos, los incluyó en listas negras en la prensa y les impidió desarrollar carreras fructíferas.
Oportunidades para las mujeres
El caos de los años 30, sorprendentemente, abrió las puertas para los artistas abstractos en América. En respuesta al alto desempleo en la comunidad artística durante la Gran Depresión, el gobierno de los Estados Unidos creó la Administración de Progreso de Obras (WPA) y su Proyecto Federal de Arte. Artistas de todos los orígenes (incluidas mujeres y artistas abstractos) recibieron puestos remunerados en proyectos artísticos patrocinados por el gobierno durante los años de la Depresión y la guerra. Miles de artistas fueron contratados, incluyendo futuras pioneras como Lee Krasner, Dorr Bothwell y Louise Nevelson, para embellecer instituciones en todo Estados Unidos con murales, pinturas y otros diseños. Otras artistas, como Irene Rice Pereira, ayudaron a establecer escuelas de arte financiadas por el gobierno para ofrecer clases de arte a estudiantes desfavorecidos. Aprovechando estos programas únicos, las artistas pudieron obtener ingresos a través del arte y ganar experiencia crítica en la enseñanza, la creación artística y la participación pública. Estas habilidades serían fundamentales mientras creaban, gestionaban y promovían la diversa disciplina de la abstracción y sus propias carreras.
Otras mujeres, incluyendo a Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina y Ray Kaiser (más tarde Eames), ayudaron a crear una nueva organización, Artistas Abstractos Americanos (AAA), para promover la abstracción al público y proporcionar espacios de exhibición para artistas. Establecida en 1936 en la ciudad de Nueva York, AAA se formó en respuesta a la primera exhibición sobre abstracción del Museo de Arte Moderno celebrada ese mismo año. Esta exhibición, titulada Cubismo y Arte Abstracto, presentó casi exclusivamente artistas europeos, constituyendo un rechazo institucional adicional a los artistas abstractos estadounidenses. Slobodkina escribió el Esquema Histórico de AAA, aún publicado en su sitio web hoy en día, que resumía la urgente necesidad de este grupo: “¿Bajo qué circunstancias surgió esta organización única y echó raíces rápidamente? ... El año fue 1936. El lugar – Ciudad de Nueva York. El período – depresión económica y prácticamente total aislamiento del público general de todo contacto con las tendencias estéticas avanzadas actuales.”
En un año, AAA organizó su primera exhibición en las Galerías Squibb en Nueva York. Aunque la muestra fue bien concurrida y recibió comentarios generalmente positivos del público, la prensa aún reaccionó con hostilidad. Sin embargo, AAA continuó exhibiendo en muchos lugares locales, ganando lentamente una base creciente de admiradores y coleccionistas incluso cuando la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial desanimaban los ánimos y vaciaban los bolsillos. Las mujeres fueron protagonistas importantes en AAA, tomando el centro del escenario en exhibiciones, escribiendo críticas y ocupando cargos de liderazgo, incluyendo a las fundadoras Mason y Slobodkina, quienes ambas sirvieron como presidentas de AAA.
Charmion von Wiegand (1896-1983), Sin título, c. 1942. Collage de papel, acuarela opaca y tinta sobre papel, 8 1/2 × 8 1/16 pulg. (21.6 × 20.5 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; donación de Alice y Leo Yamin 91.84.5. © Patrimonio de Charmion von Wiegand; Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York, NY
Recepción crítica
Sin embargo, incluso cuando la abstracción comenzó a ganar terreno en la cultura estadounidense, las mujeres aún enfrentaban dificultades significativas. A pesar de algunos avances durante la guerra que permitieron a las mujeres trabajar fuera del hogar, las artistas femeninas eran examinadas por hacer trabajos que no eran estrictamente domésticos o relacionados con la guerra. Muchas pioneras de este período son recordadas más por sus famosos esposos que por sus contribuciones a la abstracción, incluyendo a Ray Kaiser (más tarde Eames, casada con Charles Eames), Lee Krasner (casada con Jackson Pollock) y Elaine De Kooning (casada con Willem De Kooning). Sin embargo, no se puede negar su influencia artística sobre sus esposos. Basta mirar a Kaiser, una artista altamente capacitada que colaboró con su esposo arquitecto en varios proyectos. Su uso de formas orgánicas y la tensión entre espacios es una característica central de sus diseños y es lo que hizo que el nombre Eames fuera tan celebrado. De igual manera, los esfuerzos de Krasner para promover el legado de Pollock tras su prematura muerte en 1956 son en gran parte la razón por la que su obra es tan celebrada hoy.
Muchas galerías y museos también se negaron a exhibir a artistas femeninas: el galerista Samuel Kootz, gran defensor del Expresionismo Abstracto, supuestamente dijo que esto se debía a que eran demasiado problemáticas. Por otro lado, muchos críticos inicialmente respondían favorablemente a las obras de artistas abstractas femeninas, hasta que descubrían que la creadora era una mujer. Krasner contó que un crítico dijo una vez sobre su obra: “Nos enteramos de que la artista era una mujer a tiempo para moderar nuestro entusiasmo.” Como resultado, varias artistas cambiaron sus nombres para ocultar su feminidad. Irene Rice Pereira exhibió sus dinámicas pinturas geométricas bajo el nombre de I. Rice Pereira. De igual manera, la artista Dorr Bothwell cambió legalmente su nombre de Doris para obtener una mejor recepción crítica para sus obras surrealistas. Dicho esto, muchos líderes masculinos del movimiento aún enmarcaban las obras de estas artistas en relación con su condición de mujer. El legendario Hans Hoffman, quien formó a muchas artistas abstractas, dijo una vez que la obra de Krasner era “tan buena que no sabrías que fue hecha por una mujer.” A pesar de la evidente calidad de su trabajo, las artistas femeninas recibían constantemente el recordatorio de que la feminidad era una herramienta usada en su contra para justificar el rechazo del mundo del arte a su oficio.
Libertad en la abstracción
La ironía es, por supuesto, que la abstracción – con su diversidad de expresión, ausencia de formas concretas y variedad de temas – generalmente no se clasifica como masculina o femenina. Al observar una obra abstracta, sería difícil para un espectador identificar el sexo del artista que la creó. Por ejemplo, la estampa de Alice Trumbull Mason de 1945 Laberinto de formas cerradas, una conglomeración de formas redondeadas y rectangulares sobre un fondo sombreado. La obra juega con la escala de grises, el espacio en blanco y las interacciones entre formas – nada en la obra habla de la identidad de Mason como mujer. Elaine De Kooning, asimismo, abrazó elementos de figuración dentro de sus pinceladas coloridas y etéreas, tal como muchos artistas impresionistas masculinos lo habían hecho con la luz unas décadas antes. A través de la abstracción, las mujeres pudieron desafiar las ideas de la estética ‘femenina’ y romper moldes anteriores. Sin embargo, encontrar una verdadera aceptación dentro de la comunidad artística seguía siendo esquivo – quizás hasta ahora.
Lo notable de las artistas abstractas de las décadas de 1930 y 1940 es su resistencia y compromiso con su oficio. A través de la catástrofe económica y la guerra mundial, encontraron maneras de mantenerse inspiradas, comprometidas y activas en su campo. Como resultado, su obra y legado sobreviven hasta hoy. No es demasiado tarde para reconocer los logros de estas personas durante este tiempo notable en la historia.
El Museo Whitney de Arte Americano en la ciudad de Nueva York ha curado una exhibición para explorar la obra y los logros de varias artistas abstractas estadounidenses durante el período de antes y después de la guerra. “Laberinto de formas: Mujeres y abstracción, 1930-1950” estará en exhibición hasta marzo de 2022.
Por Emelia Lehmann
Imagen destacada: Lee Krasner (1908-1984), Bodegón, 1938. Óleo sobre papel, 19 × 24 3/4 pulg. (48.3 × 62.9 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; compra en honor a Charles Simon, con fondos donados por sus amigos de Salomon Brothers con motivo de su 75º cumpleaños, y con fondos de un donante anónimo y el Comité de Dibujo 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
