El Arte Monumental de Louise Nevelson

Este año se cumple el 30º aniversario del fallecimiento de Louise Nevelson, una artista que influyó profundamente en el arte del siglo XX y cuyo legado aún resuena hoy en día. Nevelson es más conocida por sus ensamblajes monocromáticos de madera. Su voz estética única se basa en parte en la historia del arte y en parte en el lenguaje visual y material de la ciudad de Nueva York, su hogar adoptivo. Sus estrategias compositivas se inspiran en el cubismo, que ella comparaba con una religión, y en las teorías formales abstractas de Hans Hofmann, quien fue su maestro durante muchos años. La presencia material de sus ensamblajes exalta los aspectos desechados de la vida urbana. Como si provocara una especie de muda inversa, Nevelson recogía piezas rotas de muebles y escombros de construcción de las aceras de la ciudad y los transformaba en obras monumentales de arte. La metamorfosis de los desechos profanos en arte sagrado es innegable en obras como “Sky Cathedral” (1958), la pieza que primero le valió a Nevelson atención crítica. Es aún más profunda en la instalación de tamaño habitación “Dawn’s Wedding Feast” (1959); una obra mural rodeada de columnas montadas en el suelo y colgantes y dos tótems icónicos de novia y novio, esta pieza no solo estableció a Nevelson como una de las artistas principales de su generación, sino que también ayudó a abrir camino en el campo del arte de instalación. Lo que resulta especialmente conmovedor en sus obras es que Nevelson de alguna manera les infundió un sentido de intimidad a pesar de su escala monumental. Se aseguró de que cada elemento individual pudiera expresar sus cualidades esenciales dentro de la estructura del conjunto. En el proceso creó obras que pueden disfrutarse objetivamente o que invitan a los espectadores a una experiencia más personal. En celebración de la vida y obra de esta genio, aquí están mis nueve citas favoritas de Louise Nevelson, cada una preciosa por la forma en que esclarece su trabajo y revela el funcionamiento interno de su mente.

1. “Si tienes un marco a tu alrededor que no se ajusta a la imagen, entonces rompes el marco.”

Nacida en 1899 en Pereiaslav-Khmelnytskyi, en la actual Ucrania, Leah Berliawsky emigró a Estados Unidos en 1905 para escapar de la persecución religiosa. De niña, persiguió con entusiasmo el arte a pesar del desaliento de sus padres. Tras casarse con Charles Nevelson en 1920 y dar a luz a un hijo dos años después, se dio cuenta de que seguía en la misma situación que cuando era niña, solo que ahora era su esposo y su familia quienes le decían que abandonara el arte para ser una madre y esposa más atenta. Al darse cuenta de que estaba en el marco equivocado, Nevelson dejó a su esposo e hijo en 1931 y se mudó para estudiar con Hans Hofmann.

2. “El cubo lo enfoca y le da su verdadera estructura.”

Nevelson estructuró todos sus ensamblajes alrededor de la forma geométrica básica del cubo. No importaba cuántas piezas de madera ensamblara ni cuán desarticuladas pudieran parecer al juntarlas, los cubos siempre mantenían la composición unida, tanto visual como físicamente.

3. “El negro abarca todos los colores. No es una negación.”

La mayoría de las obras que Nevelson creó son monocromos negros. Muchos críticos malinterpretaron su uso de este color, sugiriendo que intentaba erradicar las vidas pasadas de sus materiales. En cambio, ella insistía en que el negro era un color inclusivo que permitía que cada elemento separado de la obra conservara su esencia fundamental mientras se absorbía en el espíritu del conjunto. También dijo que el color negro hacía que sus obras parecieran “aristocráticas”.

Louise Nevelson - Sin título, ca. 1976. Construcción de madera pintada de negro. 94 × 36 × 16 3/4 pulg; 238.8 × 91.4 × 42.5 cm. Galería Michael Rosenfeld, Nueva York. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

4. “Es mucho más directo hacerlo a mi manera. Es inmediato, es verdadero y está ahí.”

Después de pasar años dibujando y pintando imágenes de cosas rotas, Nevelson se dio cuenta de que usar el detrito mismo introduciría una verdad material en su obra, además de dotarla del residuo emocional de asociaciones pasadas con lo que los materiales solían ser.

5. “Es la obra y yo, no el público y yo. El público es un reflejo.”

Nevelson comenzó a hacer esculturas públicas de gran escala en los años setenta usando materiales como plástico y acero Cor-Ten. Los críticos cuestionaron el significado de la obra, que tenía un aspecto y sensación muy diferentes a sus ensamblajes de madera. Ella negó sus críticas, afirmando su derecho autónomo como artista para hacer el tipo de obra que quisiera.

Louise Nevelson - Críptico Oscuro, 1975. Madera patinada. 12 × 9 × 7 pulg; 30.5 × 22.9 × 17.8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

6. “La única realidad que reconozco es mi propia realidad.”

Nevelson enfrentó a padres controladores, un cónyuge controlador, críticos sexistas, curadores desdeñosos y espectadores ignorantes. Ignoró organizaciones sociales como “El Club”, optando en cambio por la vida de una marginada en el mundo del arte. A pesar de todos los que dudaron y la desanimaron, tuvo éxito. Esta cita explica por qué.

7. “Nos da un lugar para movernos a través de las tres dimensiones, hacia la cuarta y más allá. Realmente es un lugar donde atraviesas la materia hacia el espíritu.”

Nevelson se describía no como pintora ni escultora, sino como arquitecta que construye con sombra y luz. Su amor por el cubismo la inspiró a hacer siempre obras que recompensaran el movimiento, una expresión de la cuarta dimensión. Le interesaba crear ambientes a los que tanto el cuerpo como la mente pudieran viajar.

Louise Nevelson - Sin título, 1985. Madera pintada de negro. 44 × 22 × 17 1/5 pulg; 111.8 × 55.9 × 43.8 cm. Galería Pace. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

8. “Cuando creas, hay una energía añadida que supera a cualquier otra cosa.”

Nevelson fue una artista notoriamente reservada y disciplinada. Creía que las emociones que ofrecían otras cosas palidecían en comparación con la emoción que recibía en su taller. Cuando su ahora famosa instalación “Dawn’s Wedding Feast” se estrenó en la muestra “Sixteen Americans” en el MoMA, dijo que en parte simbolizaba su matrimonio con su obra.

9. “No es cómo vivo, es cómo termino mi vida.”

Cuando Nevelson era joven, su familia la desanimaba a convertirse en artista diciéndole que no le ofrecería un estilo de vida cómodo. Incluso entonces sabía que solo podría estar en paz cuando muriera si se mantenía fiel a sí misma.

Imagen destacada: Louise Nevelson - Maqueta para Night Wall VI, 1977-1979. Acero soldado pintado de negro. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 pulg; 63.5 × 69.8 × 24.8 cm. Galería Pace. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio