El Arte Monumental de Louise Nevelson

Este año marca el 30 aniversario de la muerte de Louise Nevelson, una artista que influyó profundamente en el arte del siglo XX y cuyo legado aún resuena hoy. Nevelson es más conocida por sus ensamblajes de madera monocromáticos. Su voz estética única está enraizada en parte en la historia del arte y en parte en el lenguaje visual y material de la ciudad de Nueva York, su hogar adoptivo. Sus estrategias compositivas se inspiran en el Cubismo, que ella comparaba con una religión, y en las teorías abstractas formales de Hans Hofmann, quien fue su maestro durante muchos años. La presencia material de sus ensamblajes exalta los aspectos desechados de la vida urbana. Como si instigara una especie de ecdysis inversa, Nevelson recogía piezas rotas de muebles y escombros de construcción de las aceras de la ciudad y los transformaba en obras de arte monumentales. La metamorfosis de detritus profano en arte sagrado es innegable en obras como “Sky Cathedral” (1958), la pieza que primero trajo a Nevelson la atención crítica. Es aún más profunda en la instalación de tamaño de habitación “Dawn’s Wedding Feast” (1959); una pieza de pared rodeada de columnas montadas en el suelo y colgantes y dos tótems icónicos de novia y novio, esta obra no solo estableció a Nevelson como una de las artistas más destacadas de su generación, sino que también ayudó a pionear el campo del arte de instalación. Lo que es particularmente conmovedor acerca de sus obras es que Nevelson de alguna manera les infundió un sentido de intimidad a pesar de su escala monumental. Se preocupó por asegurar que cada elemento individual pudiera expresar sus cualidades esenciales dentro de la estructura del todo. En el proceso, creó obras que pueden ser disfrutadas objetivamente, o que pueden invitar a los espectadores hacia una experiencia más personal. En celebración de la vida y la obra de este genio, aquí están mis nueve citas favoritas de Louise Nevelson, cada una preciosa por la forma en que elucida su trabajo y revela el funcionamiento interno de su mente.

1. "Si tienes un marco a tu alrededor que no se adapta a la imagen, entonces rompes el marco."

Nacida en 1899 en Pereiaslav-Khmelnytskyi, en la actual Ucrania, Leah Berliawsky emigró a los Estados Unidos en 1905 para escapar de la persecución religiosa. Desde niña, persiguió con fervor el arte a pesar de la desalentadora actitud de sus padres. Después de casarse con Charles Nevelson en 1920 y dar a luz a un hijo dos años después, se dio cuenta de que seguía en la misma situación que cuando era niña, excepto que ahora era su esposo y su familia quienes le decían que abandonara su arte para ser una madre y esposa más atenta. Dándose cuenta de que estaba en el marco equivocado, Nevelson dejó a su esposo e hijo en 1931 y se mudó para estudiar con Hans Hofmann.

2. “El cubo lo enfoca y le da su verdadera estructura.”

Nevelson estructuró todas sus ensamblajes en torno a la forma geométrica básica de los cubos. No importaba cuántas piezas de madera ensamblara en el ensamblaje, ni cuán disjuntas pudieran parecer las piezas al juntarse, los cubos siempre mantenían la composición unida, tanto visual como físicamente.

3. “El negro abarca todo color. No es una negación.”

La mayoría de las obras que Nevelson hizo son monocromas negras. Muchos críticos malinterpretaron su uso de este color, sugiriendo que intentaba erradicar las vidas pasadas de sus materiales. En cambio, ella insistió en que el negro era un color inclusivo que permitía a cada elemento separado de la obra retener su esencia fundamental mientras también se absorbía en el espíritu del todo. También dijo que el color negro hacía que sus obras se vieran "aristocráticas."

Louise Nevelson - Sin título, ca. 1976. Construcción de madera pintada de negro. 94 × 36 × 16 3/4 in; 238.8 × 91.4 × 42.5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nueva York. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York.

4. "Es mucho más directo hacerlo de la manera en que lo hago. Es inmediato, es verdadero y está ahí."

Después de pasar años dibujando y pintando imágenes de cosas rotas, Nevelson se dio cuenta de que usar el detrito en sí mismo introduciría una verdad material en su trabajo, además de dotarlo con el residuo emocional de asociaciones pasadas con lo que los materiales solían ser.

5. "Es el trabajo y yo, no es el público y yo. El público es un reflejo."

Nevelson comenzó a hacer esculturas públicas a gran escala en la década de 1970 utilizando materiales como plástico y acero Cor-Ten. Los críticos cuestionaron el significado de la obra, que tenía un aspecto y una sensación muy diferentes a sus ensamblajes de madera. Ella negó sus críticas, afirmando su derecho autónomo como artista a hacer el tipo de obra que quisiera.

Louise Nevelson - Cripta Oscura, 1975. Madera patinada. 12 × 9 × 7 in; 30.5 × 22.9 × 17.8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

6. “La única realidad que reconozco es mi propia realidad.”

Nevelson enfrentó a padres controladores, a un cónyuge controlador, a críticos sexistas, a curadores despectivos y a espectadores ignorantes. Ignoró organizaciones sociales como "El Club", optando en su lugar por la vida de una forastera en el mundo del arte. A pesar de todos los que dudaron y la desanimaron, tuvo éxito. Esta cita explica por qué.

7. "Nos da un lugar para movernos a través de las tres dimensiones, hacia la cuarta y más allá. Realmente es un lugar donde pasas de la materia al espíritu."

Nevelson se describió a sí misma no como pintora ni escultora, sino como arquitecta construyendo con sombra y luz. Su amor por el Cubismo la inspiró a siempre crear obras que recompensaran el movimiento—una expresión de la cuarta dimensión. Estaba interesada en crear entornos a los que tanto el cuerpo como la mente pudieran viajar.

Louise Nevelson - Sin título, 1985. Madera pintada de negro. 44 × 22 × 17 1/5 in; 111.8 × 55.9 × 43.8 cm. Pace Gallery. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York

8. “Cuando estás creando, hay una energía adicional que supera cualquier otra cosa.”

Nevelson era una artista notoriamente privada y disciplinada. Creía que las emociones que ofrecían cosas distintas al trabajo creativo palidecían en comparación con la adrenalina que recibía en su estudio. Cuando su ahora famosa instalación "Dawn’s Wedding Feast" se estrenó en la exposición "Sixteen Americans" en el MoMA, dijo que en parte simbolizaba su matrimonio con su trabajo.

9. "No es cómo vivo, es cómo termino mi vida."

Cuando Nevelson era joven, su familia la desanimó de convertirse en artista diciéndole que no le ofrecería un estilo de vida cómodo. Incluso entonces, sabía que solo podría estar en paz cuando muriera si se mantenía fiel a sí misma.

Imagen destacada: Louise Nevelson - Maqueta para Night Wall VI, 1977-1979. Acero soldado pintado de negro. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 in; 63.5 × 69.8 × 24.8 cm. Pace Gallery. © 2018 Patrimonio de Louise Nevelson/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio