Alfonso Ossorio y sus Congregaciones de Objetos Encontrados

Alfonso Ossorio es hoy un nombre casi olvidado. Y sin embargo, Ossorio fue una figura clave en el desarrollo del arte modernista de posguerra. Nacido en una familia adinerada, Ossorio fue un ávido coleccionista de arte cuyo patrocinio sostuvo a muchos artistas en momentos cruciales de sus carreras; también fue un querido personaje social cuya finca en East Hamptons se convirtió brevemente en una de las galerías de arte más influyentes, aunque improvisadas, de Nueva York; Ossorio también fue un artista talentoso y fascinante, cuya mente aguda fue tanto influenciada por, como influencia para, algunos de los genios artísticos más destacados del siglo XX. Fue amigo cercano y colaborador de Jackson Pollock y Lee Krasner durante uno de los períodos más productivos de sus carreras. Fue amigo y protegido de Jean Dubuffet en la cúspide de su investigación sobre el Art Brut. Ossorio fue incluso uno de los primeros artistas elegidos para una exposición individual por Petty Parsons cuando abrió su primera galería de arte en Nueva York, en la librería Wakefield. Algunas exposiciones en el último medio decenio han intentado reintroducir al público contemporáneo las obras de Ossorio. En 2013, The Phillips Collection en Washington, D.C., organizó “Ángeles, Demonios y Salvajes: Pollock, Ossorio, Dubuffet,” una ambiciosa representación de cómo estos tres artistas se influenciaron mutuamente. Ese mismo año, Michael Rosenfeld Gallery presentó la retrospectiva individual “Alfonso Ossorio: Líneas de Sangre, 1949–1953.” Cuatro años después, Sotheby’s subastó un conjunto de pinturas de Ossorio en nombre de la Fundación que el artista estableció al morir en 1990. Estos esfuerzos al menos iniciaron una conversación sobre quién fue esta enigmática figura. Pero no lograron responder por qué fue alguna vez olvidado, ni por qué nunca recibió realmente el reconocimiento que merecía. A veces me he preguntado si su abandono tuvo algo que ver con sus creencias religiosas manifiestas. Ossorio defendía los ideales espirituales del arte. Aunque criado como católico, no profesaba ninguna posición dogmática en particular. En cambio, describía la religión como algo profundamente personal e idiosincrático, esencial para la creatividad. Como él mismo dijo: “Siento que todo arte serio es un depósito para el espíritu.”

Desatando lo Primitivo

Ossorio nació en la isla de Luzón en Manila, Filipinas, en 1916, el cuarto de seis hermanos. Su padre era un empresario adinerado en la industria azucarera. En una entrevista para el Smithsonian en 1968, Ossorio recordó que su interés por el arte comenzó con el arte que veía en las grandes iglesias católicas a las que asistía su familia. Pero describió ese arte como algo “cotidiano.” Su verdadera inspiración vino de las revistas europeas que recibía su familia, muchas de las cuales contenían amplia cobertura artística. Incluso recuerda haber sido castigado por recortar las imágenes de arte y tratar de hacer un álbum personal. Finalmente, esa pasión le ayudó a triunfar como estudiante de arte tanto en Cambridge como en Harvard. Aprendió a ser un dibujante consumado, grabador, escultor y pintor figurativo al óleo. Sin embargo, en su interior soñaba con conectar con algo más espiritual, más experimental y mucho más moderno.

Alfonso Ossorio - Prisionero Gris, ca. 1950. Tinta, cera y acuarela sobre papel. 27 × 20 in; 68.6 × 50.8 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nueva York

Art Brut de prisioneros, niños y residentes de asilos que había coleccionado. En estos ejemplos, Ossorio encontró la libertad para abandonar su estilo realista y desatar su propio primitivismo, que lo acercó a lo divino.

Alfonso Ossorio - #2 - 1953, 1952. Tinta, cera y acuarela sobre cartón. 60 × 38 in; 152.4 × 96.5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nueva York

Las Congregaciones

El primitivismo apareció por primera vez en sus pinturas a principios de los años 50. El simbolismo religioso se mezcla con un estilo intuitivo, exuberante y generalizado de abstracción pictórica críptica en obras como “A Toi La Gloire (Tuyo sea la Gloria)” 1950 y “Collage de 3 piezas” (1954). Mientras tanto, la brutalidad cruda, el resplandor espiritualista y la armonía compositiva se unen en pinturas como “Baile lento y staccato” (1955) y “Sin título (W55-011)” (1955). Pero el medio pictórico no era suficiente para que Ossorio transmitiera verdaderamente sus sentimientos. Sentía que algo quedaba fuera. Para llenar ese vacío, comenzó a insertar objetos que encontraba, como botones, clavos, partes de zapatos y marcos de cuadros rotos, en las capas de empaste de pintura. Pronto los objetos encontrados se volvieron más importantes que la pintura. Empezó a usar plástico para fusionar los objetos, creando obras que la mayoría llama ensamblajes, pero que Ossorio llamó “congregaciones.”

Alfonso Ossorio - Bailarín Azul, 1962. Congregación de técnicas mixtas sobre panel. 26 1/4 × 21 × 1 3/4 in; 66.7 × 53.3 × 4.4 cm

Dijo Ossorio: “He empezado a llamarlas congregaciones simplemente porque todas trabajan juntas y las partes están unificadas hacia un fin final, trabajando para un efecto final.” Sin embargo, la conexión con la idea de una congregación eclesiástica es inevitable. La mayoría contienen múltiples objetos que parecen ojos, pero no todos son ojos humanos; también son ojos de pez, ojos de ave, ojos de ratón. Mezclados hay huesos reales. Las criaturas y objetos que poseían estas partes están muertos, pero adquieren una segunda vida como parte de estas nuevas obras de arte. En cierto modo, estas obras son un hermoso homenaje al tiempo y lugar en que Ossorio floreció—un tiempo en que más representantes de más culturas diferentes convergían en una ciudad, viviendo juntos y mezclando sus ideas en una cacofonía armoniosa como quizás nunca antes. Sus congregaciones—agrupaciones santificadas de objetos dispares reunidos para comenzar una nueva vida—son manifestaciones sublimes del respeto que Ossorio tenía por la diversidad de su generación y por la esperanzadora promesa que contenía.

Imagen destacada: Alfonso Ossorio - Sin título, ca. 1951. Tinta, cera y acuarela sobre papel. 19 3/4 × 25 1/2 in; 50.2 × 64.8 cm. Michael Rosenfeld Gallery, Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio