Haastattelu Ellen Priestin kanssa
Ellen Priest on jättänyt jälkensä taidemaailmaan eloisilla abstrakteilla kollaasimaalauksillaan yli kolmenkymmenen vuoden ajan. Cezannen vaikutuksesta uransa alusta lähtien ja jazzista 1990-luvulta lähtien hän on pyrkinyt vangitsemaan erilaisten jazz-sävellysten liikkeitä ja monimutkaisia rytmejä eloisilla värimaalausvedoilla. IdeelArtilla oli mahdollisuus keskustella hänen työprosessistaan, samalla kun saimme näkemyksiä hänen vaikutteistaan ja intohimostaan musiikkia kohtaan matkan varrella.
Mainitset, että näyttely "Cezanne: The Late Works", joka esitteli hänen myöhäisiä akvarellejaan Modernin taiteen museossa, vaikutti sinuun suuresti. Vaikuttaako hänen tyylinsä edelleen teoksiisi?
Oh ehdottomasti. Se on hauskaa; se on yksi niistä oivalluksista, joita meillä on nuorena. Tämä jäi minulle mieleen. Ja pystyin silloin sanomaan, että tämä oli jotain suurta. Philadelphia Museum of Artissa on myöhäinen Cezannen maisema, jota menen katsomaan aina kun tarvitsen selkeyttää päätäni tai saada inspiraatiota, tai selvittää jotain. Seison sen maiseman edessä, kunnes ymmärrän sen. Hänen myöhäinen työnsä on ollut jatkuva vaikutus, ja se on kestänyt yli kolmekymmentä vuotta. Luulen, että kyse on siitä, että hän keksi tavan käsitellä värejä, ja mitä monet ihmiset eivät ymmärrä, on se, että valintasi tietyn värin sijoittamisesta on käytännössä piirtämistä. Cezannella oli tapa ymmärtää, miten esineet tilassa leijuvat. Hänen ajattelutapansa vaikuttaa vastaavan omaani. Muodot ilmestyvät, ja sitten ne liukenevat. Sitten ne ilmestyvät uudelleen ja häipyvät taas, mikä luo illuusion siitä, että maalaus hengittää. Hän on minulle edelleen yhtä taianomainen kuin silloin, kun näin teoksen ensimmäisen kerran.
Tunnen itseni onnekkaaksi, rehellisesti sanottuna. Mielestäni se puhuu hänen työnsä voimasta ja loistosta. Minulle hän oli yhtä suuri vedenjakaja kuin Giotto perspektiivin ja sen tavan kanssa, jolla hän käsitteli hahmoja tilassa. Aavistukseni on, että jos voisin hypätä eteenpäin 500 vuotta, ihmiset puhuisivat yhä Cézannesta vedenjakajana. Se abstrakti ekspressionismi, joka kiehtoi minua alusta alkaen, on minulle yhtä voimakasta nyt. Tunnen itseni onnekkaaksi, että löysin sen ja ymmärsin sen varhain. Tajusin yksinkertaisesti, mikä oli visuaalisesti voimakasta minulle.
Voitko kertoa meille työskentelyprosessistasi? Mitä materiaaleja ja tekniikoita käytät?
Käytän paperia; kaikki työni on paperilla. Käyttämäni maalit ovat flash- ja öljymaaleja. Flash, joka on vinyylipohjainen vesiliukoinen maali, ottaa pigmentit kuten akvarelli ja gouache. Se ei muutu väreiltään hieman ruskeaksi kuten akryyli. Se on erittäin yhteensopiva öljyjen kanssa. Väriasiassa se on hieman erilainen, mutta ne toimivat todella hyvin yhdessä tilassa. Käytän myös paljon lyijykynää. Paperit vaihtelevat erittäin painavasta ranskalaisesta akvarellipaperista kahteen painoluokkaan Cansonin jäljennöspaperia. Toinen on erittäin painava, nimeltään Opalux, toinen on ohuempi, ja molemmat ovat arkistoitavia. Olen työskennellyt viimeisen viisitoista vuotta parin kanssa Bostonissa, Jim ja Joan Wright, jotka ovat molemmat museon konservaattoreita, ja he opastivat minua tässä prosessissa. Jim opetti minulle, kuinka käyttää öljymaalia tämänkaltaisella paperilla ilman ongelmia. Olen tehnyt tätä jo pitkään, ja työ näyttää kestävän hyvin; minulla ei ole ollut mitään vaikeuksia sen kanssa. Käytän myös MSA-geeliä liimana, enkä laminoi kerrososia - liimaan niitä paikallisesti - ja painan niitä alas saadakseni geelin asettumaan. Kuivuminen kestää noin viikon.
Mainitset, että käytät yhden viiden vuoden ajan tiettyyn sarjaan. Miten ylläpidät motivaatiotasi etkä väsy?
Prosessini on melko pitkä, mutta se on myös monipuolinen. Se alkaa siveltimellä tehdyistä tutkimuksista, jotka ovat ensimmäisiä kohtaamisiani musiikin äänien ja liikkeen kanssa. Ja siveltimellä tehdyt tutkimukset kestävät ehkä kolmekymmentä sekuntia, ja se etenee siitä hitaasti rakentaen paksuja, kerroksellisia teoksia. Minulla ei ole ongelmia, koska prosessi on kehittynyt monien vuosien aikana ja se todella toimii minulle. Siitä on tullut kieli, jossa olen erittäin mukava, vaikka se on aina haaste. Ajattelen myös, että tietyssä vaiheessa tulee vain ammattilaiseksi, eikä sillä ole väliä, miltä minusta tuntuu tiettynä päivänä. On aika mennä töihin. Uin ratoja, nautin smoothien ja alan työskennellä. Olen oppinut, että jos pääni ei ole mukana, on olemassa erilaisia asioita, joita voin tehdä päästäkseni sisään. Yleensä tiedän edellisenä päivänä, mitä minun on tehtävä seuraavana päivänä. Kun yritän selvittää väriyhteyksiä, minun on vain istuttava siellä ja katsottava sitä, ja vaihdettava väriäytteitä, jotta näen, miten ne käyttäytyvät tilassa. Minulla on myös musiikki päällä. Joten prosessi itsessään vie minut eteenpäin, kun mieleni ja sydämeni eivät välttämättä ole siellä, mutta minun on päästävä sinne. Se kurinalaisuus tulee vain vuosien myötä.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 etuopetus, 2013. Gouache paperilla. 106,68 x 106,68 cm.
Miten valitset sisältösi ja aiheesi?
Aihe ja sisältö ovat hyvin erilaisia asioita. Sisältö on lopputulos tai tunteet, joita koet katsoessasi teosta. Aihe on jazz. Hyvin harvoilla abstrakteilla taiteilijoilla on tietoinen aihe. Huomasin hyvin varhain, etten voinut pitää kuvastoni tuoreena ilman, että menin ulkoiseen aiheeseen. Ja kamppailin sen kanssa noin kymmenen vuotta. Se tapahtui lopulta, kun kuuntelin jazzia. Olin matkalla Vermontiin laskettelemaan ja kuuntelin paikallista NPR-asemaa, ja siellä oli kappale Michel Camilolta, joka on dominikaaninen jazzpianisti. Yhtäkkiä tajusin, että ne tilat, joita näin mielessäni, olivat tiloja, jotka olivat läsnä hänen musiikissaan.
Se oli vuonna 1990, ja olen työskennellyt jazzin parissa siitä lähtien. Se on tietoista aihetta. Kesti useita vuosia kehittää, miten kehittäisin kuvastoa siitä. De Kooning ei koskaan nähnyt itseään abstraktina taiteilijana; hän katsoi jatkuvasti hahmoja ja maisemia, joskus myös asetelmia. Joan Mitchell, joka on yksi muita ikoneistani, oli erittäin pitkä ura abstraktina ekspressionistina, ja se on todella vaikeaa. Hän sai inspiraationsa maisemasta ja runoudesta. Hänellä oli useita ystäviä, jotka olivat runoilijoita, yksi heistä oli John Ashbury, ja hän "kuvitti" hänen runojaan. De Kooning ja Mitchell ovat harvoja, jotka ovat säilyttäneet tämän gestuaalisen ekspressionismin maalaustyylin koko uransa ajan.
Miten navigoit taidemaailmassa?
Ei kovin hyvin. Olen yksi niistä ihmisistä, jotka tietävät, miten olla liiketoimintamies, ja olen erittäin ammattimainen, mutta en tunne olevani kovin menestynyt tuolla saralla. Se on alue, jota työstän edelleen hyvin kovasti. Suurin este minulle on ollut se, että mitä olen voinut havaita, ihmiset, jotka katsovat paljon taidetta, sanovat aina minulle, että työni on jotain, mitä on pakko nähdä paikan päällä. Ei vain sitä, että työ on ainutlaatuista. Kukaan muu ei katso tai käytä materiaaleja tällä tavalla. Ainutlaatuisuus on etu, mutta se on myös vastuu, koska joillekin ihmisille on vaikeaa löytää tapaa samaistua siihen, mitä he näkevät, koska he eivät ole koskaan nähneet mitään tällaista.
Mainitset, että teoksesi ovat suuresti jazzmusiikin rytmien ja älyllisen tiukkuuden vaikutuksen alaisia. Mitä kuuntelet tällä hetkellä, mikä ruokkii työtäsi?
Kuuntelen itse asiassa etukäteen noin vuoden tai kaksi ennen kuin aloitan uuden projektin. Projektini voivat kestää yhdestä vuodesta viiteen vuoteen, joten jos aion työskennellä tietyn teoksen parissa niin pitkään, minun on parempi pitää siitä! Muuten olisin suurissa ongelmissa, jos se ei jää mieleeni. Olen juuri viimeistelemässä tätä Jazz Cubano -sarjaa, ja tartuin siihen, koska rakastan afro-kuubalaista jazzia. Rummut ovat niin monimutkaisia, että tajusin, että ainoa tapa selvittää ne on purkaa ne yksinkertaisimpiin osiin - yksi lyömäsoitin kerrallaan - ja sitten rakentaa itseni takaisin ylös. Tämä on ollut todella hauska sarja. Valmistan tämän varmasti syksyn loppuun mennessä, ja sitten aloitan CD-pituisen sävellyksen nimeltä The River, jonka on tehnyt chicagolainen pianisti ja säveltäjä nimeltä Ryan Cohan.
Se on kaunis teos, ja siinä on kahdeksan osaa, jotka on kirjoitettu hyvin huolellisesti. Jokaisen osan välissä on improvisoitu pianosegmentti - se on symbolisesti joki. Hänellä oli apuraha matkustaa Afrikkaan, ja Chamber Music America, joka myös rahoitti Edward Simonin Venezuelan Suitea, jota työstin viisi vuotta, rahoitti sävellyksen. Se, mitä Ryan on tehnyt, on ottaa afrikkalaisia rytmejä yhdessä kaiken muun kanssa, mihin hän on saanut vaikutteita, ja tehdä siitä jotain, joka oli todella hänen omaansa. Tämä on kauniisti sulatettu ja innovatiivinen musiikkikappale. Se on hyvin älykäs ja siinä on suuri tunneulottuvuus. Huomaan usein, että minut vetää puoleensa asiat sekä emotionaalisesti että älyllisesti. Odotan todella innolla The Riveriä. Aloitan sen myöhään syksyllä, tai ainakin ennen vuoden loppua.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simonin Venezuelan Suite 16, 2008. Paperit, öljy, flashe, lyijykynä, MSA-geeli. 106,68 x 106,68 cm.
Mistä taideteoksestasi olet eniten ylpeä ja miksi?
"Mielestäni ne teokset, joista olen onnellisin, ovat kahdessa eri ryhmässä: yksi olisi viimeiset teokset Venezuelan Suite -sarjassa, koska pystyin saavuttamaan tason monimutkaisuutta ja yksinkertaisuutta samanaikaisesti, mistä olin erittäin tyytyväinen. Pystyin vihdoin vangitsemaan musiikin nopeuden ilman, että se hävisi. Nautin myös todella paljon Jazz Cubano -sarjan piirustuksista. Ne ovat niin pelkistettyjä, mutta niissä on paljon purukkaa. Nämä olisivat ne kaksi ryhmää, joista sanoisin olevani äärimmäisen ylpeä. Mitä tulee tiettyyn teokseen, en oikeastaan osaa sanoa."
Mistä tiedät, milloin työ on valmis?
"Mielestäni tulee hetki, jolloin katson teosta, ja jokaisessa vaiheessa minun on tehtävä tuo päätös. Kun ei ole enää mitään, mitä haluaisin tehdä, tai kun tuntuu, että kaikki muu, mitä tekisin, on liikaa, silloin tiedän, että se on valmis. Odotan yleensä ja katson sitä hetken. Joskus tiedän heti, mitä tehdä, mutta joskus se vie aikaa. Jos on alue, joka ei liiku, yritän keksiä tavan saada se liikkumaan. Usein se tarkoittaa, että minun on säädettävä jotain muuta osaa maalauksesta. Se ei välttämättä ole se kohta itsessään; se voi olla jokin muu komponentti, joka saattaa tarvita muutosta. Yleensä nukun sen yli hetken. Saatan ajatella, että se on valmis, mutta odotan vain. Minun on tehtävä nämä päätökset ennen liimaamista. Kun leikkaan teoksen reunoja, joskus saan yllätyksen - eikä se aina ole hyvä. Aika ajoin kokoan jotain, eikä se ole sitä, mitä odotin. Joskus leikkaamisen jälkeen teos voi olla epätasapainossa, ja voin menettää teoksen, koska se ei enää näytä niitä tunteiden sävyjä, joita se aiemmin esitti."
Mitä fyysisen tilan omistaminen taiteen tekemiseen tarkoittaa prosessillesi, ja miten saat tilasi toimimaan puolestasi?
Minulla on vanha talo, kolmikerroksinen 1890-luvulta, tai mitä me kutsumme kaksikseen. Minulla on kolme kerrosta pohjoisvaloa ja olen kulmassa. Joten minulla on valtavasti valoa. Käytän koko ensimmäistä kerrosta studiokseni lukuun ottamatta keittiötäni. Toisessa kerroksessa minulla on toimisto ja olohuone, ja kolmannessa kerroksessa on liimaus- ja varastohuoneeni. Joten minulla on todella ei vain riittävästi, vaan myös hyvää tilaa, ja se on tehnyt valtavan eron. Pysyvä, runsas tila on ollut kuin taivaanlahja työlleni. Mahdollisuus asettua ja saada se toimimaan kunnolla on ollut uskomatonta. Joskus ajattelen, että voisin käyttää enemmän tilaa, mutta minulla on tarpeeksi tilaa!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo ja Elio, Ajatellen ääneen, 2016. Paperi, öljy, flashe, lyijykynä, MSA-geeli. 81,23 x 81,23 cm.
Mikä puhuu sinulle, kun näet abstraktin teoksen?
Minulle abstraktio (kun se on hyvää) on ajattelun selkeyttä, joka todella viehättää minua. Se voi olla väriä, se voi olla mustavalkoista, se voi olla täynnä kuvastoa tai se voi olla yksi muoto, joka leijuu kentällä. Mutta siinä on vain ajattelun laatu, joka on kirkas. Yksi suosikkiaikamme nykytaiteilijoista on kuvanveistäjä Martin Puryear. Kävelin kerran hänen teostensa retrospektiiviseen näyttelyyn MoMA:ssa, ja se vei minut sanattomaksi. Sama näyttely esitettiin Washington D.C.:ssä, ja järjestin koko aikatauluni uudelleen nähdäkseen sen uudelleen. Hän on loistava; hänen työnsä on niin puhdasta muotoa ja ajattelua. Hänen teoksissaan on viittauksia ajoneuvoihin, eläimiin, veneisiin. Abstraktio voi viitata todelliseen maailmaan ja silti olla abstraktia. Silmämme käyttävät samoja vihjeitä navigoidakseen maailmassa kuin ne käyttävät katsoessaan abstraktia taidetta. Silmämme oppivat tämän varhain elämässä. Käytämme samoja työkaluja katsoessamme abstraktia taidetta, mutta emme ole tietoisia siitä. Abstraktiossa on jotain, joka rakentaa ymmärrystämme maailmasta.
Oletko mukana tulevissa esityksissä tai tapahtumissa? Missä ja milloin?
Olen neuvotteluissa Saint Peter's Churchin kanssa Manhattanilla, jossa esitin viime keväänä - toivon voivani esitellä siellä toisen projektin, joka käsittelee Johtoa. Sen lisäksi saatan saada paikallisen näyttelyn tänä syksynä Wilmingtonissa, Delawaressa Jazz Cubano -sarjassa.
Esittelykuva: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Paperia, öljyä, flasheä, lyijykynää, MSA-geeliä. 81,3 x 119,4 cm.
