Haastattelu Ellen Priestin kanssa

Ellen Priest on jättänyt jälkensä taidemaailmaan eloisilla abstrakteilla kollaasimaalauksillaan yli kolmenkymmenen vuoden ajan. Hän on uransa alusta lähtien ammentanut vaikutteita Cézannelta ja 1990-luvulta lähtien jazzista, pyrkien vangitsemaan monien jazz-sävellysten liikkeet ja monimutkaiset rytmit eläväisissä siveltimenvedoissa. IdeelArtilla oli tilaisuus keskustella hänen työskentelyprosessistaan sekä saada käsitys hänen vaikutteistaan ja musiikkirakkaudestaan matkan varrella.

Mainitsit, että sinuun vaikutti suuresti näyttely nimeltä ”Cézanne: Myöhäiset teokset”, jossa esiteltiin hänen myöhäisiä vesivärimaalauksiaan Modernin taiteen museossa. Vaikuttaako hänen tyylinsä yhä teoksiisi ja läpäiseekö se niitä?

Oi kyllä. Se on hauskaa; se on yksi niistä oivalluksista, joita meillä on nuorena. Tämä jäi mieleeni. Ja silloin tiesin, että tämä oli jotain suurta. Philadelphian taidemuseossa on Cézannen myöhäinen maisema, jonka luona käyn aina, kun tarvitsen selkeyttä mieleeni, inspiraatiota tai ratkaisua johonkin. Seison sen maiseman edessä, kunnes ymmärrän sen. Hänen myöhäiset teoksensa ovat olleet jatkuva vaikutus, ja siitä on kulunut yli kolmekymmentä vuotta. Luulen, että hän keksi tavan käsitellä värejä, ja moni ei ymmärrä, että tietyn värin sijoittaminen on pohjimmiltaan piirtämistä. Cézanne ymmärsi, miten esineet tilassa leijuvat. Hänen ajattelutapansa tuntuu vastaavan omaani. Muodot ilmestyvät, sitten ne hälvenevät. Sitten ne ilmestyvät uudelleen ja katoavat taas, mikä antaa maalaukselle hengittämisen illuusion. Hän on minulle yhtä taianomainen kuin silloin, kun näin teoksen ensimmäisen kerran.

Tunnen itseni onnekkaaksi, rehellisesti sanottuna. Se kertoo hänen työnsä voimasta ja loistosta. Minulle hän oli yhtä merkittävä käännekohta kuin Giotto perspektiivin ja hahmojen käsittelyn suhteen tilassa. Aavistukseni on, että jos voisin hypätä viisisataa vuotta eteenpäin, ihmiset puhuisivat yhä Cézannesta merkittävänä käännekohtana. Se abstrakti ekspressionismi, joka kiehtoi minua varhaisesta asti, on minulle yhtä voimakas nyt. Olen onnekas, että löysin sen ja ymmärsin sen varhain. Yksinkertaisesti tajusin, mikä on minulle visuaalisesti voimakasta.

Voisitko kertoa työskentelyprosessistasi? Mitä materiaaleja ja tekniikoita käytät?

Käytän paperia; kaikki työni ovat paperille tehtyjä. Käytän maaleina flashea ja öljyä. Flashe on vinyylipohjainen vesiliukoinen maali, joka ottaa pigmentit kuten vesiväri ja guassi. Se ei muuta värejä hieman ruskehtaviksi kuten akryyli. Se sopii hyvin yhteen öljyjen kanssa. Väriltään se on hieman erilainen, mutta ne toimivat hyvin yhdessä tilassa. Käytän myös paljon lyijykynää. Paperit vaihtelevat hyvin paksusta ranskalaisesta vesiväripaperista kahteen paksuuteen Cansonin jäljentämökalvolla. Toinen on hyvin paksu, nimeltään Opalux, toinen ohuempi, ja molemmat ovat arkistokelpoisia. Olen työskennellyt viimeiset viisitoista vuotta Bostonissa pariskunnan, Jim ja Joan Wrightin, kanssa, jotka molemmat ovat museokonservaattoreita, ja he ovat ohjanneet minua tässä prosessissa. Jim opetti minulle, miten käyttää öljymaalia tämänkaltaiselle paperille ilman ongelmia. Olen tehnyt tätä pitkään, ja työ näyttää kestävän hyvin; en ole kohdannut vaikeuksia. Käytän myös MSA-geeliä liimana, enkä laminatoi kerroksia – liimaan ne paikallisesti – ja painan ne alas, jotta geeli asettuu. Kuivuminen kestää noin viikon.

Mainitsit, että käytät yhdellä sarjalla yhdestä viiteen vuotta. Miten pidät motivaation yllä etkä uuvu?

Prosessini on melko pitkä, mutta vaihteleva. Se alkaa sivellintutkimuksista, jotka ovat ensimmäisiä kohtaamisiani musiikin äänien ja liikkeen kanssa. Sivellintutkimukset kestävät ehkä kolmekymmentä sekuntia, ja siitä edetään hitaasti paksujen, kerroksellisten teosten rakentamiseen. Minulla ei ole vaikeuksia, koska prosessi on kehittynyt monien vuosien aikana ja toimii minulle hyvin. Se on muodostunut kieleksi, jossa olen hyvin mukava, vaikka se on aina haaste. Uskon myös, että jossain vaiheessa tulee ammattilaisuus, eikä sillä ole väliä, miltä minusta tuntuu sinä päivänä. On aika ryhtyä töihin. Uin muutaman kierroksen, juon smoothien ja ryhdyn töihin. Olen oppinut, että jos mieleni ei ole mukana, on monia keinoja päästä mukaan. Yleensä tiedän jo edellisenä päivänä, mitä seuraavana päivänä teen. Kun yritän selvittää värisuhteita, minun täytyy vain istua ja katsella, vaihtaen värinäytteitä nähdäkseni, miten ne käyttäytyvät tilassa. Minulla on myös musiikki päällä. Prosessi kantaa minua eteenpäin, vaikka mieli ja sydän eivät aina olisi mukana, mutta minun täytyy päästä sinne. Tämä kurinalaisuus tulee vuosien myötä.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 etututkimus, 2013. Guassi paperille. 106,68 x 106,68 cm.

Miten valitset sisältösi ja aiheesi?

Aihe ja sisältö ovat hyvin erilaisia asioita. Sisältö on lopputulos tai tunteet, joita koet katsellessasi teosta. Aiheena on jazz. Harvoilla abstrakteilla taiteilijoilla on tietoinen aihe. Huomasin varhain, etten pysty pitämään kuvastoani tuoreena ilman ulkopuolista aihetta. Kamppailin tämän kanssa noin kymmenen vuotta. Lopulta se tapahtui, kun kuuntelin jazzia. Olin matkalla Vermontiin laskettelemaan ja kuuntelin paikallista NPR-asemaa, jossa oli kappale Michel Camilolta, joka on dominikaaninen jazzpianisti. Yhtäkkiä tajusin, että tilat, joita näin mielessäni, olivat läsnä hänen musiikissaan.

Se oli vuonna 1990, ja siitä lähtien olen työskennellyt jazzin parissa. Se on tietoinen aihe. Kesti useita vuosia kehittää, miten kuvastoa siitä rakentaisin. De Kooning ei koskaan nähnyt itseään abstraktina taiteilijana; hän tarkasteli jatkuvasti hahmoja ja maisemia, satunnaisesti asetelmia. Joan Mitchell, joka on yksi muista ikoneistani, teki pitkän uran abstraktina ekspressionistina, mikä on todella vaativaa. Hän sai inspiraationsa maisemasta ja runoudesta. Hänellä oli useita runoilijaystäviä, joista yksi oli John Ashbury, ja hän ”kuvitti” hänen runojaan. De Kooning ja Mitchell ovat harvoja, jotka ovat säilyttäneet tämän eleellisen ekspressionismin maalaustyylin koko uransa ajan.

Miten navigoit taidemaailmassa?

En kovin hyvin. Olen sellainen, joka osaa olla liikemies ja olen hyvin ammattilainen, mutta en koe olevani kovin menestynyt sillä saralla. Se on alue, jolla teen edelleen kovasti töitä. Suurin esteeni on ollut se, että ihmiset, jotka katsovat paljon taidetta, sanovat aina, että työni on jotain, joka täytyy nähdä paikan päällä. Ei vain sitä, työ on ainutlaatuista. Kukaan muu ei katso tai käytä materiaaleja tällä tavalla. Ainutlaatuisuus on etu, mutta myös haitta, koska joidenkin on vaikea löytää yhteyttä siihen, mitä he näkevät, koska he eivät ole koskaan nähneet mitään tällaista.

Mainitsit, että teoksesi ovat suuresti vaikuttaneet jazz-musiikin rytmeistä ja älyllisestä kurinalaisuudesta. Mitä kuuntelet tällä hetkellä, mikä ruokkii työtäsi?

Kuuntelen itse asiassa jo vuotta tai kahta ennen uuden projektin aloittamista. Projektini voivat kestää yhdestä viiteen vuotta, joten jos aion työskennellä tietyn teoksen parissa niin kauan, minun on parempi pitää siitä! Muuten olisin pulassa, jos se ei jäisi mieleeni. Olen juuri lopettelemassa Jazz Cubano -sarjaa, ja tartuin siihen, koska rakastan afro-kuubalaista jazzia. Rytmit ovat niin monimutkaisia, että tajusin, että ainoa tapa ymmärtää ne oli pilkkoa ne yksinkertaisimpiin osiin – yksi lyömäsoitinääni kerrallaan – ja sitten rakentaa ne uudelleen. Tämä on ollut todella hauska sarja. Valmistan sen varmasti valmiiksi syksyn loppuun mennessä, ja sitten aloitan CD-pituista sävellystä nimeltä The River, jonka on tehnyt Chicagossa asuva pianisti ja säveltäjä Ryan Cohan.

Se on kaunis teos, jossa on kahdeksan huolellisesti kirjoitettua osaa. Jokaisen välissä on improvisoitu pianokohta – se symboloi jokea. Hän sai apurahan matkustaa Afrikkaan, ja Chamber Music America, joka myös rahoitti Edward Simonin Venezuelan Suitea, jota työskentelin viisi vuotta, rahoitti sävellyksen. Ryan on ottanut afrikkalaiset rytmit ja kaiken muun, mikä on häneen vaikuttanut, ja tehnyt siitä jotain todella omaa. Tämä on kauniisti sulateltu ja innovatiivinen musiikkiteos. Se on hyvin älykäs ja sisältää suuren tunneskaalan. Huomaan usein vetäytyväni sekä tunne- että älyllisesti asioihin. Odotan innolla The River -teosta. Aloitan sen myöhään syksyllä tai varmasti ennen vuoden loppua.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simonin Venezuelan Suite 16, 2008. Paperit, öljy, flashe, lyijykynä, MSA-geeli. 106,68 x 106,68 cm.

Mistä teoksistasi olet ylpein ja miksi?

Uskon, että ne teokset, joista olen kaikkein tyytyväisin, kuuluvat kahteen eri ryhmään: toinen on Venezuelan Suite -sarjan viimeiset teokset, koska sain aikaan tason, jossa monimutkaisuus ja yksinkertaisuus yhdistyivät tavalla, johon olin hyvin tyytyväinen. Vihdoin onnistuin vangitsemaan musiikin nopeuden ilman, että se hukkui. Nautin myös suuresti Jazz Cubano -sarjan piirustuksista. Ne ovat hyvin pelkistettyjä, mutta niissä on paljon voimaa. Nuo olisivat ne kaksi ryhmää, joista olen erittäin ylpeä. Yksittäisestä teoksesta en osaa sanoa.

Mistä tiedät, milloin työ on valmis?

Uskon, että tulee hetki, jolloin katson työtä, ja jokaisessa vaiheessa minun täytyy tehdä päätös. Kun en halua enää tehdä mitään lisää tai kun tuntuu, että kaikki lisätyö olisi liikaa, silloin tiedän, että työ on valmis. Yleensä odotan ja katselen sitä hetken. Joskus tiedän heti, mitä tehdä, mutta joskus se vie aikaa. Jos jokin kohta ei etene, yritän keksiä keinon saada se liikkeelle. Usein se tarkoittaa, että minun täytyy säätää jotain muuta kohtaa maalauksessa. Se ei välttämättä ole itse kohta, vaan jokin muu osa, joka tarvitsee muutosta. Yleensä nukun yön yli. Saatan ajatella, että työ on valmis, mutta odotan silti. Nämä päätökset on tehtävä ennen liimaamista. Kun leikkaan teoksen reunat, saan joskus yllätyksen – eikä se aina ole hyvä. Joskus kun kokoan teoksen, se ei ole sitä, mitä odotin. Joskus reunojen leikkaamisen jälkeen teos voi olla epätasapainossa, ja saatan menettää teoksen, koska se ei enää näytä sitä tunneskaalaa, mitä se aiemmin teki.

Mitä fyysinen tila taiteen tekemiseen merkitsee prosessillesi, ja miten saat tilasi toimimaan sinulle?

Minulla on vanha talo, kolmikerroksinen 1890-luvulta, tai kuten me sanomme, kaksirivitalo. Minulla on kolme kerrosta pohjoisen valoa, ja olen kulmassa. Joten minulla on valtavasti valoa. Käytän koko ensimmäisen kerroksen studioksi paitsi keittiön. Toisessa kerroksessa on toimistoni ja olohuone, ja kolmannessa kerroksessa liimaus- ja varastohuoneeni. Minulla on siis todella riittävästi ja hyvää tilaa, ja se on tehnyt valtavan eron työssäni. Pysyvä ja runsas tila on ollut siunaus työlleni. Pystyä asettumaan ja saada tila toimimaan kunnolla on ollut hämmästyttävää. Joskus ajattelen, että voisin tarvita enemmän tilaa, mutta minulla on tarpeeksi!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo ja Elio, Ajatuksia ääneen, 2016. Paperit, öljy, flashe, lyijykynä, MSA-geeli. 81,23 x 81,23 cm.

Mikä puhuttelee sinua abstraktissa teoksessa?

Minulle abstraktio (kun se on hyvää) sisältää selkeän ajattelun, joka todella vetoaa minuun. Se voi olla väriä, mustavalkoista, täynnä kuvastoa tai yksittäinen muoto, joka leijuu kentällä. Mutta siinä on ajattelun terävyys. Yksi suosikkini nykytaiteilijoista on kuvanveistäjä Martin Puryear. Kävin kerran hänen retrospektiivissään MoMAssa, ja se vei henkeni. Sama näyttely oli esillä Washington D.C.:ssä, ja järjestin koko aikatauluni uudelleen mennäkseni katsomaan sen uudelleen. Hän on loistava; hänen työnsä on muodon ja ajattelun puhtautta. Hänen teoksissaan on viittauksia ajoneuvoihin, eläimiin, veneisiin. Abstraktio voi viitata todelliseen maailmaan ja silti olla abstrakti. Silmämme käyttävät samoja vihjeitä liikkumiseen maailmassa kuin abstraktia taidetta katsellessa. Silmämme oppivat tämän varhain elämässä. Käytämme samoja työkaluja abstraktin taiteen katseluun, vaikka emme ole siitä tietoisia. Abstraktiossa on jotain, joka rakentaa ymmärrystämme maailmasta.

Oletko mukana tulevissa näyttelyissä tai tapahtumissa? Missä ja milloin?

Keskustelen Saint Peter’s Churchin kanssa Manhattanilla, jossa esitin viime keväänä – toivon voivani esitellä siellä toisen projektin, joka käsittelee The River -teosta. Sen lisäksi saatan pitää paikallisen näyttelyn täällä Wilmingtonissa, Delawaressa, tänä syksynä Jazz Cubano -sarjasta.


Esittelykuva: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Paperit, öljy, flashe, lyijykynä, MSA-geeli. 81,3 x 119,4 cm.