Willem de Kooning - Monien ristiriitojen mies
Willem de Kooning on helppo rakastaa ja helppo vihata. De Kooning on eeppinen hahmo 1900-luvun abstraktin taiteen tarinassa, osittain työnsä ja osittain persoonallisuutensa vuoksi. Hän syntyi vuonna 1904 ja kuoli vuonna 1997, hänen elämänsä kehysti vuosisadan. Vaikka hän ei ollut amerikkalainen kansalainen suurimman osan elämästään, hän kuitenkin ilmensi amerikkalaista myyttiä. Hän oli hurmaava ja karu, mutta herkkä. Hän teki kovasti töitä ja piti kovasti hauskaa. Hän oli loistava ja utelias ajattelija, ja myös hedelmällinen rakastaja. Hän vetosi ihmisiin ja palkitsi heidät anteliaasti rehellisyydellään ja avoimuudellaan. Hän oli vaikuttaja, joka antoi muiden vaikuttaa itseensä. 70 vuoden aikana ammattilaisena maalaajana De Kooning loi yhden monipuolisimmista ja voimakkaimmin vaikuttavista teossarjoista sukupolvensa keskuudessa. Mutta De Kooningin vihaajat väittävät hänen olleen huijari, lurjus ja juoppo. Lisäksi on se tosiasia, että hän maalasi teoksen, joka on tähän mennessä myytyjen kalleimpien taideteosten joukossa, abstraktin maiseman nimeltä Interchange. Tämä maalaus hämmentää joitakin katsojia, jotka eivät ymmärrä sen merkitystä, ja ärsyttää toisia, jotka pitävät sitä yhden hänen rakastajansa, Mary Abbottin, työn johdannaisena. Mutta vihan, kateuden, kritiikin, epäilyn ja rakkauden takana on vain taiteilija: joku, joka aloitti taiteellisen elämänsä tosissaan kaksitoistavuotiaana eikä koskaan lakannut luomasta, vaikka Alzheimerin tauti runneli häntä 80-vuotiaana.
Mikä on taiteilija?
18. helmikuuta 1949, 44-vuotiaana, Willem de Kooning sai kutsun Barnett Newmanilta (tai Barneyltä, kuten hän häntä kutsui) pitämään ensimmäisen julkisen luentonsa. Aiheena oli epätoivo. De Kooning aloitti lauseella: “Kiinnostukseni epätoivoon johtuu vain siitä, että joskus huomaan itseni joutuneen epätoivoon. Harvoin aloitan sillä tavalla.” De Kooning kuvaili luomisprosessia luontaisesti epätoivoiseksi, koska kaikki ajattelu ja toiminta ovat harmonian ja tyytyväisyyden vastakohtia. Hän kuvaili taiteilijoita ideoiden sortamiksi, niihin uppoutuneiksi, ikuisesti ajatteleviksi, ikuisesti toimiviksi ja siksi ikuisesti epätoivoisiksi.
Suuri osa hänen omasta epätoivostaan johtui siitä, että häntä vaivasi tarve olla alkuperäinen ja pelko jähmettymisestä. Luentonsa lopussa De Kooning määritteli, mitä taiteilija on. Hän sanoi: “Taiteilija on myös joku, joka tekee taidetta. Hän ei keksinyt sitä.” Mutta miten taiteilija voi olla omaperäinen, kun taide on vain loputon jäljittelyprosessi, pieni muunnelma siitä, mitä on tehty aiemmin? De Kooningin mukaan vastaus on vilpittömyys ja nöyryys. Taiteilija uudistaa rehellisen itseilmaisun kautta ja tunnustaa, että taiteilijat ovat aina osa jotain suurempaa: yhteisöä, historiaa, liikettä. Toisin sanoen, mikään taiteilijan tekemä ei ole tehty yksin.
Willem de Kooning - Fire Island, n. 1946, öljy paperille, 48,3 x 67,3 cm, Marguliesin perheen kokoelma © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016
Amerikkalaiseksi tuleminen
Willem de Kooning sitoutui taiteeseen nuorena. Hän syntyi Rotterdamissa, Alankomaissa, lopetti koulun kaksitoistavuotiaana ja aloitti oppipoikana suunnittelutoimistossa nimeltä Gidding & Zonen. Seuraavana vuonna hän aloitti rutiinin, jossa työskenteli päivisin suunnittelutoimistossa ja kävi iltakursseja Rotterdamin taideakatemiassa. Kuusitoistavuotiaana De Kooningilla oli palkkatyö taiteilijana tavaratalossa. Kaksikymmentävuotiaana hän muutti Brysseliin työskentelemään sisustusfirmassa.
Mutta varhaisesta menestyksestä huolimatta De Kooning ei vielä pitänyt itseään taiteilijana. Hän ei ollut edes varma halusiko tehdä taidetta lainkaan. Hän haaveili vain hyvästä elannosta ja jännittävästä elämästä. Näillä ajatuksilla mielessään hän kaksikymmentäkaksivuotiaana piiloutui brittiläiseen rahtilaivaan, joka oli matkalla Yhdysvaltojen itärannikolle. Kun laiva saapui satamaan, hän saapui maahan laittomasti ja suuntasi Hobokeniin, New Jerseyyn. Siellä Seamen’s Church Institute, järjestö, joka auttoi alankomaalaisia, otti hänet vastaan. He antoivat hänelle asunnon ja auttoivat löytämään työn talomaalarina.
Willem de Kooning - Nimetön (Nainen metsässä), n. 1963, öljy paperille, kiinnitetty Masonite-levylle, © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016
Elannon ansaitseminen
Vain vuoden jälkeen Amerikassa De Kooning sai työpaikan suunnittelutoimistosta New Yorkissa ja pystyi muuttamaan Manhattanille. Hän oli onnistuneesti saavuttanut suuren saavutuksen tullessaan Amerikkaan ja vakiinnuttaessaan asemansa yhdessä maailman kilpailukykyisimmistä kaupungeista. Mutta kaupungissa hän alkoi ystävystyä oikeiden taiteilijoiden, kuten Stuart Davisin, John Grahamin ja Arshile Gorkyn kanssa. Näiden taiteilijoiden työ vaikutti De Kooningiin elintärkeältä ja merkitykselliseltä, ja vähitellen hän tuli vakuuttuneeksi siitä, että vaikka hän ansaitsi hyvin, hän ei ollut vielä luonut itselleen oikeaa elämää.
Vuonna 1935, 31-vuotiaana, De Kooning jätti ammatillisen suunnittelijan uransa ja liittyi taiteilijaksi Works Progress Administrationiin. Hän otti tehtäväkseen seinämaalaukset ryhmässä. Siellä hän tapasi taiteilija Fernand Légerin ja alkoi vakiinnuttaa asemaansa taiteilijana, jolla oli ainutlaatuinen moderni tyyli. Tämä päätös omistautua pelkästään taiteelle muutti kaiken De Kooningin elämässä. Seuraavien viiden vuoden aikana hän tapasi nuoren maalarin Elaine Friedin, joka myöhemmin tuli hänen ensimmäiseksi vaimokseen, sekä maalarin Franz Klinen, joka tuli hänen rakkaimmaksi ystäväkseen.
Willem de Kooning - Nimetön, 1972, sarjasta 15-75, värillinen silkkipainatus Arches-kuitupaperille, 61,3 × 91,8 tuumaa, kuvat: Galerie d'Orsay, Boston
Kypsä De Kooning
Vaikka hän vakiinnutti nopeasti asemansa älykkönä vakavien taiteilijoiden yhteisössä sodanjälkeisessä New Yorkissa, vasta nelikymppisenä Willem de Kooning saavutti sen, mitä voitaisiin pitää kypsänä abstraktin maalaustaiteen tyylinä. Hän paljasti tämän tyylin ensimmäisen kerran vuonna 1948 ensimmäisessä yksityisnäyttelyssään Charles Egan Galleryssä. Näyttelyssä oli hänen kuuluisat mustat maalauksensa, joita legendan mukaan hän maalasi, koska hänellä ei ollut varaa muihin väreihin. Näyttely sai myönteistä huomiota lehdistössä, ja New Yorkin MoMA osti yhden noista mustista maalauksista.
Valitettavasti vuonna 1948 Arshile Gorky teki itsemurhan. Gorky oli tullut De Kooningin tärkeäksi ohjaajaksi ja rakkaaksi ystäväksi. He jakoivat yhteisen ahdistuksen maalaamisesta – sen epätoivon, joka tuli niin koskettavasti esiin De Kooningin ensimmäisessä julkisessa luennossa. Siitä huolimatta, ahdistuksestaan ja ystävänsä menetyksestä huolimatta, De Kooning kukoisti seuraavina vuosina. Hän perusti yhdessä muiden kanssa The Clubin, eli 8th Street Artists Clubin, legendaarisen kokoontumispaikan New Yorkin taidepiirin kirkkaimmille ajattelijoille. Vuonna 1950 hän valmistui monumentaalisen kankaansa Excavation kanssa, joka toi hänelle Logan-mitalin ja ostopalkinnon Chicagon taideinstituutilta, vahvistaen hänen maineensa New Yorkin koulukunnan keskeisenä jäsenenä ja tuoden hänelle kansallista tunnustusta.
Willem de Kooning - Maalaus, 1948, emali ja öljy kankaalle, 108,3 x 142,6 cm, Digitaalinen kuva © The Museum of Modern Art, New York
De Kooningin naiset
1940-luvun lopulla, juuri kun hän saavutti menestystä abstraktina maalarina, De Kooningia vedettiin myös takaisin hänen kuvataiteellisiin juuriinsa. Vuonna 1950 hän järkytti monia ihailijoitaan ja ystäviään näyttämällä sarjan puolikuvallisia teoksia, joita nyt kutsutaan hänen Woman-maalauksikseen. Woman-maalaukset yhdistivät hänen aiempien töidensä eleitä ja tyylillisiä elementtejä, mutta niihin lisättiin alkukantaisia kuvallisia esityksiä siitä, mitä De Kooning piti ikonisina naisina.
Merkintöjen energia ja väkivalta yhdistettynä groteskeihin kuviin sai monet katsojat olettamaan, että Woman-maalaukset ilmaisivat vihaa ja väkivaltaa naisia kohtaan. Mutta De Kooning piti itseään naisten puolestapuhujana. Hänellä oli monia rakastajia, eikä hän kokenut käytöstään tai maalauksiaan naisvihamielisiksi. Hän piti Woman-maalauksiaan mytologisina ja täynnä kunnioitusta ja leikillisyyttä. Nykyään nämä maalaukset ovat ehkä hänen tunnetuimpia teoksiaan. Mutta tuolloin monet taiteilijat ja kriitikot pitivät sitä harhaoppisena, että abstraktin New Yorkin koulukunnan avantgardisti kääntyisi takaisin kuvataiteeseen.
Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (vasemmalla) ja Willem Woman, 1949 (oikealla), © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016
Ainoa pysyvä asia
Noin viisi vuotta Woman-sarjansa aloittamisen jälkeen De Kooning muutti jälleen tyyliään, tällä kertaa takaisin abstraktioon. Ehkä maalari Mary Abbottin kanssa käymiensä ajatustenvaihtojen innoittamana hän alkoi maalata niin kutsuttuja abstrakteja maisemia. Nämä maisemat ilmenivät kolmessa eri vaiheessa, nimeltään Urban, Parkway ja Pastoral. Näissä maalauksissa ei kuitenkaan ollut juuri lainkaan kuvallisia elementtejä, jotka viittaisivat siihen, että De Kooning olisi kirjaimellisesti yrittänyt maalata maisemia.
Sen sijaan hänen maisemansa välittävät abstraktin tunteen hänen omasta vuorovaikutuksestaan luonnon ja rakennetun ympäristön kanssa. Ne ilmaisevat tiettyä etäisyyttä ja ehkä rauhaa. De Kooning oli alkanut viettää kesiä Hamptonsissa noin vuonna 1952 ja muutti lopulta pysyvästi syrjäiseen osaan Long Islandia 1960-luvulla. Nämä maisemamaalaukset alkoivat tuon muutoksen keskellä ja näyttävät ilmentävän vetovoimaa johonkin pois New Yorkin kaupungin hurjasta oravanpyörästä. Ne sisältävät myös De Kooningin usein siteeratun ajatuksen: “Sinun täytyy muuttua pysyäksesi samana.”
Willem de Kooning - Japanese Village, 1971, litografia, 71,8 × 101,6 cm, kuvat: Sragow Gallery, New York
De Kooning ja Alzheimerin tauti
1960- ja 70-luvuilla De Kooning kehitti jatkuvasti taiteellista toimintaansa. Hän kokeili litografiaa ja veistoksia sekä teki suuren määrän paperille tehtyjä töitä. Hän liikkui vapaasti abstraktion ja kuvallisuuden välillä, tutkien mitä tahansa lähestymistapaa ja aihetta, joita hänen intohimonsa vaativat. Hän pysyi uskollisena ajatukselle, että vain hän itse voi päättää, millaista taidetta hän tekee, sanoen: “On todella järjetöntä tehdä kuvaa, kuten ihmiskuvaa, maalilla nykyään, kun sitä ajattelee… Mutta sitten yhtäkkiä oli vielä järjettömämpää olla tekemättä sitä. Joten pelkään, että minun täytyy seurata halujani.”
De Kooning seurasi halujaan loppuun asti. 1980-luvun alussa hän lopetti alkoholin ja masennuslääkkeet, ja hänen maalaustyylinsä muuttui sen jälkeen harvemmiksi ja nopeammiksi. Häntä lähellä olevat uskoivat hänen osoittavan dementiaa, mutta hän sivuutti kritiikin ja maalasi innokkaasti eloisia, värikkäitä teoksia, jotka mestareiden kuten Matissen hengessä olivat yksinkertaisimpia ja pelkistettyjä, mitä hän oli koskaan luonut. Vaikka hän osoitti Alzheimerin taudin merkkejä, hän jatkoi maalaamista vielä kaksi vuotta.
Yksi viimeisistä Willem de Kooningin maalauksista, nimetön työ vuodelta 1989, öljy kankaalle, 72,4 x 55,9 cm, kuva Keno Auctionsin luvalla
De Kooningin legenda
Pintapuolisesti katsottuna Willem de Kooningilla oli poikkeuksellinen elämä: hän tuli Amerikkaan piilossa, eli laittomana maahanmuuttajana vuosikymmeniä, ja uppoutui sitten taiteilijaryhmään, joka muutti maailmaa. Silti hän oli vain ihminen. Hän koki ylä- ja alamäkiä, otti riskejä ja seurasi sydäntään. Hän kamppaili riippuvuuden kanssa, särki rakastajiensa sydämiä ja epäonnistui täyttämään omat odotuksensa. Hän oli vilpitön, aito ja ikuisesti itsetunnoltaan epävarma. Hän oli sekä poikkeuksellinen että täysin tavallinen.
Se, mikä tekee hänestä erottuvan, on ehkä hänen sitkeytensä. Hän ei koskaan lakannut ponnistelemasta. Se henki, joka oli siinä 12-vuotiaassa pojassa, joka jätti koulun tavoitellakseen luovaa uraa, pysyi De Kooningin mukana koko elämän ajan, ja hän palveli sitä henkeä hyvin. On sopivaa, että Rotterdamin taideakatemia, jossa De Kooning kävi iltakoulua nuorena, muutti nimensä hänen kuolemansa jälkeen Willem de Kooning Academieksi. Mikä parempi todistus taiteilijasta, joka pysyi johdonmukaisesti uskollisena taiteelleen, älylleen, intohimolleen ja nuoruuden rohkealle hengelle.
Kuvassa: Willem de Kooning - Excavation, 1950, öljy ja emali kankaalle, 206 x 254,6 cm, Chicagon taideinstituutti, © Chicagon taideinstituutti
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Phillip Barcio
