Kuuluisat abstraktit maalaukset, jotka muuttivat tapaamme havaita taidetta
"Mitä kuvia voimme saada, voisi sanoa, riippuu siitä, kuka on kuvittelemassa." - John Hospers, teoksesta An Introduction to Philosophical Analysis
"Me riippumme visionääreistä, jotka avaavat piilotettuja ovia, jotta voisimme nähdä osia maailmasta ja osia itsestämme, jotka muuten saattaisivat pysyä piilossa. Näkeminen on abstraktien taiteilijoiden erikoisuus, ja viimeisten yli 100 vuoden aikana monet kuuluisat abstraktit maalaukset ovat onnistuneet laajentamaan ihmiskunnan näkemystä. Ne visionäärit, jotka loivat nämä kuvat, eivät ainoastaan lahjoittaneet meille, katsojille, uusia asioita nähtäväksi; he tarjosivat meille täysin uusia tapoja nähdä."
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1910-luku – 1920-luku
Myönnettäköön, että jotkut valinnoistamme tässä artikkelissa saattavat olla kiistanalaisia, silläjokaisella abstraktin taiteen rakastajalla on erilaiset mieltymykset. Mutta useimmat todennäköisesti ovat samaa mieltä ensimmäisestä valinnastamme abstrakteista maalauksista, jotka muuttivat tapaamme nähdä taidetta. Wassily Kandinskyn Untitled (First Abstract Watercolor) maalattiin vuonna 1910, ja taidehistorioitsijat pitävät sitä ensimmäisenä täysin abstraktina maalauksena. Rohkea esitys kirkkaan värisistä pisteistä, tahroista ja viivoista luopuu kaikista visuaalisista viittauksista objektiiviseen todellisuuteen. Tämä maalaus vapautti taiteilijat aiheiden kahleista ja kutsui katsojia osallistumaan täysin uuteen tapaan siihen, mitä kuva voi olla.
Wassily Kandinsky - Nimettömänä (Ensimmäinen abstrakti akvarelli), 1910. Akvarelli ja intialainen muste sekä lyijykynä paperilla. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Pariisi
Yksitoista vuotta myöhemmin, vuonna 1921, Piet Mondrian maalasi ikonisen Tableau I:n. Kokeiltuaan jonkin aikaa nousevalla uudella äänellään, Tableau I vakiinnutti sen, mikä tulisi olemaan Mondrianin määrittelevä tyyli. Kovat mustat viivat ja ositettujen värialueiden tarjoamat näkymät antoivat katsojille vilauksen puhdistetusta geometriasta ja matemaattisesta tarkkuudesta. Teoksen puhtaat viivat ja tarkkuus eivät viitanneet mihinkään muuhun kuin muotoon, väriin ja viivaan. Teos avasi tyylin, joka vaikuttaisi sukupolvien ajan maalareihin, kuvanveistäjiin, arkkitehteihin ja suunnittelijoihin, ja se jatkaa luovien ajattelijoiden ohjaamista tänään.
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Öljy kankaalle. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Saksa
Vuonna 1925 Joan Miró purki esteet Abstraktion ja Surrealismiin maalauksellaan La mancha roja (Punainen täplä). Miró ei pitänyt itseään abstraktionistina. Hän sanoi tulleensa kotiin pieneen kotiinsa, nälkäisenä ja uupuneena, ja maalanneensa mielessään näkemänsä kuvat. La mancha roja (Punainen täplä) tasapainoilee ohuella rajalla antropomorfisen figuroinnin, unenomaisen totemin ja puhtaan abstraktion välillä. Jotain lapsellista, mutta kauheaa, piilee kuvan sisällä. Tämän teossarjan myötä Miró avasi oven painajaistemme ja uniemme piilotetulle ikonografialle.
Joan Miro - La mancha roja (Punainen täplä), 1925. Öljy ja pastelimaalaus kankaalle. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía -kokoelma. © Joan Miro -säätiö, Barcelona
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1930-luku – 1940-luku
Kun lännen maailma vaipui toiseen kertaan 1900-luvulla masennukseen, nälänhätään ja sotaan, abstraktio vakiinnutti asemansa merkittävänä voimana taidemaailmassa. Taiteilijat, jotka työskentelivät tässä tyylissä, käyttivät fantastista valikoimaa menetelmiä, jokainen myötävaikuttaen kasvaviin ponnisteluihin yhdistää jotain puhdasta, jotain totta ja jotain vapaata ihmishengessä. Suur-Britanniassa taiteilija Ben Nicholson laajensi abstraktia työtään kokoelmaksi, jota hän kutsui valkoisiksi reliefimaalauksiksi. Yksi hänen merkittävimmistä varhaisista teoksistaan, 1935 (valkoinen reliefi), rikkoi uusia visuaalisia rajoja, vakiinnuttaen Nicholsonin yhtenä Englannin abstraktion tärkeimmistä äänistä. Nicholson oli ystävä ja sai vaikutteita taiteilija Piet Mondrianilta. Valkoisten reliefitöiden myötä Nicholson kehitti Mondrianin käyttöä teräväreunaisista viivoista ja geometrisesta tilasta, tuoden esiin kolmiulotteista kerrostumista ja monochromista väripalettia. Nicholsonin ensimmäiset valkoiset reliefimaalaukset luotiin vuonna 1933, ja siihen mennessä, kun 1935 (valkoinen reliefi) luotiin, hän oli vakiinnuttanut tyylin, joka yhdisti abstraktion, konstruktivismin, betonitaiteen elementtejä, ja joka viittaa Minimalismin ja post-maalaus-abstraktion varhaisiin siemeniin.
Toisessa päässä spektriä 1930- ja 1940-luvuilla olivat abstraktit ekspressionistit, joita kutsuttiin myös New Yorkin kouluksi. He hylkäsivät täysin taiteilijoiden, kuten Mondrianin ja Nicholsonin, rationaalisen geometrian ja tilan vähentämisen, ja Ab Ex -taiteilijat pyrkivät yhdistämään työnsä primitiivisiin tunteisiin. Kukaan abstrakti ekspressionisti ei ollut yhtä vaikutusvaltainen ja menestyksekäs tyylin ilmentämisessä kuin Jackson Pollock.
Kohuttu alkoholisti ja neurootikko Pollock sai inspiraationsa psykoanalyyseistä kaivaakseen syvälle alitajuntaansa inspiraatiota. Hänen työnsä ammensi fyysisyydestä ja alitajuisista totemikuvista luodakseen voimakkaita kuvastoja modernista, sodanjälkeisestä ahdistuksesta. Yksi Pollockin ensimmäisistä roiskemaalaustöistä, Full Fathom Five, joka maalattiin vuonna 1947, muutti ikuisesti abstraktin taiteen. Tämä teos on yhdistelmä hänen aikaisemmasta sivellintyylistään ja hänen visionäärisestä roisketekniikastaan. Se sisältää kolikoita, tupakantumppeja ja muita satunnaisia esineitä hänen studiostaan, projisoiden tekstuurin ja syvyyden tason, joka on täysin uusi Abstraktiolle. Full Fathom Five merkitsi käännekohtaa Pollockin uralla ja muutti ikuisesti suhdettamme kankaaseen.
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Öljy kankaalla, jossa on nauloja, nuppineuloja, nappuloita, avain, kolikoita, savukkeita, tulitikkuja jne. 50 7/8 x 30 1/8 tuumaa. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1950-luku
1950-luvulle mennessä abstraktit ekspressionistit olivat vankasti vallanneet taidemaailman mielikuvituksen. Kaikkialla taiteilijat pyrkivät yhteyteen primitiivisen itsensä, alitajunnan ja piilotetun kuvaston kanssa. Tämän innostuksen keskellä nousi suuntaus rauhallisuuteen, joka syntyi osittain monien taiteilijoiden kasvavasta kiinnostuksesta itäisiin filosofioihin, kuten taoismiin ja zen-buddhalaisuuteen. Yksi syvimmistä liikkeistä, joka syntyi tästä ajasta, oli abstrakti maalaustyyli, jota kutsutaan Color Field Painting:iksi.
Värikenttämaalaamisen tavoite, kuten se on yleisesti ymmärretty, oli tutkia väriä itsenäisesti aiheesta, muodosta, viivasta ja muista kuvanteon rajoitteista. Maalarit pyrkivät meditaatiomaisiin ominaisuuksiin, ja jos se onnistui, se siirtyi teoksesta sen katsojiin.
Abstrakti taiteilija Helen Frankenthaler oli yksi Color Field -liikkeen syvimmistä äänistä. Hänen maalauksensa Mountains and Sea, joka maalattiin vuonna 1952, esitteli maailmalle uuden maalaustekniikan, jonka hän oli keksinyt ja jota kutsuttiin "soak-stain-prosessiksi". Tässä prosessissa Frankenthaler käytti terpentiiniä ohentamaan maalinsa koostumusta. Hän kaatoi varovasti ohennettua maalia käsittelemättömälle kankaalle lattialle, jolloin maali sai täysin imeytyä kankaan läpi, antaen teokselle täysin uuden tekstuurin ja ulkonäön. Soak-stain-prosessi loi yleviä värikenttiä, jotka saivat orgaanisia, muuntuvia muotoja, jotka koskettivat rauhoittavaa. Frankenthalerin Mountains and Sea on yksi Color Field -liikkeen ensimmäisistä menestyksistä ja se on edelleen yksi sen rakastetuimmista kuvista tänään.
Helen Frankenthaler - Vuoret ja meri, 1952. Öljy ja hiili kankaalla. 86 5/8 x 117 ¼ tuumaa. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Ehkä tunnetuin taiteilija, joka liitetään Color Field -taiteilijoihin, on Mark Rothko, taiteilija, joka myös jyrkästi hylkäsi tämän ja useimmat muut nimitykset. Rothko työskenteli täysin värin parissa, pyrkien avaamaan hengellisen tason, jolla hän ja katsojat voisivat kokea inhimillisten tunteiden syvyyden. Vaikka hän keskittyi täysin väriin, Rothko hylkäsi sen vain välineenä, jonka kautta tämä hengellinen yhteys voisi syntyä. Yksi Rothkon määrittävistä varhaisista teoksista oli No. 2, Green, Red and Blue, maalattu vuonna 1953. Tämä teos on ikoninen Rothkon tulevalle tuotannolle, vakiinnuttaen hänen äänensä ainutlaatuisena ja viehättävänä asukkaana sekä abstraktin taiteen että ylimaallisen hengellisyyden maailmoissa.
Mark Rothko - No. 2, Vihreä, Punainen ja Sininen, 1953. Yksityiskokoelma
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1960-luku – 1970-luku
Kun Abstraktio siirtyi 1960- ja 1970-luvuille, monet taiteilijat hylkäsivät jo sen perustavanlaatuiset ideat, palaten figuuriin ja tutkien käsitteellistä taidetta. Silti Abstraktion selkeyden ja vapauden voima piti edelleen suurta lupausta. Yksi tämän aikakauden ylevimmistä äänistä oli amerikkalainen abstrakti taiteilija Agnes Martin. Tunnettu viivaverkko maalauksistaan, Martin on edelleen ikoninen ääni Abstraktissa Taiteessa.
Agnes Martinin maalaus Night Sea, joka on tehty vuonna 1963, on yksi varhaisimmista esimerkeistä siitä, mitä hänen määrittelevä tyyli tulisi olemaan. Teoksessa lähes monochromatisen sinisen taustan leikkaa huolellinen kultalevyyn maalattu ruudukko. Tämä teos omaksuu värin, samalla kun se antaa yhtä suuren voiman viivalle. Se omaksuu yksinkertaisuuden samalla kun se viestii laajuudesta, monimutkaisuudesta ja keskinäisestä riippuvuudesta. Martin puhui siitä, kuinka viiva, hänelle, edusti viattomuutta. Hän toivoi, että viattomuuden tunne siirtyisi katsojille hänen teostensa kautta. Hänen kuvansa yksinkertaisuus ja suoruus tunteessa, jota hän toivoi välittävänsä, olivat keskeisiä tekijöitä, jotka auttoivat ylittämään kuilun abstraktin ekspressionismin ja minimalismin välillä.
Agnes Martin - Night Sea, 1963. Öljy ja kultalehti kankaalla. 72 x 72 tuumaa. © Agnes Martinin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
1970-luvulla Robert Motherwell ravisteli Abstraktion maailmaa jälleen kerran äänellä, joka vaikutti olevan Minimalismin viehätyksen vastakohta. Hänen primitiiviset, karheat eleensä välittivät energiaa, voimaa ja ahdistusta samanaikaisesti. Niissä oli stoista voimaa, mutta silti syvää tunnetta, joka ilmensi puhtaan Abstraktion voimaa ja vapautta.
Motherwellin määrittävä teos valmistui vuonna 1971 ja sen nimi oli Elegy to the Spanish Republic No. 110. Tämän maalauksen raivokas energia ympäröi katsojaa ja tuntuu purkautuvan kankaalta. Siinä on järkyttävää elinvoimaa, aggressiivisuutta, joka siirtää tunnetta ja raivoa tilaan. Aikana, jolloin monet taiteilijat pitivät Abstraktiota loppuun pelattuna, Motherwell sytytti voimakkaan uuden elämänvoiman tyyliin. Hänen tuore näkemyksensä ja itsevarma äänensä auttoivat Abstraktiota kestämään, ja se inspiroi ja voimaannuttaa abstrakteja taiteilijoita yhä tänä päivänä.
Robert Motherwell - Elegia Espanjan tasavallalle Nro 110, 1971. Akryyli grafiitin ja hiilen kanssa kankaalle. 82 x 114 tuumaa. Solomon R. Guggenheim -museo. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Lisensoitu VAGAn kautta Artists Rights Society (ARS), New York
Muutetaan käsitystämme tulevaisuudesta
Nykyajan nykyaikaiset abstraktit taiteilijat ovat velkaa jokaiselle näistä taiteilijoista, sekä siitä, miten he etsivät vapautta ilmaisutavoissaan että siitä, miten he auttoivat katsojia avaamaan mielensä uusille näkökulmille. Abstraktio avaa edelleen uusia ovia, kun yritämme ymmärtää loputtomia monimutkaisuuksia, joita kehittyvä yhteiskuntamme meille esittää. Vetämällä esimerkkejä menneiden suurten abstraktien taiteilijoiden töistä, nykypäivän ja tulevaisuuden abstraktit taiteilijat voivat toivottavasti auttaa meitä kääntämään nykyaikaisia ahdistuksiamme ja pelkojamme, ja auttaa meitä näkemään yli omien silmiemme rajoitusten.
Esittelykuva: Wassily Kandinsky - Kompositio VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Pariisi / Erich Lessing / Art Resource, NY
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park
