Kuuluisat abstraktit maalaukset, jotka muuttivat tapaamme havaita taidetta
”Millaisia kuvia voimme saada, riippuu voisi sanoa siitä, kuka kuvittelee.” - John Hospers, teoksesta An Introduction to Philosophical Analysis
Tarvitsemme visionäärejä avaamaan piilotettuja ovia, jotta voisimme nähdä välähdyksiä maailman ja itsemme puolista, jotka muuten saattaisivat jäädä piiloon. Näkeminen on abstraktien taiteilijoiden erityisalaa, ja viimeisten yli sadan vuoden aikana monet kuuluisat abstraktit maalaukset ovat onnistuneet laajentamaan ihmiskunnan näkökulmaa. Näitä kuvia luoneet visionäärit eivät ainoastaan antaneet meille katsojille lahjaksi uusia asioita nähtäväksi, vaan tarjosivat meille täysin uusia tapoja nähdä.
Nämä läpimurrot eivät rajoitu taidehistoriaan. Kunkin alla käsitellyn historiallisen taiteilijan rinnalla tarkastelemme IdeelArtin kautta saatavilla olevaa teosta, joka lähestyy samankaltaisia kysymyksiä viivasta, geometriasta, materiaalista tai väristä. Nämä rinnastukset kutsuvat katsomaan, eivätkä väitä suorasta vaikutuksesta: jokainen taiteilija antaa näille yhteisille kysymyksille oman kielensä.
Kuuluisia abstrakteja maalauksia: 1910-luku – 1920-luku
Myönnettäköön, että jotkin tämän artikkelin valinnoista saattavat herättää kiistaa, sillä jokaisella abstraktin taiteen ystävällä on erilainen maku. Useimmat ovat kuitenkin luultavasti samaa mieltä ensimmäisestä valinnastamme: abstraktit maalaukset, jotka muuttivat tapaa, jolla hahmotamme taiteen. Wassily Kandinskyn Nimetön (ensimmäinen abstrakti akvarelli) maalattiin vuonna 1910, ja taidehistorioitsijat pitävät sitä ensimmäisenä puhtaasti abstraktina maalauksena. Kirkkaanväristen täplien, tahrojen ja viivojen rohkea esittäminen luopuu kaikista viittauksista objektiiviseen todellisuuteen. Tämä maalaus vapautti taiteilijat aiheen kahleista ja kutsui katsojat osallistumaan täysin uudella tavalla sen pohtimiseen, mitä kuva voi olla.
Wassily Kandinsky - Nimetön (ensimmäinen abstrakti akvarelli) - 1910
Centre Georges Pompidou, Pariisi
Mitä tapahtuu, kun viivojen ja värien ei enää tarvitse kuvata esinettä? Teoksessa The Eye Macha Poynder tarjoaa nykytaiteellisen vastauksen: kiemurtelevat jäljet, keltaisen ja vaaleanpunaisen äkilliset välähdykset sekä sinisen kerrostumat luovat levottoman visuaalisen rytmin. Hänen työskentelynsä yhdistää automaattipiirustuksen, performatiiviset eleet ja intuitiiviset värivalinnat. Kandinskyn akvarellin rinnalla tarkasteltuna maalaus vihjaa, kuinka abstraktio voi muuttaa katsomisen aktiiviseksi kokemukseksi, jossa silmä seuraa suhteita kohteen tunnistamisen sijaan.
Yksitoista vuotta myöhemmin, vuonna 1921, Piet Mondrian maalasi ikonisen teoksensa Tableau I. Kokeiltuaan jonkin aikaa kehittyvää uutta ilmaisuaan Mondrian vakiinnutti Tableau I -teoksessa sen tyylin, josta tulisi hänen tunnusomainen tyylinsä. Jyrkät mustat viivat ja lokeroidut värikentät tarjosivat katsojille pilkahduksen puhdistetusta geometriasta ja matemaattisesta täsmällisyydestä. Teoksen selkeät linjat ja täsmällisyys eivät viitanneet mihinkään muuhun kuin muotoon, väriin ja viivaan. Teos aloitti tyylisuunnan, joka vaikuttaisi maalarien, kuvanveistäjien, arkkitehtien ja suunnittelijoiden sukupolviin ja ohjaa luovia ajattelijoita yhä tänä päivänä.
Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Köln, Saksa
Mondrianin geometria herättää myös kysymyksen, joka on yhä avoin: kuinka vähän kuva tarvitsee muuttaakseen tapaamme nähdä? Daniel Göttinin Untitled 1, 2016 lähestyy tätä aluetta toista reittiä. Valkoisten viivojen erottamat mustat ja harmaat pystysuuntaiset kentät muodostavat säännöllisen kuvion, jonka kontrastit vaihtelevat pinnan yli. Göttin ei toista Mondrianin tunnusomaista palettia, vaan tutkii mittasuhteita, toistoa, symmetriaa ja epäsymmetriaa. Yhteys syntyy katsojan kokemuksesta suhteista: viiva ei ole vain raja, vaan jotakin, mikä muuttaa sitä ympäröivää tilaa.
Vuonna 1925 Joan Miró häivytti abstraktion ja surrealismin väliset rajat maalauksellaan La mancha roja (Punainen läikkä). Miró ei pitänyt itseään abstraktionistina. Hän kertoi palanneensa pieneen kotiinsa nälkäisenä ja uupuneena ja maalanneensa kuvat, jotka hän näki mielessään. La mancha roja (Punainen läikkä) tasapainoilee antropomorfisen esittävyyden, unenomaisten toteemien ja puhtaan abstraktion ohuella rajalla. Kuvassa piilee jotakin lapsenomaista mutta samalla hirvittävää. Tällä teossarjalla Miró avasi selkosen oven painajaistemme ja uniemme kätkettyyn kuvastoon.
Joan Miro - La mancha roja (Punainen läikkä) - 1925
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofían kokoelma.
© Joan Miro Foundation, Barcelona
Mirón muodot leijuvat merkkien, kuviteltujen olentojen ja itsenäisten muotojen välillä. Samankaltainen moniselitteisyys elävöittää Daniela Marinin teosta Medusae I, jossa raidalliset, pilkulliset ja haarautuvat muodot jakavat valkoisen pinnan avointen geometristen rakenteiden kanssa. Ne viittaavat eläviin olentoihin muuttumatta kuitenkaan yksiselitteiseksi tunnistettavaksi näkymäksi. Marinin kuvasto tuo orgaaniset muodot vuoropuheluun kaupunkimaisen geometrian kanssa ammentaen hänen omista kokemuksistaan ja matkoistaan. Hänen kirkas, avara sommitelmansa poikkeaa Mirón maalauksessa kuvatusta levottomasta tunnelmasta, mutta molemmat kutsuvat katsojan liikkumaan tunnistamisen ja keksimisen välillä: muoto voi vaikuttaa elävältä muuttumatta kuvitukseksi.
Kuuluisia abstrakteja maalauksia: 1930-luku – 1940-luku
Kun läntinen maailma vajosi toisen kerran 1900-luvulla lamaan, nälänhätään ja sotaan, abstrakti taide oli vakiintunut merkittäväksi voimaksi taidemaailmassa. Taiteilijat käyttivät tyylisuuntauksessa monenlaisia menetelmiä, ja kukin osallistui kasvaviin pyrkimyksiin tavoittaa ihmisessä jotakin puhdasta, totta ja vapaata. Isossa-Britanniassa taidemaalari Ben Nicholson laajensi abstraktia tuotantoaan teossarjaksi, jota hän kutsui valkoisiksi reliefimaalauksiksi. Näihin teoksiin kuuluu White Relief, Quai d’Auteuil (1935), esimerkki lähestymistavasta, joka teki Nicholsonista yhden englantilaisen abstraktin taiteen tärkeimmistä äänistä. Nicholson oli taidemaalari Piet Mondrianin ystävä ja sai vaikutteita tältä. Valkoiset reliefiteokset laajensivat Mondrianin teräväreunaisten linjojen ja geometrisen tilan käyttöä tuomalla mukaan ulotteisen kerroksellisuuden ja monokromaattisen väripaletin. Nicholsonin ensimmäiset valkoiset reliefimaalaukset syntyivät vuonna 1933, ja vuoteen 1935 mennessä hän oli vakiinnuttanut tyylin, jossa yhdistyivät abstraktion ja konstruktivismin elementit sekä konkreettinen taide ja joka ennakoi minimalismin ja jälkimaalarillisen abstraktion varhaisia ituja.
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum
Nicholsonin reliefit tekevät tilasta itsestään aktiivisen osan abstraktiota tasojen, reunojen ja syvyyden välisten suhteiden kautta. Brittiläinen taidemaalari Jeremy Annear tarjoaa tähän aiheeseen vaikuttavan vuoropuhelun teoksellaan Construct (Red Disc and Triangle). Kerrostetut valkoiset, harmaat ja maanväriset muodot kiertyvät kaarevien ääriviivojen ympärille, kun taas punainen kiekko ja kolmio rytmittävät sommitelmaa. Annear rakentaa öljymaalauksensa kerrostetuista muodoista ja tekstuuripinnoista; tässä niiden limittäisyys viittaa kuvailun sijaan rakennettuun tilaan. Toisin kuin Nicholsonin valkoiset reliefit, tämä on värillinen maalaus, mutta yhteinen kysymys on, kuinka rajallinen muotokieli voi luoda tasapainon, jännitteen ja syvyyden tuntua.
Spektrin toisessa päässä 1930- ja 1940-luvuilla olivat abstraktit ekspressionistit, jotka tunnetaan myös New Yorkin koulukuntana. He hylkäsivät perusteellisesti Mondrianin ja Nicholsonin kaltaisten taiteilijoiden rationaalisen maantieteen ja tilan pelkistämisen ja pyrkivät teoksissaan yhteyteen alkukantaisen tunteen kanssa. Yksikään abstrakti ekspressionisti ei ollut yhtä vaikutusvaltainen tai onnistunut tyylin ruumiillistamisessa kuin Jackson Pollock.
Pahamaineinen alkoholisti ja neurootikko Pollock sai psykoanalyyseistä vaikutteita etsiessään inspiraatiota syvältä alitajunnastaan. Hänen teoksensa ammensivat fyysisyydestä ja tiedostamattomista toteemikuvista luodakseen kiihkeitä kuvauksia modernin sodanjälkeisen ajan ahdistuksesta. Yksi Pollockin ensimmäisistä valumamaalauksista, vuonna 1947 maalattu Full Fathom Five, muutti abstraktin taiteen pysyvästi. Teos on yhdistelmä hänen aiemmasta sivellintekniikastaan ja visionäärisestä valumistekniikastaan. Se sisältää kolikoita, savukkeentumppeja ja muita satunnaisia palasia hänen ateljeestaan, mikä tuo abstraktiin taiteeseen täysin uudenlaisen tekstuurin ja syvyyden. Full Fathom Five merkitsi käännekohtaa Pollockin uralla ja muutti pysyvästi suhdettamme kankaaseen.
Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
© 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society
Teokseen Full Fathom Five upotetut esineet muistuttavat, että maalaus voi olla enemmän kuin kuva: se voi olla tekojen ja materiaalien fyysinen kertymä. Anthony Frost tutkii tätä mahdollisuutta vaistonvaraisella prosessilla, jossa yhdistyvät maalaus ja kollaasi. Teoksessa Surface Pressure karheatekstuuriset siniset ja oranssit alueet leikkaa ulkoneva punainen kaistale, jolloin itse pinnasta tulee osa kohtaamista. Frostin löydettyjen materiaalien ja kerroksittaisen rakenteen käyttö eroaa jyrkästi Pollockin sotkuisista valumista, mutta molemmat teokset kutsuvat tarkastelemaan maalausta fyysisen vuorovaikutuksen kautta syntyvänä asiana, eivät vain ennalta suunniteltuna kuvana.
Kuuluisia abstrakteja maalauksia: 1950-luku
1950-luvulle tultaessa abstraktit ekspressionistit olivat vakiinnuttaneet asemansa taidemaailman mielikuvituksessa. Kaikkialla taiteilijat pyrkivät tavoittamaan alkukantaisen minän, tiedostamattoman mielen ja alitajunnan kätketyt kuvat. Tämän kiihkon keskellä syntyi rauhallisuuteen suuntautuva suuntaus, jota vauhditti osittain monien taiteilijoiden kasvava kiinnostus itämaisia filosofioita, kuten taolaisuutta ja zenbuddhalaisuutta, kohtaan. Yksi tämän ajanjakson merkittävimmistä liikkeistä oli abstraktin maalaustaiteen tyyli, joka tunnetaan nimellä Color Field -maalaustaide.
Color Field -maalaustaiteen tavoitteena, sellaisena kuin se yleisesti ymmärretään, oli tutkia väriä riippumattomana aiheesta, muodosta, viivasta ja muista kuvantekemisen rajoitteista. Taiteilijat tavoittelivat meditatiivista vaikutelmaa, joka onnistuneen teoksen tapauksessa siirtyi teoksesta katsojaan.
Abstrakti taidemaalari Helen Frankenthaler oli yksi Color Field -liikkeen merkittävimmistä äänistä. Vuonna 1952 maalatulla teoksellaan Mountains and Sea, Frankenthaler toi maailmalle uuden keksimänsä maalaustekniikan, jota kutsutaan ”imeytysvärjäysmenetelmäksi”. Tässä menetelmässä Frankenthaler ohensi maaliensa koostumusta tärpätillä. Hän kaatoi ohennetun maalin hienovaraisesti pohjustamattomalle lattialle levitetylle kankaalle, jolloin maali imeytyi kokonaan kankaan läpi ja antoi teokselle täysin uudenlaisen tekstuurin ja ulkonäön. Imeytysvärjäysmenetelmä loi yleviä värikenttiä, jotka omaksuivat orgaanisia, muuntuvia muotoja ja herättivät rauhallisia mielleyhtymiä. Frankenthalerin Mountains and Sea -teosta pidetään yhtenä Color Field -liikkeen ensimmäisistä onnistumisista, ja se on edelleen yksi sen mieleenpainuvimmista teoksista.
Helen Frankenthaler - Vuoret ja meri - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
Frankenthalerin maalaus avaa tilan muistissa säilyneen maiseman ja itsenäisten värikenttien välille. Greet Helsen lähestyy tätä tilaa omien luontokokemustensa kautta ja työskentelee tarkkojen kuvausten sijaan valon, muotojen ja värien synnyttämien vaikutelmien pohjalta. Teoksessa Dynamisch (Dynamic) läpikuultavat vaaleanpunaiset, siniset ja lilat sävyt liikkuvat ilmavalla pinnalla, jota rikkovat ohuet tummat viivat ja syvemmät värialtaat. Helsen ohentaa akryylimaaliaan huolellisesti niin, että peräkkäiset kerrokset jäävät näkyviin. Tämä ei ole sama prosessi kuin Frankenthalerin imeytysvärjäys, mutta teosten rinnastaminen osoittaa, kuinka läpinäkyvyys ja juokseva väri voivat vihjata maisemaan kuvaamatta sitä.
Ehkä kuuluisin Color Field -taiteilijoihin yhdistetty taiteilija on Mark Rothko, joka myös torjui kiivaasti tämän ja useimmat muutkin luokittelut. Rothko työskenteli yksinomaan värin parissa pyrkien avaamaan henkisen tason, jolla hän ja katsojat voisivat kokea inhimillisten tunteiden syvyyden. Vaikka Rothko keskittyi täysin väriin, hän piti sitä vain välineenä, jonka kautta tämä henkinen yhteys saattoi syntyä. Yksi Rothkon varhaisista merkkiteoksista oli vuonna 1953 maalattu No. 2, Green, Red and Blue. Tämä teos ennakoi ikonisesti Rothkon myöhempää tuotantoa ja vahvisti hänen omaleimaista ääntään sekä abstraktin taiteen että ylittävän henkisyyden maailmoissa.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
Voiko väri välittää tunteen kuvailematta sen aiheuttajaa? Tämä kysymys yhdistää Rothkon teoksen Kyong Leen teokseen Emotional Color Field 6, vaikka niiden visuaaliset kielet ovatkin erilaiset. Lee sommittelee vaakasuuntaisia raitoja, jotka etenevät syvän sinisestä ja violetista vaaleanpunaisen ja vaaleiden sävyjen kautta oranssiin ja punaiseen. Hänen prosessinsa perustuu tarkasti mitoitettuihin värikenttiin ja asteittaisiin värisiirtymiin, joiden avulla hän tutkii tunnetilan muutoksia. Siinä missä Rothkon pehmeäreunaiset muodot näyttävät leijuvan, Leen jaottelut ovat selkeitä ja järjestelmällisiä. Vuoropuhelu ei liity niinkään samankaltaisuuteen kuin siihen, miten yksi väri muuttaa kokemustamme seuraavasta ja miten näistä suhteista voi muodostua tunteiden kieli.
Kuuluisia abstrakteja maalauksia: 1960-1970-luvut
Kun abstrakti taide siirtyi 1960- ja 1970-luvuille, monet maalarit torjuivat jo sen perusajatukset, palasivat esittävään taiteeseen ja tutkivat käsitetaiteen maailmaa. Abstraktion selkeyden ja vapauden voima lupasi kuitenkin edelleen paljon. Yksi tämän ajanjakson ylevimmistä äänistä oli yhdysvaltalainen abstrakti taidemaalari Agnes Martin. Viivaruudukkomaalauksistaan tunnettu Martin on edelleen abstraktin taiteen ikoninen ääni.
Agnes Martinin vuonna 1963 tekemä maalaus Night Sea on yksi varhaisimmista esimerkeistä siitä, millaiseksi hänen tunnusomainen tyylinsä myöhemmin kehittyi. Teoksessa lähes yksivärisen sinisen taustan halkaisee kultalehdellä maalattu huolellisesti toteutettu ruudukkokuvio. Teos antaa väreille tilaa, mutta korostaa yhtä lailla viivan voimaa. Se omaksuu yksinkertaisuuden ja viestii samalla avaruudesta, monimutkaisuudesta sekä yhteen kietoutuneesta keskinäisestä riippuvuudesta. Martin puhui siitä, kuinka viiva edusti hänelle viattomuutta. Hän toivoi, että teoksen välittämä viattomuuden tunne siirtyisi katsojiin. Hänen kuviensa yksinkertaisuus ja niiden välittämän tunteen suoruus auttoivat merkittävästi kuromaan umpeen abstraktin ekspressionismin ja minimalismin välistä kuilua.
Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
Martinin pidättyväinen kuvakieli osoittaa, kuinka viiva voi pitää huomiomme kuvaamatta mitään. Richard Caldicottin Untitled, 2014 (Id.383) tarjoaa erilaisen, pelkistetyn kohtaamisen viivan ja tilan kanssa. Vaalealla pohjalla ohuet ja paksummat tummat viivat muodostavat avoimen kulmikkaan rakenteen punaisten ja keltaisten alueiden välille. Sen sijaan että Caldicott toistaisi Martinin ruudukon, hän pelkistää sommittelun muutamaan suhteeseen, joiden tasapaino tulee katsoessamme yhä ilmeisemmäksi. Hänen sarjamuotoiset paperiteoksensa tutkivat minimalistista, arkkitehtonista kieltä. Yhdistelmä kutsuu hitaampaan katselemiseen: ei aiheen etsimiseen, vaan tiedostamaan, kuinka välit, reunat ja tyhjä tila muovaavat kokemustamme.
1970-luvulla Robert Motherwell mullisti abstraktion maailman jälleen kerran äänellä, joka vaikutti minimalismin vetovoiman vastakohdalta. Hänen alkukantaiset, karut eleensä välittivät samanaikaisesti energiaa, voimaa ja ahdistusta. Niissä oli stoalaista voimaa, ja silti niistä nousi esiin syvällinen tunne, joka ilmensi puhtaan abstraktion voimaa ja vapautta.
Motherwellin määrittelevä teos syntyi vuonna 1971, ja sen nimi oli Elegy to the Spanish Republic No. 110. Tämän maalauksen raivoisa energia ympäröi katsojan ja näyttää pursuavan ulos kankaalta. Teoksessa on järkyttävää elinvoimaa ja aggressiivisuutta, joka siirtää tunteen ja raivon tilaan. Aikana, jolloin monet maalarit katsoivat abstraktion tulleen tiensä päähän, Motherwell puhalsi tyylisuuntaan voimakkaan uuden elämänvoiman. Hänen tuore näkemyksensä ja varma äänensä auttoivat abstraktiota säilymään ja inspiroivat sekä voimaannuttavat abstrakteja taiteilijoita yhä tänä päivänä.
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
Motherwellin Elegy osoittaa, kuinka toistuvat, voimakkaat muodot voivat antaa abstraktille maalaukselle emotionaalista painoa. Tommaso Fattovichin Punk lähestyy tätä painoa särmikkäämmän, monivärisen ilmaisun kautta. Mustat, vaaleanpunaiset, vaaleanvihreät ja oranssit pystysuuntaiset jaksot kohoavat karkean harmaanruskean pohjan läpi, ja niiden reunoissa näkyy peräkkäisten eleiden jälkiä. Fattovich kehittää sommitelmiaan intuitiivisesti reagoiden väreihin, kerroksiin, viivoihin ja muotoihin, kunnes kuva tuntuu valmiilta. Vertailu koskee siveltimenjäljen fyysistä läsnäoloa, ei aiheiden vastaavuutta: Fattovichin kaupunkivaikutteinen abstraktio ei jaa Motherwellin Elegy-teoksen erityistä historiallista merkitystä, mutta se tarjoaa toisen tavan kohdata ele intensiteetin välittäjänä.
Käsityksemme tulevaisuudesta muuttuu
Nykyajan abstraktit taiteilijat ovat velkaa jokaiselle näistä taiteilijoista sekä siksi, miten he tavoittelivat vapautta ilmaisutavoissaan, että siksi, miten he auttoivat katsojia avartamaan mieltään uusille näkemisen tavoille. Abstraktio avaa meille edelleen uusia ovia, kun yritämme ymmärtää niitä loputtomia monimutkaisuuksia, joita kehittyvä yhteiskuntamme tuo eteemme. Tukeutumalla menneisyyden suurten abstraktien taiteilijoiden esimerkkeihin tämän päivän ja huomisen abstraktit taiteilijat voivat toivottavasti auttaa meitä tulkitsemaan nykyajan huoliamme ja pelkojamme sekä näkemään omien silmiemme rajoitusten tuolle puolen.
Näiden historiallisten maalausten rinnalle asetetut teokset osoittavat, että nuo mahdollisuudet ovat edelleen avoinna. Poynderin levottomista viivoista ja Marinin kuviteltuihin orgaanisiin muotoihin sekä Göttinin ja Annearin rakennettuihin tiloihin ulottuva abstraktio tarjoaa monia tapoja aktivoida katsetta. Frostin materiaaliset pinnat, Helsenin läpikuultava väri, Leen emotionaaliset jaksot, Caldicottin pelkistetyt rakenteet ja Fattovichin voimakkaat siveltimenjäljet vievät keskustelua eri suuntiin. Ne eivät korvaa historiallisia teoksia eivätkä toista niiden saavutuksia. Sen sijaan ne kutsuvat meitä viemään oppimamme uusiin kohtaamisiin ja huomaamaan, kuinka abstraktio muuttaa edelleen tapaamme katsoa.
Esittelykuva: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Kaikkia kuvia käytetään ainoastaan havainnollistamistarkoituksiin
Phillip Barcio (2016), toimittanut Francis Berthomier (2026)
