Kuuluisat abstraktit maalaukset, jotka muuttivat tapaamme havaita taidetta
”Millaisia kuvia voimme saada, voisi sanoa, riippuu siitä, kuka kuvia mielessään luo.” - John Hospers, teoksesta Johdatus filosofiseen analyysiin
Me tarvitsemme näkemisen taitajia avaamaan piilotettuja ovia, jotta voisimme vilkaista maailmaa ja itseämme, jotka muuten saattaisivat jäädä näkymättömiin. Näkeminen on abstraktien taiteilijoiden erikoisalaa, ja yli sadan vuoden aikana monet kuuluisat abstraktit maalaukset ovat onnistuneet laajentamaan ihmiskunnan näkökulmaa. Ne visionäärit, jotka loivat nämä kuvat, eivät ainoastaan antaneet meille katsojille lahjaa nähdä uusia asioita; he tarjosivat meille kokonaan uusia tapoja nähdä.
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1910-luku – 1920-luku
Myönnettäköön, että jotkut tämän artikkelin valinnoista saattavat herättää kiistaa, sillä jokaisella abstraktin taiteen ystävällä on erilaiset mieltymykset. Mutta useimmat varmaankin yhtyisivät ensimmäiseen valintaamme abstrakteista maalauksista, jotka muuttivat tapamme nähdä taidetta. Wassily Kandinskyn Nimetön (Ensimmäinen abstrakti vesiväri) maalattiin vuonna 1910, ja taidehistorioitsijat pitävät sitä ensimmäisenä täysin abstraktina maalauksena. Rohkea esitys kirkkaasti väritetyistä pilkuista, tahroista ja viivoista luopuu kaikista visuaalisista viittauksista objektiiviseen todellisuuteen. Tämä maalaus vapautti taiteilijat aiheen kahleista ja kutsui katsojat osallistumaan täysin uudella tavalla kuvan käsitteeseen.
Wassily Kandinsky - Nimetön (Ensimmäinen abstrakti vesiväri), 1910. Vesiväri, intianmuste ja lyijykynä paperilla. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Pariisi
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Öljy kankaalle. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Saksa
Vuonna 1925 Joan Miró murskasi rajat abstraktion ja surrealistisen taiteen välillä maalauksellaan La mancha roja (Punainen läiskä). Miró ei pitänyt itseään abstraktion edustajana. Hän kertoi palaavansa kotiinsa, nälkäisenä ja uupuneena, ja maalaavansa mielessään näkemänsä kuvat. La mancha roja (Punainen läiskä) tasapainottelee ohuella rajalla ihmismäisen hahmottelun, unenomaisen totemismin ja puhtaan abstraktion välillä. Kuvassa piilee jotain lapsenomaista, mutta samalla kauhistuttavaa. Tämän teossarjan myötä Miró avasi oven piilotetulle kuvastolle, joka liittyy painajaisiimme ja unelmiimme.
Joan Miro - La mancha roja (Punainen läiskä), 1925. Öljy ja pastelli kankaalle. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía -kokoelma. © Joan Miro Foundation, Barcelona
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1930-luku – 1940-luku
Kun länsimaailma vajosi 1900-luvun toisella vuosikymmenellä jälleen masennukseen, nälänhätään ja sotaan, abstraktio vakiinnutti asemansa merkittävänä voimana taidemaailmassa. Taiteilijat käyttivät monenlaisia menetelmiä työskennellessään tässä tyylissä, kukin omalta osaltaan pyrkien yhdistymään johonkin puhtaaseen, toteen ja vapaaseen ihmishengen sisällä. Isossa-Britanniassa maalari Ben Nicholson laajensi abstraktia työtään valkoisten kohopintamaalausten sarjaksi. Yksi hänen varhaisista merkkiteoksistaan, 1935 (valkoinen kohopinta), rikkoi uutta visuaalista maata ja vakiinnutti Nicholsonin yhdeksi englanninkielisen abstraktion tärkeimmistä äänistä. Nicholson oli ystävä ja vaikutteiden saaja maalari Piet Mondrianilta. Valkoiset kohopintateokset laajensivat Mondrianin kovareunaisia viivoja ja geometrisia tiloja tuomalla mukaan kolmiulotteisen kerrostamisen ja yksivärisen paletin. Nicholsonin ensimmäiset valkoiset kohopintamaalaukset syntyivät vuonna 1933, ja kun 1935 (valkoinen kohopinta) valmistui, hän oli vakiinnuttanut tyylin, joka yhdisti abstraktion, konstruktivismin, konkreettisen taiteen ja joka vihjaa minimalismin ja post-painterly-abstraktion varhaisiin siemeniin.
Toisessa ääripäässä 1930- ja 1940-luvuilla olivat abstraktit ekspressionistit, joita kutsuttiin myös New Yorkin kouluksi. He hylkäsivät täysin rationaalisen maantieteen ja tilan supistamisen, jota taiteilijat kuten Mondrian ja Nicholson edustivat, ja pyrkivät yhdistymään työssään alkukantaiseen tunteeseen. Kukaan abstraktin ekspressionismin edustajista ei ollut yhtä vaikutusvaltainen ja menestynyt tyylin ilmentäjänä kuin Jackson Pollock.
Kuuluisa alkoholisti ja neuroottinen Pollock sai psykoanalyysista inspiraatiota kaivaa syvältä alitajuntaansa. Hänen työnsä ammensi fyysisyydestä ja tiedostamattomista totemikuvista luodakseen voimakkaita kuvauksia sodanjälkeisestä ahdistuksesta. Yksi Pollockin ensimmäisistä tiputustekniikalla tehdyistä maalauksista, Full Fathom Five, maalattu vuonna 1947, muutti abstraktin taiteen ikuisesti. Tämä teos yhdistää hänen aiemman sivellintyylinsä ja visionäärisen tiputustekniikkansa. Siinä on kolikoita, tupakantumppeja ja muita satunnaisia esineitä hänen ateljeestaan, mikä tuo abstraktioon täysin uudenlaisen tekstuurin ja syvyyden. Full Fathom Five merkitsi käännekohtaa Pollockin uralla ja muutti ikuisesti suhteemme kankaaseen.
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Öljy kankaalle naulojen, nastojen, nappien, avaimen, kolikoiden, tupakkien, tulitikkujen ym. kanssa. 50 7/8 x 30 1/8 tuumaa. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1950-luku
1950-luvulla abstraktit ekspressionistit olivat vakiinnuttaneet asemansa taidemaailman mielikuvituksessa. Taiteilijat kaikkialla pyrkivät yhdistymään alkuperäiseen itseen, tiedostamattomaan mieleen ja alitajunnan piilotettuihin kuviin. Tämän innostuksen keskellä syntyi suuntaus kohti rauhallisuutta, osittain monien taiteilijoiden kasvaneen kiinnostuksen myötä itämaisia filosofioita, kuten taolaisuutta ja zenbuddhalaisuutta kohtaan. Yksi tämän ajan merkittävimmistä liikkeistä oli abstrakti maalaustyyli, joka tunnetaan nimellä Värikenttämaalaus.
Värikenttämaalauksen tavoitteena, kuten yleisesti ymmärretään, oli tutkia väriä erillään aiheen, muodon, viivan ja muiden kuvan tekemisen rajoitteiden vaikutuksesta. Maalarit tavoittelivat meditatiivista laatua, ja jos siinä onnistuttiin, se siirtyi teoksesta katsojille.
Abstrakti maalari Helen Frankenthaler oli yksi värikenttäliikkeen syvällisimmistä äänistä. Maalauksellaan Mountains and Sea, maalattu vuonna 1952, Frankenthaler esitteli maailmalle uuden maalaustekniikan, jonka hän oli keksinyt, nimeltään ”imeytymätahra-prosessi”. Tässä prosessissa Frankenthaler ohensi maalinsa tärpätillä. Hän kaatoi ohuen maalin varovasti pohjaamattomalle kankaalle lattialla, antaen maalin imeytyä kokonaan kankaan läpi, mikä antoi teokselle täysin uudenlaisen pinnan ja ulkonäön. Imeytymätahra-prosessi loi yleviä värikenttiä, jotka saivat orgaanisia, muuntuvia muotoja ja koskettivat rauhaa. Frankenthalerin Mountains and Sea on yksi värikenttäliikkeen ensimmäisistä menestyksistä ja on edelleen yksi sen rakastetuimmista kuvista.
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Öljy ja hiili kankaalle. 86 5/8 x 117 ¼ tuumaa. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Ehkä tunnetuin värikenttämaalareihin liitetty taiteilija on Mark Rothko, joka myös voimakkaasti hylkäsi tämän ja useimmat muut nimitykset. Rothko työskenteli kokonaan värin parissa, pyrkien avaamaan henkisen tason, jolla hän ja katsojat voisivat kokea ihmisen tunteiden syvyyden. Vaikka hän keskittyi täysin väriin, Rothko piti sitä vain välineenä tämän henkisen yhteyden luomiseksi. Yksi Rothkon varhaisista tunnusomaisista teoksista oli No. 2, Green, Red and Blue, maalattu vuonna 1953. Tämä teos on ikoninen Rothkon myöhemmälle tuotannolle, ja se vakiinnutti hänen äänensä ainutlaatuisena ja rakastettavana sekä abstraktin taiteen että yliluonnollisen henkisyyden maailmoissa.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. Yksityiskokoelma
Kuuluisat abstraktit maalaukset: 1960-luku – 1970-luku
Kun abstraktio eteni 1960- ja 1970-lukuihin, monet maalareista hylkäsivät jo sen perusajatukset, palasivat hahmotteluun ja tutkivat käsitteellistä taidetta. Siitä huolimatta abstraktion selkeyden ja vapauden voima piti yhä suurta lupausta sisällään. Yksi tämän ajan ylevimmistä äänistä oli amerikkalainen abstrakti maalari Agnes Martin. Tunnettu viivakuvioiduista ruutumaalauksistaan, Martin on edelleen abstraktin taiteen ikoninen ääni.
Agnes Martinin maalaus Night Sea, vuodelta 1963, on yksi varhaisimmista esimerkeistä hänen tunnusomaisesta tyylistään. Teoksessa lähes yksivärinen sininen tausta on risteyksessä huolellisen ruutukuvion kanssa, joka on maalattu kultalehdellä. Tämä työ omaksuu värin, mutta antaa yhtä suuren voiman viivalle. Se omaksuu yksinkertaisuuden samalla kun välittää laajuutta, monimutkaisuutta ja kietoutuneen keskinäisriippuvuuden tunnetta. Martin puhui siitä, kuinka viiva edusti hänelle viattomuutta. Hän toivoi, että viattomuuden tunne välittyisi katsojille hänen työnsä kautta. Hänen kuvien yksinkertaisuus ja suora tunne, jonka hän toivoi välittävänsä, olivat ratkaisevia sillanrakentajia abstraktin ekspressionismin ja minimalismin välillä.
Agnes Martin - Night Sea, 1963. Öljy ja kultalehti kankaalle. 72 x 72 tuumaa. © Agnes Martinin perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
1970-luvulla Robert Motherwell ravisteli abstraktion maailmaa jälleen äänellä, joka vaikutti olevan minimalismin houkutuksen vastakohta. Hänen alkukantaiset, karheat eleensä välittivät energiaa, voimaa ja ahdistusta yhtä aikaa. Niissä oli stoalainen vahvuus, mutta samalla syvä tunne, joka ilmensi puhtaan abstraktion voimaa ja vapautta.
Motherwellin määrittävä työ syntyi vuonna 1971, ja se nimettiin Elegy to the Spanish Republic No. 110:ksi. Tämän maalauksen raivoisa energia ympäröi katsojan ja tuntuu purskahtavan kankaan pinnalta. Siinä on järkyttävä elinvoima, aggressio, joka siirtää tunteita ja raivoa tilaan. Aikana, jolloin monet maalareista pitivät abstraktiota jo loppuun kuluneena, Motherwell toi tyyliin voimakkaan uuden elämänvoiman. Hänen raikas näkemyksensä ja itsevarma äänensä auttoivat abstraktiota kestämään ja inspiroivat sekä vahvistavat abstrakteja taiteilijoita yhä tänä päivänä.
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. Akryyli, grafiitti ja hiili kankaalle. 82 x 114 tuumaa. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), New York
Muuttamassa käsitystämme tulevaisuudesta
Nykypäivän nykytaiteen abstraktit taiteilijat ovat velkaa jokaiselle näistä taiteilijoista, sekä tavoista, joilla he etsivät vapautta ilmaisutavoissaan, että tavoista, joilla he auttoivat katsojia avaamaan mielensä uusille näkemisen tavoille. Abstraktio jatkaa uusien ovien avaamista meille, kun yritämme ymmärtää jatkuvasti monimutkaistuvaa yhteiskuntaamme. Ottamalla oppia menneiden suurten abstraktien taiteilijoiden esimerkeistä, tämän päivän ja tulevaisuuden abstraktit taiteilijat voivat toivottavasti auttaa meitä tulkitsemaan nykyisiä ahdistuksiamme ja pelkojamme sekä auttamaan meitä näkemään oman katseemme rajoitusten yli.
Kuvassa: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Pariisi / Erich Lessing / Art Resource, NY
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
