Abstraktin taiteen historian määrittävät hetket

Sanat voivat olla niin kiistanalaisia. Haluamme vain keskustella abstraktin taiteen historiasta. Mutta tuo lause on täynnä käsitteellisiä vaaroja. (Kenen historia? Mikä on taide? Mitä tarkoittaa olla abstrakti?) Tarkkuuden vuoksi, ehkä meidän pitäisi nimetä tämä artikkeli jotenkin näin: "Määrittävät hetket tapahtumaketjussa, joka koostuu länsimaiseen sivilisaatioon liittyvistä yleisesti hyväksytyistä aikajanoista, jotka koskevat itseään kuvaavien taiteilijoiden luomia esineitä ja ilmiöitä, jotka eivät pyri edustamaan objektiivista visuaalista todellisuutta." Mutta se ei ole juuri klikkauksia keräävä otsikko. (Vai onko?) Mielenrauhan vuoksi, laitetaan semantiikka syrjään ja aloitetaan vain alusta.

Abstraktin taiteen esihistoria

Esihistoriallisten luolaihmisten varhaisimpia merkkejä olivat viivat, naarmut ja kädenjäljet. Paras tulkintamme on, että ne olivat symbolisia. Tehdäänkö niistä siis ensimmäiset esimerkit abstraktista taiteesta ? Ehkä. Mutta edes muinaisten esi-isien jättämät esittävät kuvat eivät ole tarkasti valokuvarealistisia. Analyysissamme puuttuu ymmärrys varhaisimpien taiteilijoidemme aikomuksista. Kun puhumme abstraktista taiteesta, tarkoittamme taidetta, joka oli erityisesti tarkoitettu abstraktiksi. Koska emme voi tietää, mitä esihistorialliset taiteilijat halusivat viestiä kuvillaan, emme voi arvioida, oliko se abstraktia tai edes taidetta. Se saattoi olla hyötykäyttöön tarkoitettua, siitä meillä ei ole tietoa. Joten siirrymme eteenpäin, kauas eteenpäin, aikaan, jota on paremmin dokumentoitu, jolloin taiteilijoiden aikomukset olivat selvempiä.

Henri Matisse - Nainen hatun kanssa, 1905, Öljy kankaalle, 31 3/4 × 23 1/2 tuumaa, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Ennen 1800-luvun alkua on turvallista sanoa, että valtaosa taiteilijoista suurimman osan ajasta ei nauttinut ylellisyydestä päättää, mitä he tekisivät. Suurin osa esirromanttisen aikakauden taiteilijoista nojasi uskonnollisten instituutioiden tai jonkin muun autoritaarisen vallan tukeen selvitäkseen. Kuningaat ja pyhät miehet määrittivät siten suurimman osan näiden taiteilijoiden teosten aiheita. Kun tämä suojelujärjestelmä heikkeni, taiteilijoille avautui muita selviytymiskeinoja. Galleriajärjestelmä syntyi; itsenäiset taidekauppiaat alkoivat edustaa taiteilijoiden teoksia; varakkaat yksilöt ja yksityiset instituutiot alkoivat tukea taiteilijoita ja kerätä heidän teoksiaan. Ensimmäistä kertaa taiteilijoille annettiin mahdollisuus vastata itse kysymykseen: "Mitä haluan tehdä?" Heti perään tuli seuraava väistämätön kysymys: "Miksi haluan tehdä sen?" Vastaus tähän kysymykseen on yksi keskeisistä syistä abstraktin taiteen lopulliseen nousuun, ja se on ehkä kestävin käsite, joka on noussut esiin romanttiselta aikakaudelta; yksi, jota monet aikakauden ajattelijat ilmensivät, ja ranskalaiset tiivistivät sanoin: "L'art pour l'art." Taide taiteen vuoksi. Tai kuten kirjailija Edgar Allen Poe sanoi vuonna 1850:"…jos vain sallisimme itsellemme katsoa omiin sieluihimme, löytäisimme heti, että auringon alla ei ole eikä voi olla mitään teosta, joka olisi täydellisemmin arvokas, ylevämpi kuin tämä runo…kirjoitettu ainoastaan runon vuoksi."

Andre Derain - Kuivuvat purjeet, 1905, öljy kankaalle, 82 x 101 cm, © Pushkinin museo, Moskova

Ensivaikutelmat

Kun taiteilijat vapautuivat ennalta määrättyjen aiheiden rajoituksista, he alkoivat vapauttaa itsensä myös muista rajoituksista. Noin 1850-luvulta 1870-luvulle Aesthetic Movement antoi taiteilijoille valtuudet luoda taidetta puhtaasti esteettisistä syistä, sen sijaan että keskityttäisiin kulttuuriin, yhteiskuntaan ja politiikkaan liittyviin aiheisiin. Sitten tulivat impressionistit, Pariisissa toimivat taiteilijat, jotka tekivät teoksia, joissa keskityttiin voimakkaasti valon laadun kuvaamiseen, aloittaen yksittäisten esteettisten elementtien tislaamisen taideteoksessa. 1880-luvulla taiteilija Georges Seurat kehitti tekniikan, jossa kuva rakennettiin kokonaan pienistä pisteistä. Tätä tekniikkaa, jota kutsutaan pointillismiksi, käytettiin vääristyneiden, mutta silti esittävien kuvien luomiseen. Pointillismi edisti kokeellisten siveltimenvetojen ja komposition tekniikoiden nousua, jotka viittasivat suuntaan kohti abstraktiota. Tätä suuntausta laajennettiin koko post-impressionistisen kauden ajan, kun taiteilijat alkoivat kokeilla symboliikkaa ja satunnaista värin, muodon ja viivan käyttöä.

Kaikki on subjektiivista

1900-luvulla ekspressionistit edistivät puhtaan abstraktion suuntausta keskittyessään subjektiivisuuteen. Käsittelemällä kuvansa dramaattisesti vääristyneinä he pyrkivät esittämään syvästi henkilökohtaisen näkökulman, joka edusti enemmän tunnetta kuin fyysistä todellisuutta. Tänä aikana nousi myös fauvistien liike, maalareita, jotka keskittyivät lähes yksinomaan elävään väriin ja maalauksen jälkiin. Fauvisteille aihe oli toissijainen teoksen esteettisiin komponentteihin verrattuna. Tähän mennessä puhtaan abstraktion syntyminen oli väistämätöntä. Taiteilijat työskentelivät kaikkialla symbolisilla representaatiolla todellisuudesta, pyrkien viestimään ideoita ja tunteita tavoilla, jotka eivät liittyneet aiheeseen. He olivat määritelmän mukaan abstrahoimassa. Mutta kuka oli ensimmäinen, joka onnistui tekemään maalauksen, joka oli täysin abstrakti?

Hans Hofmann - Nouseva kuu, 1965, Öljy kankaalle, Yksityiskokoelma, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Onko todellinen ensimmäinen abstraktori paikalla?

Melkein kaikki historioitsijat ovat yhtä mieltä siitä, että ensimmäinen abstrakti maalaus oli Wassily Kandinskyn Untitled (First Abstract Watercolor), joka maalattiin vuonna 1910. Teos koostuu eloisasti värjätyistä läiskistä, ympyröistä, viivoista, käärmeistä ja värikentistä, jotka on koottu näennäisesti sattumanvaraisesti, eikä se viittaa millään tavalla olemassa oleviin visuaalisiin elementteihin fyysisessä maailmassa. Salaliittoteoreettisesti voisimme, vain huvin vuoksi, olettaa, että Kandinskyn Untitled (First Abstract Watercolor) ei ollut ensimmäinen täysin abstrakti maalaus. Vuotta aikaisemmin, vuonna 1909, ranskalainen avantgardetaiteilija Francis Picabia maalasi Caoutchouc, proto-kubistisen teoksen, jossa on tunnistamattomia geometrisiä muotoja, jotka on kiedottu näennäisesti epäolennaisiin värikenttiin. Tämä teos ei vaikuta edustavan objektiivista visuaalista todellisuutta. Kuitenkin sana Caoutchouc tarkoittaa löyhästi luonnollista kumihartsia, viitaten raaka-aineeseen vulkanisoidun kumimateriaalin valmistamiseksi. Koska emme ole koskaan analysoineet vulkanisoimattoman kumihartsin visuaalisia elementtejä, emme voi sanoa, mutta ehkä tämä maalaus on esittävä. Kuka tietää? Tiedämme kuitenkin, että Kandinsky oli innokas taiteen teoreetikko ja tuottelias taidekirjoittaja. Hän kirjoitti innokkaasti pyrkimyksestään luoda maailman ensimmäinen täysin abstrakti taideteos. Hän puhui avoimesti sekä aikomuksestaan tulla abstraktin taiteen perustajaksi että menestyksestään sen saavuttamisessa. Kukaan ei voi kiistää, että hänen aikomuksensa oli olla ensimmäinen, riippumatta siitä, voiko joku häntä edeltävä vahingossa voittaa hänet tässä asiassa.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Öljy kankaalle, 85 1/4 x 73 1/2 tuumaa (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Mitä Kandinsky ehdottomasti teki

Julistamalla avoimesti aikomuksensa tehdä puhdasta abstraktia taidetta, Kandinsky vapautti taiteilijat riippuvuudestaan havaittavasta maailmasta. Hän erotti taiteen sen entisestä logiikasta. Hän avasi kentän syvälle ja nopealle kokeilulle. Hän toi kypsyyteen romantikkojen lupauksen, että, kuten saksalainen romanttinen taiteilija Caspar David Friedrich sanoi, "Taiteilijan tunne on hänen lakinsa."

Wassilly Kandinsky - Kompositio IV, 1911, öljy kankaalle, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Saksa

Maailma sodassa

Seuraavien vuosikymmenten aikana taiteilijat kokeilivat villisti abstraktiota. Monia uusia tyylejä syntyi, joita vaikutti abstraktion vapauden kutsu sekä ensimmäisen maailmansodan kauhut ja mekaanisen aikakauden nousu. Kubismi vaikutti taiteilijoihin, jotta he voisivat vähentää visuaalista kieltään sen peruspalikoihin. Futurismi osoitti viivan elinvoiman ja voiman. Dadaismi kyseenalaisti taiteen merkityksen, vahvistaen taiteen vapautta ja bourgeoisin hylkäämistä. 1920-luvulla surrealismi avasi taiteilijoiden mielet alitajunnan voimalle. Unenomaisiin kuvastoihin keskittyminen ja tietoisen logiikan hylkääminen vaikutti syvästi abstrakteihin taiteilijoihin, kannustaen heitä kokeilemaan enemmän tekniikoita, medioita ja menetelmiä, jotka voisivat yhdistää heidät suoremmin alitajuntaan.

Wassiliy Kandinsky - Koostumus 6, 1913, Öljy kankaalle, 76 2/5 × 115 7/10 tuumaa, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Pariisi / Erich Lessing / Art Resource, NY

Tee siitä Uusi!

1930-luvulla saksalaissyntyinen amerikkalainen taiteilija Hans Hofmann sai kunnian levittää Amerikkaan modernismin keskeisiä filosofioita, joka oli viimeisin ilmentymä menneisyyden muotojen ja menetelmien hylkäämisestä. Itse abstrakti taiteilija, Hofmann kannusti opiskelijoitaan Kaliforniasta New Yorkiin omaksumaan uusia kuvantekomenetelmiä etsiessään tapoja kohdata ja ilmaista nopeasti teollistuvan yhteiskunnan ahdistuksia ja ihmeitä. Vuonna 1934 runoilija Ezra Pound tiivisti modernistien asenteen kuuluisalla kutsullaan taiteilijoille: "Tee se uudeksi!" Pound oli kiistanalainen hahmo, joka lopulta muutti Italiaan, missä hän tuki toisen maailmansodan johtavia fasistihahmoja. Siitä huolimatta hänen innokas vanhan hylkäämisensä juurtui abstraktien taiteilijoiden mieliin, mikä johti voimakkaisiin muutoksiin lähitulevaisuudessa.

Wasilly Kandinsky - Musta täplä I (yksityiskohta), 1912, Öljy kankaalle. 39,4 × 51,2 tuumaa (100,0 × 130,0 cm), Venäläinen museo, Pietari, Venäjä

Uusi Puhtaus

Kahden maailmansodan, globaalin laman, nälänhädän, julmuuksien ja kahden ydiniskun jälkeen asutuskaupunkeihin, se, kuinka paljon keskimääräinen ihminen koki ahdistusta 1940-luvun puolivälissä, ei voi liioitella. Tämä ahdistus herätti uutta ja laajaa kiinnostusta suhteellisen nuorelle psykoanalyysin alalle. Monien miljoonien ihmisten joukossa, jotka kääntyivät psykoanalyysin puoleen tuona aikana, oli Jackson Pollock , yksi johtavista jäsenistä taiteilijaryhmässä, jota kutsutaan abstraktin ekspressionismin taiteilijoiksi. Pollock altistui psykoanalyysille kuntoutuksessa. Se avasi hänen mielensä primitiivisen tiedon maailmalle, joka oli lukittuna hänen alitajuntaansa. Monet hänen aikalaistaan etsivät uusia tapoja yhdistää piilotettuun inhimillisyyden ytimeen, työskennellen ilmaisemaan raakaa, primitiivistä tunnetta maalauksissaan. Pollock etsi piilotettuja kuvastoja, toivoen voivansa yhdistyä johonkin syvälle itsessään, johonkin puhtaampaan kuin mitä abstrakti taide oli vielä ilmaissut. Noin vuonna 1947 Pollock kehitti nyt ikonisen roisketekniikkansa. Tämä tekniikka sisälsi maalin levittämisen pinnalle käyttämällä voimia, kuten painovoimaa ja liikettä, sen sijaan että käytettäisiin suoraa kontaktia työkalujen ja kankaan välillä. Omaksuen tämän uuden fyysisyyden tason ja täysin hyläten kaiken tunnistettavan muodon, Pollock astui puhtaan abstraktion uuteen alueeseen, joka perustui täysin alitajuntaiseen aikomukseen, väriin, liikkeeseen, voimaan ja voimaan.

Wassily Kandinsky - Kandinskyn ensimmäinen abstrakti akvarelli, 1910, Akvarelli ja intialainen muste sekä lyijykynä paperilla, 19,5 × 25,5 tuumaa, (49,6 × 64,8 cm), Pariisi, Centre Georges Pompidou

Alun loppu

Pollockin työ täytti monin tavoin abstraktion lupauksen: taiteilijan täydellinen vapautuminen esteettisten odotusten rajoituksista. Ehkä myös hänen ponnistelunsa johtivat abstraktion loogiseen päätepisteeseen. Pollock toi terävästi esiin tekstuurin, materiaalisuuden, prosessin ja ajatuksen nähdä taideteos ei vain pintana, jolla välittää taidetta, vaan yhtenäisenä muotona itsessään. Vaikka nämä käsitteet heijastuvat primitiivisessä mielessä Pollockin työssä, ne ovat olennaisia minimalistien työssä, jotka korvasivat abstraktit ekspressionistit 1960-luvun vaikutusvaltaisimpina taiteilijoina. Kuten Kandinsky, Minimalistisen liikkeen johtava jäsen, Donald Clarence Judd, oli innokas taiteen teoreetikko ja kirjoittaja. Vaikka hän hylkäsi minimalistisen leiman, Juddista tuli edustava sen ideoille visuaalisen kielen yksinkertaistamisesta ja muodon ja tilan käsitteiden puhdistamisesta. Sen sijaan, että hän olisi hylännyt tunnistettavat visuaaliset viittaukset ja objektiivisen todellisuuden, minimalistiset taiteilijat kuten Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt ja Frank Stella keskittyivät muotoon, elävän ja puhtaan värin käyttöön, teräviin viivoihin, minimaaliseen tekstuuriin ja moderniin materiaalisuuteen. Sen sijaan, että he olisivat abstrahoineet todellisuutta, minimalistit ilmensivät muotoja, värejä, muotoja ja viivoja, joita usein tutkitaan abstraktissa taiteessa, asuen niissä fyysisessä tilassa representatiivisella tavalla.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Uusi Uusi

Abstraktin taiteen historia on taiteilijoiden vapauden etsinnän historia. Tämä tarkoittaa tänään sitä, että taiteilijat ovat vapaita ilmaisemaan itseään haluamallaan tavalla, tutkien mitä tahansa menetelmää, joka heitä vetää puoleensa. Nykyajan avoimen päättelyn kauneus on siinä, että taiteilija voi käyttää mitä tahansa tyyliä, välinettä tai menetelmää, joka toimii parhaiten idean toteuttamiseksi. Vaikka minimalismi saattoi syrjäyttää abstraktin taiteen 1970-luvulla, abstraktio on palannut monien taiteilijoiden käytäntöjen keskiöön. Nykyajan abstraktit maalarit hyötyvät edeltäjiensä avarakatseisesta mentaliteetista. Abstraktio jatkaa yhteyden luomista johonkin, mitä objektiivinen todellisuus ei voi selittää; johonkin syvällä meissä, joka ulottuu näkyvän todellisuuden yli.

Esittelykuva: Wassily Kandinsky - Kandinskyn ensimmäinen abstrakti akvarelli, 1910, kuva Wikipedian kautta

Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.

Kirjailija: Phillip Park