Abstraktin taiteen historian määrittävät hetket

Sanat voivat olla niin kiistanalaisia. Haluamme vain keskustella abstraktin taiteen historiasta. Mutta tuo lause on täynnä käsitteellisiä vaaroja. (Kenen historia? Mikä on taide? Mitä tarkoittaa olla abstrakti?) Tarkasti ottaen meidän pitäisi ehkä nimetä tämä artikkeli jollain sellaisella nimellä kuin ”Määrittävät hetket tapahtumaketjussa, joka muodostaa länsimaisen sivistyksen yleisesti hyväksytyn aikajanan itseään edustaviksi taiteilijoiksi kutsuttujen henkilöiden luomien esineiden ja ilmiöiden osalta.” Mutta se ei ole kovin houkutteleva otsikko. (Vai onko?) Mielenrauhan vuoksi jätetään semantiikka syrjään ja aloitetaan alusta.

Abstraktin taiteen esihistoria

Varhaisimpia esihistoriallisten luolien asukkaiden merkkejä olivat viivat, naarmut ja kädenjäljet. Paras tulkintamme on, että ne olivat symbolisia. Tekevätkö ne siis niistä ensimmäisiä abstraktin taiteen  esimerkkejä? Ehkä. Mutta edes esi-isiemme jättämiä esittävän taiteen kuvia ei voi sanoa valokuvamaisen realistisiksi. Analyysistamme puuttuu ymmärrys varhaisimpien taiteilijoiden tarkoitusperistä. Kun puhumme abstraktista taiteesta, tarkoitamme taidetta, jonka on nimenomaan tarkoitus olla abstraktia. Koska emme voi tietää, mitä esihistorialliset taiteilijat halusivat kuvillaan viestiä, emme voi arvioida, oliko se abstraktia tai edes taidetta. Se saattoi olla myös käytännöllistä. Joten siirrymme paljon eteenpäin, paremmin dokumentoituun aikaan, jolloin taiteilijoiden tarkoitusperät olivat selvempiä.

Henri Matisse - Nainen hatun kanssa, 1905, öljy kankaalle, 31 3/4 × 23 1/2 tuumaa, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Ennen 1800-luvun alkua on turvallista sanoa, että suurin osa taiteilijoista suurimman osan ajasta ei saanut päättää, mitä he tekisivät. Useimmat ennen romantiikan aikaa eläneet taiteilijat olivat riippuvaisia uskonnollisten laitosten tai jonkin muun auktoriteetin tuesta selviytyäkseen. Kuninkaat ja pyhät miehet määräsivät siksi suurimman osan taiteilijoiden teosten aiheet. Kun tämä suojelusjärjestelmä heikkeni, taiteilijoille avautui muita selviytymiskeinoja. Näyttelyjärjestelmä syntyi; itsenäiset taidekauppiaat alkoivat edustaa taiteilijoita; varakkaat yksityishenkilöt ja laitokset alkoivat tukea taiteilijoita ja kerätä heidän teoksiaan. Ensimmäistä kertaa taiteilijat saivat mahdollisuuden vastata itse kysymykseen: ”Mitä haluan tehdä?” Välittömästi seurasi seuraava väistämätön kysymys: ”Miksi haluan tehdä sen?” Tähän kysymykseen vastaaminen on yksi abstraktin taiteen nousun pääsyistä ja kenties romanttisen ajan kestävin ajatus; monien aikalaisten ajattelijoiden esittämä ja ranskalaisten tiivistämä lauseella ”L'art pour l'art.” Taidetta taiteen vuoksi. Tai kuten kirjailija Edgar Allan Poe totesi vuonna 1850: ”…jos sallisimme itsellemme katsoa omaan sieluumme, löytäisimme heti, ettei auringon alla ole eikä voi olla mitään työtä, joka olisi perusteellisemmin arvokas, ylevämpi kuin tämä runo… kirjoitettu yksinomaan runon vuoksi.”

Andre Derain - Kuivuvat purjeet, 1905, öljy kankaalle, 82 x 101 cm, © Pushkinin museo, Moskova

Ensivaikutelmat

Kun taiteilijat vapautuivat ennalta määrätyistä aiheista, he alkoivat vapautua myös muista rajoitteista. Noin vuosina 1850–1870 esteettinen liike antoi taiteilijoille vallan tehdä taidetta pelkästään esteettisistä syistä, ilman kulttuuriin, yhteiskuntaan tai politiikkaan liittyvää sisältöä. Sitten tulivat impressionistit, Pariisissa toimineet taiteilijat, jotka keskittyivät vahvasti valon ominaisuuksien kuvaamiseen, aloittaen taideteoksen yksittäisten esteettisten elementtien tiivistämisen. 1880-luvulla taidemaalari Georges Seurat kehitti tekniikan, jossa kuva rakennettiin kokonaan pienistä pisteistä. Tätä tekniikkaa, jota kutsutaan pisteytykseksi, käytettiin vääristyneiden, mutta esittävien kuvien luomiseen. Pisteytys  edisti kokeellisten siveltimenvedon ja sommittelutekniikoiden nousua, jotka viittasivat abstraktion suuntaan. Tätä suuntausta laajennettiin jälki-impressionistien aikana, kun taiteilijat alkoivat kokeilla symbolismia ja värin, muodon ja viivan mielivaltaista käyttöä.

Kaikki on subjektiivista

1900-luvulla ekspressionistit edistivät puhtaan abstraktion suuntausta keskittymällä subjektiivisuuteen. He vääristivät kuviaan voimakkaasti pyrkien esittämään syvästi henkilökohtaisen näkökulman, joka kuvasi enemmän tunnetta kuin fyysistä todellisuutta. Tänä aikana nousivat myös fauvismit, taiteilijat, jotka keskittyivät lähes yksinomaan kirkkaisiin väreihin ja maalaukselliseen jälkeen. Fauvismin taiteilijoille aihe oli toissijainen esteettisiin osiin nähden. Tähän mennessä puhtaan abstraktion syntyminen oli väistämätöntä. Taiteilijat työskentelivät kaikkialla symbolisten todellisuuden esitysten parissa pyrkien välittämään ajatuksia ja tunteita tavoilla, jotka eivät liittyneet aiheeseen. He olivat määritelmän mukaan abstraktoimassa. Mutta kuka onnistui ensimmäisenä tekemään täysin abstraktin maalauksen?

Hans Hofmann - Nouseva kuu, 1965, öljy kankaalle, yksityiskokoelma, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Olkoonko todellinen ensimmäinen abstraktoija esiin?

Lähes kaikki historioitsijat ovat yhtä mieltä siitä, että ensimmäinen abstrakti maalaus oli Wassily Kandinskyn Nimetön (Ensimmäinen abstrakti vesiväri), maalattu vuonna 1910. Se koostuu kirkkaista väriläiskistä, ympyröistä, viivoista, mutkista ja väripinnoista, jotka on koottu näennäisen sattumanvaraisesti, eikä teos viittaa lainkaan olemassa oleviin fyysisen maailman visuaalisiin elementteihin. Salaliittoteoreettisesti voisimme, huvin vuoksi, olettaa, että Kandinskyn Nimetön (Ensimmäinen abstrakti vesiväri) ei ollut ensimmäinen täysin abstrakti maalaus. Vuotta aiemmin, vuonna 1909, ranskalainen avantgardistinen taidemaalari Francis Picabia maalasi Caoutchouc, proto-kuvisti teoksen, jossa on tunnistamattomia geometrisia muotoja, jotka on kiedottu näennäisesti toisiinsa liittymättömiin väripintoihin. Tämä teos ei näytä edustavan objektiivista visuaalista todellisuutta. Kuitenkin sana Caoutchouc tarkoittaa löyhästi luonnonkumimehua, viitaten vulkanisoidun kumin raaka-aineeseen. Koska emme ole analysoineet vulkanisoimattoman kumin visuaalisia elementtejä, emme voi sanoa, mutta ehkä tämä maalaus on esittävä. Kuka tietää? Tiedämme kuitenkin, että Kandinsky oli innokas taideteoreetikko ja tuottelias taidekirjoittaja. Hän kirjoitti innokkaasti pyrkimyksestään luoda maailman ensimmäinen täysin abstrakti taideteos. Hän puhui avoimesti sekä aikomuksestaan tulla abstraktin taiteen perustajaksi että onnistumisestaan siinä. Kukaan ei voi kiistää, etteikö hänen tarkoituksensa ollut olla ensimmäinen, riippumatta siitä, oliko joku häntä aiemmin vahingossa ehtinyt.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, öljy kankaalle, 85 1/4 x 73 1/2 tuumaa (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Mitä Kandinsky varmasti teki

Ilmoittamalla avoimesti aikomuksensa tehdä puhdasta abstraktia taidetta Kandinsky vapautti taiteilijat riippuvuudesta havaittavaan maailmaan viittaamiseen. Hän irrotti taiteen entisestä logiikastaan. Hän avasi kentän syvälliselle ja nopealle kokeilulle. Hän toi täyteen kypsyyteensä romantikkojen lupauksen, jonka saksalainen romanttinen taiteilija Caspar David Friedrich ilmaisi sanoilla ”Taiteilijan tunne on hänen lakinsa.”

Wassilly Kandinsky - Kompositio IV, 1911, öljy kankaalle, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Saksa

Maailma sodassa

Seuraavien vuosikymmenten aikana taiteilijat kokeilivat villisti abstraktiota. Monet uudet tyylit syntyivät, joita vaikutti abstraktion vapauden kutsu sekä ensimmäisen maailmansodan kauhut ja koneellisen ajan nousu. Kubismi vaikutti taiteilijoihin vähentämään visuaalista kieltään sen perusosiksi. Futurismi osoitti viivan elinvoiman ja voiman. Dadaismi  haastoi taiteen merkityksen, vahvistaen taiteen vapauden ja porvarillisuuden hylkäämisen. 1920-luvulla surrealismi avasi taiteilijoiden mielen alitajunnan voimalle. Keskittyen unenomaisiin kuviin ja hyläten tietoisen logiikan, se vaikutti syvästi abstrakteihin taiteilijoihin kokeilemaan enemmän tekniikoita, välineitä ja menetelmiä, jotka voisivat yhdistää heidät suoremmin alitajuntaansa.

Wassiliy Kandinsky - Kompositio 6, 1913, öljy kankaalle, 76 2/5 × 115 7/10 tuumaa, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Pariisi / Erich Lessing / Art Resource, NY

Tee se uudeksi!

1930-luvulla saksalais-amerikkalainen taidemaalari Hans Hofmann sai kunnian levittää Amerikkaan modernismin keskeisiä periaatteita, joka oli viimeisin versio menneisyyden tapojen ja menetelmien hylkäämisestä. Itse abstrakti taiteilija Hofmann kannusti oppilaitaan Kaliforniasta New Yorkiin omaksumaan uusia kuvan tekemisen tapoja etsiessään keinoja kohdata ja ilmaista nopeasti teollistuvan yhteiskunnan ahdistuksia ja ihmeitä. Vuonna 1934 runoilija Ezra Pound tiivisti modernistien asenteen kuuluisalla kehotuksellaan taiteilijoille: ”Tee se uudeksi!” Pound oli kiistanalainen hahmo, joka lopulta muutti Italiaan ja tuki toisen maailmansodan johtavia fasistihahmoja. Siitä huolimatta hänen innokas vanhan hylkäämisensä juurtui abstraktien taiteilijoiden mieliin, mikä johti voimakkaisiin muutoksiin lähitulevaisuudessa.

Wasilly Kandinsky - Musta piste I (yksityiskohta), 1912, öljy kankaalle. 39,4 × 51,2 tuumaa (100,0 × 130,0 cm), Venäläinen museo, Pietari, Venäjä

Uusi puhtaus

Kahden maailmansodan, maailmanlaajuisen laman, nälänhätien, julmuuksien ja kahden ydinpommin iskun jälkeen asutuille kaupungeille keski-1940-luvulla tavallisen ihmisen ahdistuksen määrää ei voi liioitella. Tämä ahdistus synnytti uuden ja laajan kiinnostuksen suhteellisen nuorta psykoanalyysin alaa kohtaan. Monien miljoonien ihmisten joukossa, jotka kääntyivät psykoanalyysin puoleen tuolloin, oli Jackson Pollock , yksi niin kutsuttujen abstraktien ekspressionistien johtavista jäsenistä. Pollock tutustui psykoanalyysiin kuntoutuksen aikana. Se avasi hänen mielensä muinaisen tiedon maailmaan, joka oli lukittuna hänen alitajuntaansa. Monet hänen aikalaisistaan etsivät uusia tapoja yhdistyä ihmiskuntansa piilevään olemukseen, pyrkien ilmaisemaan raakaa, alkuperäistä tunnetta maalauksissaan. Pollock etsi piilotettuja kuvia toivoen voivansa yhdistyä johonkin syvälle itsessään, johonkin puhtaampaan kuin mitä abstrakti taide oli aiemmin ilmaissut. Noin vuonna 1947 Pollock kehitti ikonisen tiputustekniikkansa. Tämä tekniikka sisälsi maalin levittämisen pinnalle painovoiman ja liikkeen avulla, ilman suoraa kosketusta työkaluihin tai kankaaseen. Hyväksyen tämän uuden tason fyysisyyttä ja hyläten täysin tunnistettavan muodon, Pollock astui uuteen puhtaan abstraktion maailmaan, joka perustui kokonaan alitajuntaiseen tarkoitukseen, väriin, liikkeeseen, voimaan ja voimaan.

Wassily Kandinsky - Kandinskyn ensimmäinen abstrakti vesiväri, 1910, vesiväri, intianmuste ja lyijykynä paperilla, 19,5 × 25,5 tuumaa (49,6 × 64,8 cm), Pariisi, Centre Georges Pompidou

Alun loppu

Pollockin työ toteutti monin tavoin abstraktion lupauksen: taiteilijan täydellisen vapautumisen esteettisten odotusten kahleista. Ehkä myös hänen ponnistelunsa johtivat abstraktion loogiseen loppuun. Pollock toi terävästi esiin tekstuurin, materiaalin, prosessin ja ajatuksen taideteoksesta ei pelkkänä pinnan, jolle taidetta välitetään, vaan yhtenäisenä muotona. Vaikka nämä käsitteet heijastuivat primitiivisesti Pollockin työssä, ne ovat olennainen osa minimalistien  työtä, jotka korvasivat abstraktit ekspressionistit 1960-luvun vaikutusvaltaisimpina taiteilijoina. Kuten Kandinsky, minimalistiliikkeen johtava jäsen Donald Clarence Judd oli innokas taideteoreetikko ja kirjoittaja. Vaikka hän hylkäsi minimalistin leiman, Judd edusti ajatusta visuaalisen kielen karsimista ja muodon ja tilan käsitteiden puhdistamista. Sen sijaan, että hylkäisivät tunnistettavat visuaaliset viitteet ja objektiivisen todellisuuden, minimalistit kuten Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt ja Frank Stella keskittyivät muotoon, kirkkaiden ja puhtaiden värien käyttöön, teräviin viivoihin, vähäiseen tekstuuriin ja moderniin materiaalisuuteen. Sen sijaan, että abstraktoisivat todellisuutta, minimalistit ilmensivät abstraktissa taiteessa usein tutkittuja muotoja, värejä, muotoja ja viivoja fyysisessä tilassa esittävällä tavalla.

Jackson Pollock - Yhtymäkohta, 1952, Albright-Knoxin taidegalleria, Buffalo, NY, USA 

Uusi uusi

Abstraktin taiteen historia on taiteilijoiden vapauden etsintää. Mitä se tarkoittaa tänään, on se, että taiteilijat ovat vapaita ilmaisemaan itseään millä tahansa valitsemallaan tavalla, tutkien mitä tahansa menetelmää, joka heitä kiehtoo. Nykyisen avoimen tyylin kauneus on siinä, että taiteilija voi käyttää mitä tahansa tyyliä, välinettä tai menetelmää idean toteuttamiseen. Vaikka minimalismi saattoi syrjäyttää abstraktin taiteen 1970-luvulla, abstraktio on palannut monien taiteilijoiden keskeiseksi työskentelytavaksi. Nykytaiteilijat hyötyvät edeltäjiensä avarakatseisesta asenteesta. Abstraktio jatkaa yhteyden luomista johonkin, mitä objektiivinen todellisuus ei voi selittää; johonkin syvälle meissä, joka ulottuu näkyvän todellisuuden tuolle puolen.

Kuvassa: Wassily Kandinsky - Kandinskyn ensimmäinen abstrakti vesiväri, 1910, kuva Wikipedia

Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia

Kirjoittanut Phillip Barcio