Mitä on konseptuaalinen maalaus?
Jokainen taideteos oli joskus vain ajatus jonkun mielessä. Se on hauska ajatus, kun ottaa huomioon, kuinka ohimeneviä ajatukset voivat olla ja kuinka vaikeaa on saada edes parhaat ideat toteutumaan. Käsitteellinen maalaus taiteenalana pyrkii kohtaamaan kuilun ideoiden ja fyysisen todellisuuden välillä. Se pohtii mahdollisuutta, että jokaisen seinälle ripustetun maalauksen takana on lukemattomia muita, jotka eivät koskaan päätyneet kankaalle, sekä lukemattomia vaihtoehtoisia tapoja maalata se, joka seinälle päätyi. Se menee jopa niin pitkälle, että maalaus ei ehkä ole lainkaan tärkeä; ainoa, mikä todella merkitsee, on idea.
Ajattele vain
Joskus paras tapa saada jokin tehtyä on olla ajattelematta sitä. Tee se vain, kuten iskulause sanoo. Kun pysähdymme miettimään, mitä teemme, se voi lamaannuttaa meidät, kun kyseenalaistamme, onko tekemisellämme mitään arvoa tai onko se vaivan arvoista. Kun ensimmäiset abstraktit maalarit aloittivat pyrkimyksensä luoda puhtaasti abstrakteja teoksia, heillä oli paljon ajatuksia ja ideoita. Samalla jotkut taiteilijat kuitenkin kyseenalaistivat näiden tai muiden ideoiden arvon.
Vuonna 1917 Marcel Duchamp loi taideteoksen nimeltä ”Fountain”. Se oli ylösalaisin käännetty pissapoika, johon oli kirjoitettu ”R. Mutt.” Duchamp otti tavallisen esineen ja muutti sen, tässä tapauksessa kääntämällä sen ylösalaisin ja irrottamalla sen käyttöympäristöstä, jolloin sen alkuperäinen käyttötarkoitus menetti merkityksensä ja se kutsui uusia merkityksiä. ”Fountain” hylättiin näyttelystä, johon se oli lähetetty, mutta siitä tuli mittapuu sille, mitä myöhemmin alettiin kutsua käsitteelliseksi taiteeksi, suuntaukseksi, jossa taiteilijan ideoiden arvo asetetaan taiteilijan prosessien tai esineiden arvon yläpuolelle.
Sarah Hinckley - 2009, 38 x 25 cm, © Sarah Hinckley
Kuva on mitätön
Monet ensimmäisistä käsitteellisistä maalauksista eivät olleet lainkaan maalauksia. Vuonna 1953 taiteilija Robert Rauschenberg sai idean pyyhkiä maalauksen pois. Hän aikoi saada varsinaisen esineen katoamaan, jättäen jäljelle vain idean ja näin korottamalla sen uuteen arvostukseen. Hän uskoi, että idean täydellisen ilmentymisen saavuttamiseksi jonkun toisen täytyi arvostaa esinettä. Hänen täytyi pyyhkiä toisen taiteilijan työ, muuten se olisi ollut kuin kieltämistä jostakin, mitä ei koskaan ollut.
Rauschenberg kääntyi ystävänsä Willem de Kooningin puoleen ja pyysi tätä lahjoittamaan rakastamansa maalauksen hänen konseptiaan varten. Vaikka de Kooning vastusteli aluksi, hän lopulta antoi Rauschenbergille piirustuksen, jonka katoamista hän vihasi ja jonka pyyhkiminen oli vaikeaa. Rauschenberg käytti yli tusinaa pyyhekumia yli kuukauden ajan ja onnistui lopulta pyyhkimään koko kuvan pois. Tuloksena syntynyt teos, nimeltään ”Erased de Kooning Drawing”, ilmaisi itsevarmasti ajatuksen, että taideteoksen idea on tärkein, eikä teoksen tarvitse edes olla olemassa.
Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Piirustusjälkien jäänteitä paperilla, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Franciscon modernin taiteen museo (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation
Näkemättömän tekeminen
Ajatus idean ensisijaisesta merkityksestä levisi nopeasti länsimaissa. Taiteilijat alkoivat kokeilla jokaista mahdollista idean ilmenemismuotoa uskoen, että jos idea haluaa ilmetä, se voi ilmetä monin eri tavoin. Taulusta, jossa on kuva puusta, saattoi syntyä valokuva puusta, maalaus puusta, piirros puusta, abstrakti maalaus puusta, sanat ”kuva puusta” kirjoitettuna pinnalle, esiintyjä osoittamassa oikeaa puuta, tulkinnallinen tanssi, joka matkii puuta, tai jopa taiteilija istumassa lattialla silmät suljettuina ajatellen kuvaa puusta.
Vuonna 1958 taiteilija Yves Klein järjesti Pariisissa maalausnäyttelyn, jota usein kutsutaan ”Tyhjyys.” Näyttelyn koko nimi oli ”Aistimuksen erikoistuminen raaka-aineen tilassa vakautuneeksi kuvalliseksi aistimukseksi, Tyhjyys.” Tarun mukaan yli 3000 kävijää tuli katsomaan näyttelyä. Saapuessaan galleriaan katsojat kohtasivat valkoisen huoneen, jossa ei ollut maalauksia, vain tyhjä kaappi. Klein sanoi näyttelystä: ”Maalausteni on nyt näkymättömiä ja haluan näyttää ne selkeästi ja myönteisesti.”
Fieroza Doorsen - Nimetön (Id. 1281), 2017, Öljy paperille, 27 x 19 cm.
SolLeWitt
Vuonna 1968 abstrakti maalari Sol LeWitt lisäsi uuden ulottuvuuden käsitteellisen maalauksen maailmaan. Hän esitti teorian, että ei ainoastaan ole merkityksetöntä, ilmeneekö idea koskaan fyysisenä maalauksena, vaan myös sillä ei ole merkitystä, miten se maalataan tai kuka sen maalaa. Ainoa, mikä merkitsee, on taiteilijan alkuperäinen ilmaistu idea maalauksesta. Tämän ajatuksen osoitukseksi LeWitt alkoi suunnitella seinämaalauksia, jotka yleensä toteutettiin hänen itsensä sijaan muiden toimesta.
LeWittin ajatus oli, että jokainen käsi piirtäisi jokaisen viivan eri tavalla, joten vaikka kaikki työskentelisivät samoista suunnitelmista, jokainen taiteilija piirtäisi seinämaalauksen eri tavalla kuin muut. Valmiit teokset poikkeaisivat alkuperäisestä suunnitelmasta ja toisistaan, mutta koska alkuperäinen suunnitelma on ainoa merkityksellinen, vaihtelu on merkityksetöntä, samoin kuin tuotantotavat. LeWittin ajatuksen perintönä hänen käsitteelliset seinämaalauksensa valmistetaan edelleen hänen kuolemansa jälkeen.
John Monteith - Yötaivas, 2010, lyijykynä käsintehdylle paperille, 61 x 45 cm, © John Monteith
Ideoiden tulevaisuus
Nykyaikainen käsitteellinen maalaus jatkaa arvostuksemme laajentamista ideoihin, jotka muodostavat taideteoksen perustan. Nykyaikaisen amerikkalaisen abstraktin maalarin Debra Ramsayn työ perustuu ideoihin, jotka ovat keskeisiä ajallemme. Hänen prosessinsa on seurata luonnon muuttuvia värejä, kuten vuodenaikojen kasvien värejä, ja analysoida sitten näitä värimuutoksia tietokoneohjelmassa. Saatua aineistoa käytetään luomaan väripaletti, joka viittaa luonnon muuttuvaan värimaailmaan. Hän käyttää tätä palettia luodakseen abstraktin esityksen tilassa ajan kuluessa muuttuvista esineistä.
Ramsayn työ tuo mieleen kaksi keskeistä ajatusta, jotka hallitsevat nykykulttuuriamme. Ensimmäinen on ajatus tiedosta ja siitä, että jokainen elämämme osa seurataan, muutetaan digitaaliseksi, lasketaan ja analysoidaan osana valtavaa ymmärryksen etsintää. Toinen on ajatus siitä, että luonto muuttuu, ja että voimme nyt vain seurata tätä tapahtumaa ja löytää siitä jollain tavalla esteettistä kauneutta. Ramsayn ideat on kauniisti esitetty abstrakteina maalauksina, mutta juuri ideat tekevät hänen työstään niin merkityksellisen nykykulttuurille.
Debra Ramsay- Vuosi väreissä, säädetty päivän pituuden mukaan, 2014, akryyli polyesterikalvolle, 101 x 152 cm.
H7
Kanadalainen abstrakti maalari John Monteith työskentelee monissa eri tekniikoissa etsiessään taiteellisten ajatustensa onnistuneinta fyysistä ilmentymää. Yksi alue, jota hän usein tutkii, on teksti. Monteith poimii tekstejä muista lähteistä, joita hän työssään kohtaa, kuten päivän uutisista, kirjasta tai keskustelusta. Hän esittää tekstin kontekstista irrotettuna galleriaympäristössä, mikä kutsuu uusia käsitteellisiä tulkintoja sanojen sisältämistä ajatuksista.
Käyttämällä useita eri lähteitä tekstille, jota hän käyttää teoksissaan, Monteithin tekstipohjaiset piirrokset tuovat nykyaikaisen näkökulman ensimmäisen sukupolven käsitteellisten taiteilijoiden, kuten Robert Barryn, töihin, joka myös usein käyttää tekstiä. Barryn työssä tekstejä esitetään paperilla, kankaalla, seinillä, lattioilla tai millä tahansa pinnalla, joka sopii ideaan. Hänen sanansa ovat usein hänen omiaan, mutta joskus ne on otettu muista teksteistä, ja ne esitetään tavalla, joka kutsuu uusia assosiaatioita ja merkityksiä. Usein nämä käsitteelliset teokset tarjoavat paljon enemmän tietoa kuin perinteinen maalaus, koska ne vaativat katsojan oman mielikuvituksen osallistumista.
Aine ja merkitys
Vuonna 1965 käsitteellisen taiteen merkkiteoksessa One and Three Chairs taiteilija Joseph Kosuth esitti oikean tuolin, tuolista otetun valokuvan ja kirjoitetun kuvauksen siitä, mitä tuoli on. Kuten monet muut käsitteelliset teokset, se toi esiin kysymyksen siitä, mikä ero on ideoiden, esineiden ja abstraktioiden välillä.
Nyt hyväksymme, että käsitteellisen maalauksen ei tarvitse olla maalaus, eikä sen tarvitse olla olemassa aineellisessa muodossa lainkaan. Mutta kun se on olemassa, onko se tärkeää? Onko merkitystä, että se on täällä, fyysisessä maailmassa? Eikö esineen ja idean välillä ole oikeasti eroa? Arvostammeko todella ideaa enemmän? Jos olisimme nälkäisiä, haluaisimmeko mieluummin reseptin, maalauksen ruoasta vai oikeaa ruokaa? Käytännössä käsitteellinen maalaus kysyy ja vastaa yhteen ihmiskunnan tärkeimmistä kysymyksistä: Onko sillä väliä, mitä teemme?
Kuvassa: Robert Barry - Nimetön (Jokin, mikä ei voi koskaan olla mikään tietty asia), 1969, kirjoituskoneella paperille, 10 x 15 cm, © Robert Barry
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
