Mitä on konseptuaalinen maalaus?
Jokainen taideteos oli kerran vain ajatus jonkun päässä. Se on hauska ajatus, kun ottaa huomioon, kuinka ohimeneviä ajatukset voivat olla, ja kuinka vaikeaa on muuttaa edes parhaat ideat todellisuudeksi. Käsitteellinen maalaus, taiteellisen käytännön alana, yrittää kohdata kuilun ideoiden ja fyysisen todellisuuden välillä. Se pohtii mahdollisuutta, että jokaisen maalauksen, joka lopulta ripustetaan seinälle, takana on lukemattomia muita, jotka eivät koskaan päässeet kankaalle, ja lukemattomia vaihtoehtoisia tapoja maalata se, joka pääsi seinälle. Se menee jopa niin pitkälle, että se sanoo, ettei maalauksella ehkä ole lainkaan merkitystä; että ainoa asia, joka todella merkitsee, on ajatus.
Vain ajattele sitä
Joskus paras tapa saada jotain tehtyä on olla ajattelematta sitä. Tee se vain, kuten slogan sanoo. Kun pysähdymme ja mietimme, mitä teemme, se voi halvaannuttaa meidät, kun kyseenalaistamme, onko se, mitä teemme, vaivan arvoista tai onko sillä mitään arvoa lainkaan. Kun ensimmäiset abstraktit taiteilijat alkoivat etsiä puhtaasti abstrakteja teoksia, heillä oli paljon ajatuksia. Mutta samalla jotkut taiteilijat kysyivät kysymyksiä niiden tai muiden ideoiden arvosta.
Vuonna 1917 Marcel Duchamp loi taideteoksen nimeltä "Fountain". Se oli pissapotta, joka oli käännetty ylösalaisin ja johon oli allekirjoitettu "R. Mutt". Duchamp otti tavallisen esineen ja muunsi sen, tässä tapauksessa kääntämällä sen ylösalaisin ja poistamalla sen käyttöympäristöstään, tehden alkuperäisestä käytöstä vanhentuneen ja kutsuen siihen uusia merkityksen mahdollisuuksia. "Fountain" hylättiin näyttelyssä, johon se oli lähetetty, mutta siitä tuli mittapuu, jolle lopulta annettaisiin nimi Käsite-taide, suuntaus, joka asettaa taiteilijan ideoiden arvon taiteilijan prosessien tai esineiden arvon ylle.
Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 tuumaa, © Sarah Hinckley
Kuva ei ole mitään
Monet ensimmäisistä konseptuaalisista maalauksista eivät olleet lainkaan maalauksia. Vuonna 1953 taiteilija Robert Rauschenberg sai idean pyyhkiä maalaus pois. Hän aikoi saada varsinaisen objektin katoamaan, jättäen vain idean, ja näin nostaa sen uuteen kunnioitukseen. Hän uskoi, että jotta hänen ideansa täysi ilmentymä saavutettaisiin, jonkun toisen täytyi pitää objektia arvossa. Hänen oli pyyhittävä toisen taiteilijan työ, muuten se olisi vain kuin kieltämistä jostakin, mitä ei koskaan ollut.
Rauschenberg kääntyi ystävänsä Willem de Kooningin puoleen ja pyysi häntä lahjoittamaan rakastamansa maalauksen konseptiaan varten. Vaikka de Kooning vastustikin aluksi, hän päätyi antamaan Rauschenbergille piirustuksen, jonka hän inhosi nähdä katoavan ja jonka poistaminen olisi vaikeaa. Rauschenberg käytti yli tusinaa pyyhekumia yli kuukauden aikana, ja lopulta hän onnistui pyyhkimään koko kuvan. Tuloksena oli "Erased de Kooning Drawing", joka itsevarmasti ilmaisi ajatuksen siitä, että taideteoksen idea on se, mikä on tärkeintä, eikä teoksen tarvitse edes olemassa.
Robert Rauschenberg - Poistettu de Kooningin piirustus, 1953, Piirustusmateriaalin jälkiä paperilla, 64.14 cm x 55.25 cm x 1.27 cm, San Franciscon modernin taiteen museo (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation
Näkymättömän tekeminen
Käsitys idean ensisijaisesta tärkeydestä levisi nopeasti länsimaailmassa. Taiteilijat alkoivat kokeilla kaikkia mahdollisia ideoiden ilmenemismuotoja, uskoen, että jos idea on ilmentyäkseen, se voi ilmentyä monin eri tavoin. Taide, joka käsittelee puun kuvaa, voisi ilmentyä puun valokuvana, puun maalauksena, puun piirroksena, puun abstraktina maalauksena, sanoina "puun kuva" kirjoitettuna pinnalle, esittäjän osoittaessa oikeaa puuta, tulkitsevana tanssina, joka jäljittelee puuta, tai jopa taiteilijana, joka istuu lattialla silmät suljettuina ja ajattelee puun kuvaa.
Vuonna 1958 taiteilija Yves Klein piti maalausnäyttelyn Pariisissa, jota kutsutaan usein "Tyhjiöksi." Näyttelyn täydellinen nimi oli "Aistimuksen erikoistuminen raaka-aineen tilassa vakautettuun kuvalliseen aistimukseen, Tyhjiö." Legendan mukaan yli 3000 vierailijaa tuli katsomaan näyttelyä. Galleriaan astuessaan katsojat kohtasivat valkoisen huoneen, joka oli vailla maalauksia ja sisälsi vain tyhjän kaapin. Klein sanoi näyttelystä: "Maalaukseni ovat nyt näkymättömiä ja haluaisin näyttää ne selkeästi ja positiivisesti."
Fieroza Doorsen - Nimetön (Id. 1281), 2017, Öljy paperilla, 27 x 19 cm.
SolLeWitt
Vuonna 1968 abstrakti taiteilija Sol LeWitt lisäsi uuden ulottuvuuden käsitteellisen maalaamisen alueelle. Hän teoretisoi, että ei ole väliä, ilmeneekö idea koskaan fyysisenä maalauksena, eikä myöskään sillä, miten se maalataan tai kuka sen maalaa. Ainoa, mikä merkitsee, on taiteilijan alkuperäinen ilmaistu idea maalauksesta. Tämän käsitteen osoituksena LeWitt alkoi suunnitella seinämaalauksia, jotka voitiin, ja yleensä myös toteutettiin, muiden kuin hänen itsensä toimesta.
LeWittin ajatus oli, että jokainen yksittäinen käsi piirtäisi jokaisen viivan eri tavalla, joten vaikka he työskentelisivät samoista suunnitelmista, jokainen taiteilija piirtäisi seinämaalauksen eri tavalla kuin muut. Valmiit tuotteet poikkeaisivat alkuperäisestä suunnitelmasta ja toisistaan, mutta koska alkuperäinen suunnitelma on ainoa, joka merkitsee, vaihtelu on merkityksetöntä, samoin kuin tuotantotavat. LeWittin ajatuksen perintö on se, että hänen käsitteellisiä seinämaalauksiaan toistetaan edelleen tänä päivänä hänen kuolemansa jälkeen.
John Monteith - Yötaivas, 2010, grafiitti käsintehdyllä paperilla, 24 x 17.7 tuumaa, © John Monteith
Ideoiden tulevaisuus
Nykyajan konseptuaalinen maalaus jatkaa arvostuksemme laajentamista ideoista, jotka muodostavat taideteoksen perustan. Nykyajan amerikkalaisen abstraktin taiteilijan Debra Ramsayn työ juontaa juurensa ajatuksiin, jotka ovat perustavanlaatuisia aikamme kannalta. Hänen prosessinsa on seurata luonnon muuttuvia värejä, kuten kausiluonteisten kasvien värejä, ja sitten analysoida näitä väri muutoksia tietokoneohjelmassa. Saadut tiedot käytetään paletin luomiseen, joka viittaa muuttuvien luonnollisten värien käyttöön. Hän käyttää sitten tätä palettia luodakseen abstraktin esityksen esineistä avaruudessa, jotka muuttuvat ajan myötä.
Ramsayn työ tuo mieleen kaksi perustavanlaatuista ajatusta, jotka hallitsevat nykykulttuuriamme. Ensimmäinen on datan idea ja käsitys siitä, että jokainen elämämme osa-alue on valvonnassa, digitalisoitu, laskettu ja analysoitu jossain monumentaalisessa ymmärryksen etsinnässä. Toinen on ajatus siitä, että luonto muuttuu, ja että voimme nyt vain katsoa sen tapahtuvan ja löytää siitä jollain tavalla esteettistä kauneutta. Ramsayn ideat on kauniisti esitetty abstrakteina maalauksina, mutta juuri ideat itsessään tekevät hänen työstään niin merkityksellisen nykykulttuurissamme.
Debra Ramsay- Värivuosi, säädetty päivän pituuden mukaan, 2014, Akryyli polyesterikalvolla, 39.8 x 59.8 tuumaa.
H7
Kanadalainen abstrakti taiteilija John Monteith työskentelee useissa eri medioissa etsiessään onnistuneinta fyysistä ilmentymää taiteellisille käsitteilleen. Yksi alue, jota hän usein tutkii, on teksti. Monteith poimii tekstinpätkiä muista lähteistä, joita hän sattuu kohtaamaan työskennellessään, kuten päivittäisistä uutisista, kirjasta tai keskustelusta. Hän esittää sitten tekstin kontekstista irrotettuna galleriaympäristössä, mikä kutsuu uusia käsitteellisiä tulkintoja sanojen sisältämistä ideoista.
Monet media lähteet hyödyntäen Monteithin tekstipohjaiset piirustukset tuovat nykyaikaisen näkökulman ensimmäisen sukupolven käsitteellisten taiteilijoiden, kuten Robert Barryn, teoksiin, jotka myös usein työskentelevät tekstin parissa. Barryn työssä esitetään tekstinpätkiä paperilla, kankaalla, seinillä, lattioilla tai muilla ideoille sopivilla pinnoilla. Hänen sanansa ovat usein hänen omiaan, mutta joskus ne on otettu muista teksteistä, ja ne esitetään tavalla, joka kutsuu uusia assosiaatioita ja merkityksiä. Usein nämä käsitteelliset teokset esittävät paljon enemmän tietoa kuin perinteinen maalaus voisi, sillä ne vaativat katsojan oman mielikuvituksen osallistumista.
Aine ja merkitys
Vuonna 1965, merkittävässä konseptitaiteen teoksessa nimeltä Yksi ja kolme tuolia, konseptitaiteilija Joseph Kosuth esitteli oikean tuolin, valokuvan tuolista ja kirjoitetun kuvauksen siitä, mitä tuoli on. Kuten niin monet muutkin konseptuaaliset teokset, se nosti esiin kysymyksen siitä, mikä on ero ideoiden, esineiden ja abstrahointien välillä.
"Hyväksymme nyt, että käsitteellinen maalaus ei välttämättä tarvitse olla maalaus, eikä sen tarvitse olla olemassa materiaalimuodossa lainkaan. Mutta kun se on olemassa, onko sillä merkitystä? Onko sillä väliä, että se on täällä, fyysisessä maailmassa? Onko todella eroa objektin ja idean välillä? Arvostammeko todella ideaa enemmän? Jos olisimme nälkäisiä, haluaisimmeko mieluummin reseptin, maalauksen ruoasta vai oikeaa ruokaa? Käytännön tasolla käsitteellinen maalaus kysyy ja vastaa yhteen ihmiskunnan tärkeimmistä kysymyksistä: Onko sillä merkitystä, mitä teemme?"
Esittelykuva: Robert Barry - Ilman nimeä (Jokin, joka ei voi koskaan olla mikään tietty asia), 1969, Kirjoituskoneella paperille, 4 x 6 tuumaa, © Robert Barry
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
