Miksi Stanley Whitneyn ruudukkomaalaukset ovat tärkeitä
Amerikkalaisen abstraktin taidemaalarin Stanley Whitneyn viimeaikaisissa maalauksissa on selkeä ruudukkomainen luonne. Ne ovat arkkitehtonisia väripinoja, jotka herättävät mieleen neoplastisen television väripalkit. Hänen viimeisimmät piirroksensa paljastavat vielä selvemmin hänen vetovoimansa ruudukkoon, koostuen yksinkertaisista sommitelmista, joissa on paksuja mustia viivoja, jotka muistuttavat alkeellista ruutulautaa tai kalaverkkoa. Mutta Whitney ei aina ollut ruudukon maalaaja. Ruudukkoon vetäytyminen vei häneltä vuosikymmeniä. Itse asiassa, kun tarkastelee hänen maalauksiaan viimeisen viidenkymmenen vuoden ajalta, ei voi olla liittämättä työhön eräänlaista etenevää kertomusta, joka on laajentunut kauas alkuperästään ja tullut matkan varrella sekä yksinkertaisemmaksi että syvällisemmäksi. Tämä on ironista, koska Whitney kertoi Modern Art News Podcastissa, että syy abstraktin visuaalisen kielen omaksumiseen oli se, että ”en oikeastaan halunnut olla tarinankertoja.” Mutta hänen esteettinen kehityksensä kertoo tarinan. Se ei ole tyypillinen sankarillinen alku-keskikohta-loppu -tyyppinen tarina. Se on pikemminkin kronologia tai sarja uutisraportteja jatkuvan taistelun etulinjalta. Tämä taistelu, jota Stanley Whitney on käynyt jo ennen abstraktioon siirtymistään 1960-luvun lopulla, on maalaus- ja piirustusvälineiden kanssa, ja niiden roolista värin ja tilan ilmaisussa.
Värikäs nuoruus
Ei ole yllätys, että Stanley Whitney on tullut tunnetuksi värin tutkimisesta. Nyt 70-vuotiaana hän kertoo ihastuttavan tarinan kymmenvuotiaana lapsena käymästään ensimmäisestä maalauskurssista kotikaupunkinsa Bryn Mawrissa, Pennsylvaniassa. Opettaja ohjeisti luokan lapset maalaamaan omakuvia. Kun muut oppilaat yrittivät vangita erilaisia realistisia kasvonpiirteitään, Whitneyä vetosi enemmän väri kuin esittävä aihe.
Sen sijaan, että olisi yrittänyt sekoittaa väripaletin, joka vastasi hänen todellista ulkonäköään, hän teki omakuvan, johon sisältyi kaikki värit, mitä hän keksi. Whitney kertoo, että opettaja piti maalauksesta, mutta hänen vanhempansa eivät ymmärtäneet sitä. He eivät koskaan lähettäneet häntä takaisin kurssille. Mutta se ei estänyt Whitneytä kiinnostumasta maalaamisen ja värin mahdollisuuksista. Itse asiassa ei ole liioittelua sanoa, että siitä päivästä lähtien kymmenvuotiaana ensimmäisellä maalauskurssillaan Stanley Whitney on pysynyt sitoutuneena etsimään ihanteellista tapaa tehdä väristä aiheensa.
Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, valokuvat: Galerie Nordenhake
Tilaa etsimässä
Värin vetovoiman lisäksi Stanley Whitneyä nuorena kiinnosti myös piirtämisen prosessi. Hänen mustavalkoiset piirroksensa vaikuttivat aluksi erillään hänen värirakkaudestaan, mutta niiden välillä oli hienovarainen yhteys, jonka hän ymmärsi vasta monien vuosien kuluttua. Yhteys liittyy jotenkin tilaan. Mustavalkoisia piirroksiaan tehdessään hän huomasi, että tilan jakautuminen saattoi tapahtua lukemattomin tavoin, kun viivat neuvottelivat suhteestaan valkoiseen tilaan sommitelmassa. Kun hän kehittyi maalaajana, hän kuitenkin hämmästyi siitä, miten saavuttaa sama tilan neuvottelu värin avulla.
Varhaisissa figuratiivisissa teoksissaan värit tuntuivat ahdistavilta ja ahtailta. Ensimmäisissä abstraktioyrityksissään, jotka olivat värikenttämaalauksen variaatioita lisätyillä eleillä, värit tuntuivat liian löysiltä. Hän sanoi: ”Haluan työhön paljon ilmaa. Haluan työhön paljon tilaa.” Mutta hän tuntui jumittuneen siihen, miten luoda ilmavuutta kankaan tilan päälle. Hänen oivalluksensa syntyi 1970-luvulla Välimeren-matkalla. Käydessään Egyptissä ja Roomassa hän näki vastauksen arkkitehtuurissa ja valossa. Muinainen arkkitehtuuri ilmaisi rakennetta, hallintaa ja pinojen demokraattista potentiaalia. Välimeren varjot ja valo näyttivät hänelle, että väri ja valo ovat sama asia, ja että viileät ja lämpimät värit, kuten viileä ja lämmin valo, ilmaisevat tilaa. Tämä avasi maalaamisen mysteerin, jonka mukaan, kuten hän sanoo, ”Ilma ja tila voivat olla värissä, eivät niin, että väri olisi tilassa.”
Stanley Whitney - Nimetön, 2013, lyijykynä paperilla, valokuvat: Galerie Nordenhake
Järjestelmällinen prosessi
”Siitä alkoi asioiden loksahtaminen paikoilleen,” Whitney sanoo. Siitä lähtien hän on hitaasti kehittynyt kohti nykyisiä ruudukkomaalauksiaan. Hän on tutkinut graffitimaisten eleiden käyttöä värin ilmaisussa viivan avulla, samoin kuin Mondrianin työssä. Hän on tarkastellut erilaisia tapoja lähestyä ruudukkoa, pinotuista muodoista piste- ja värivyöriveihin. Hän tiesi haluavansa luurankomaisen rungon, joka sisältäisi värit tasapuolisesti, mutta ei halunnut ruudukon sääntöjen pakottavan teoksia tiettyyn suuntaan. Hän halusi löytää täydellisen sekoituksen rakennetta ja vapautta, kuten jazzissa.
Stanley Whitney - Lush Life, 2014, öljy pellavalle, valokuvat: Galerie Nordenhake
Stanley Whitneyn kypsät ruudukko-työt ovat puhtaita ja vakaita. Ne vaikuttavat ensi silmäyksellä jopa vailla sitä karheutta ja ahdistusta, joka teki hänen aikaisemmista töistään niin eläviä. Mutta tarkemmassa tarkastelussa ihmiskäden maalausjäljet ovat ilmeisiä, ja sommitelmien monimutkaisuus paljastaa syvyyden, jolla Whitney yhä kamppailee pulmansa kanssa. Hän on löytänyt tavan tehdä väristä aiheensa. Hän on löytänyt salaisuuden, että väri ja valo ovat sama asia ja molemmat tilan ilmentymiä. Näiden löytöjen kautta hän on luonut teossarjan, joka on rikas ja kiistatta täynnä merkitystä. Mutta löydöistään huolimatta hän on pysynyt partaveitsen terällä, paljastamatta koskaan, tai ehkä koskaan tietämättä tai välittämättä tietää, tarkalleen mitä tuo merkitys on.
Stanley Whitney - Manhattan, 2015, öljy kankaalle, valokuvat: Galerie Nordenhake
Kuvassa: Stanley Whitney - Nimetön, 2016, öljy pellavalle, valokuvat: Galerie Nordenhake
Kaikki kuvat © taiteilija ja Galerie Nordenhake;
Kaikkia kuvia käytetty havainnollistamistarkoituksessa
Kirjoittanut Phillip Barcio
