Haastattelu John Monteithin kanssa
John Monteith syntyi vuonna 1973 Newmarketissa, Ontariossa, Kanadassa, ja valmistui Parsons The New School for Designin MFA-ohjelmasta vuonna 2008. Hän on matkustanut ja asunut laajasti eri puolilla maailmaa, mikä on vaikuttanut ja muuttanut hänen työskentelytapaansa vuosien varrella. Hänen monimutkaiset ja värikkäät vahasta ja pigmenteistä tehdyt teoksensa kerroksellisella luonnoskalvolla sekä huolellisesti kerrostetut valokuvadokumentaationsa ovat tehneet hänestä halutun ja tunnetun abstraktin taiteen tekijän.
John Monteith on ollut kansainvälisesti edustettuna ja ollut useiden yksityis- ja ryhmänäyttelyiden keskipisteenä, kuten: ”At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; ”Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zürich, Sveitsi; ja ”Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berliini, Saksa. Hänen teoksiaan on pysyvissä kokoelmissa The New Schoolissa, Manhattanilla, New Yorkissa; BNY Mellonissa, New Yorkissa; sekä Morris and Associatesissa Lontoossa, Englannissa. IdeelArtilla oli ilo haastatella taiteilijaa hänen työskentelyprosessistaan ja tulevista projekteistaan.
Mitä materiaaleja ja tekniikoita käytät työskentelyprosessissasi? Miten työskentelytapasi on muuttunut ajan myötä?
Aikaisemmassa maalauskäytännössäni käytin öljyvärejä kankaalle ja työskentelin esittävällä tyylillä tehden suurikokoisia figuurimaalauksia. Vuodesta 2005 lähtien olen tehnyt merkittävän muutoksen sekä materiaalin että aiheen suhteen. Työni kehitys on kulkenut luonnollisesti ajatusteni mukana, ei vain kaupunkitilojen vaan myös henkilökohtaisten suhteiden ja monikerroksisten yhteyksien osalta. Olen aina ollut kiehtonut siitä, mikä erottaa näkyvän ja piilotetun.
Vuonna 2006 aloin työskennellä luonnoskalvon kanssa, hyödyntäen sen läpikuultavia ominaisuuksia kuvien kerrostamisessa. Vaikka työskentelin edelleen esittävällä tyylillä, käytin ohennettua öljyvärimaalia hyödyntäen sen läpinäkyvyyttä. Maalasin arkkitehtuuria ja kaupunkikeskuksia, paikkoja, joissa olin vieraillut ja joilla oli historiallista merkitystä, sekä jopa vanhan auto-onnettomuuden jäänteitä, jotka näin metsässä Kyotossa, Japanissa, noin viisitoista vuotta sitten. Jokainen näistä kohtauksista oli joskus tai on edelleen murtumakohta. Näiden sarjan maalauksien luomiseksi maalasin jokaisen kuvan kahdesti kahdelle eri luonnoskalvolle ja asetin kalvot päällekkäin, siirtäen rekisteriä niin, että ylin maalaus oli hieman siirtynyt alimmasta, ja kerrostin ne yhdeksi kuvaksi. Näiden kahden ”osan” yhdistäminen yhdeksi maalaukseksi loi teoksen, joka viipyi arvoituksellisessa muutoksen tilassa, eräänlaisena liikkeenä pysäytettynä aikaan. Näiden maalauksien näyttämisen jälkeen tekstipohjaisten teosten kanssa, lähestyin taiteen tekemistäni yhä pelkistetymmin, ottaen konkreettisen lähestymistavan piirroksiini ja maalauksiini, jotka säilyttivät viittauksen ajallisuuteen kaupunkitilassa ja muisti/historia-keskusteluun, jota ovat edistäneet kirjoittajat kuten Andreas Huyssen.
Vuonna 2011 aloitin (de) Construction/(re) Construction -sarjan, joka syntyi valokuvadokumentaatiosta välitiloista, kuten oviaukoista ja käytävistä ostoskeskuksissa, lentoasemien terminaaleissa ja muissa julkisissa tiloissa. Tein nämä maalaukset hyödyntäen näissä ”roskatiloissa” esiintyviä valon ja varjon muotoja, termi jonka on lanseerannut ja josta on kirjoittanut Rem Koolhaas. Nämä ovat ”ei-paikkoja”, joissa vietämme paljon aikaa siirtyessämme pisteestä A pisteeseen B. Kuten edellisessä maalauksien ryhmässä, käytin samaa strategiaa kahden identtisen kerroksen maalaamiseen, mutta tällä kertaa asettaessani kerrokset yhteen siirsin ne haluttuun asentoon ennen maalauksen viimeistelyä, tuoden esiin ja työntäen taakse tiettyjä elementtejä.
Näiden maalauksien viimeistelyssä kiinnitin ne läpinäkymättömälle valkoiselle pleksilasille, joka oli käsin leikattu kunkin maalauksen mittojen mukaan. Tämä mahdollisti teosten ripustamisen seinälle perinteisen maalauksen tavoin, mutta vaihtoehtoisesti myös teosten ajatteleminen veistoksina ripustamalla jokainen teos omaan jalustalleen. Tällainen asennus loi uusia fyysisiä suhteita teosten välille samalla kun se viittasi gallerian arkkitehtuuriin ja muutti katselukulmaa, muuttaen siten kokemuksen luonnetta. Teokseni saavat tällä tavoin erilaisia merkityksiä. Olen aina ollut kiinnostunut kerrostamisesta, mutta myös siitä, että yksi materiaali viittaa toiseen, tässä tapauksessa maalaukseni asennettuna veistoksina. Eri maalaukset saattavat näyttää piirroksilta, ja valokuvat ja piirrokset voivat näyttää maalauksilta. Jokainen luomisprosessin vaihe näkyy lopputyössä; jäljet ovat aina luettavissa. Minulle sisältö on juuri siinä. Kaupungeissamme tämä tilanne toistuu, kun etsimme todisteita ja jälkiä menneisyydestä, piilotettuna nykyisyyden pinnan alle.
Vietin viimeiset kaksi vuotta Berliinissä, luoden piirroksia, jotka kasvoivat orgaanisesti toisin kuin aiempi valokuvaviitteiden käyttöni. Tarkastelin erityisesti kaupungin uudelleenrakentamista, sen topografiaa ja myös kaupungin ”tyhjiöitä”, jotka säilyttävät menneisyyden jälkiä. Tästä tutkimuksesta syntyi toisiinsa liittyviä piirrosryhmiä, jotka täydentävät toisiaan katsottaessa yhdessä, sekä teoksia, jotka käsittelivät kaupungin keskustan arkkitehtonista uudelleenrakentamista.
Kuinka kauan teoksen tekeminen yleensä kestää?
Se vaihtelee. Berliinissä olin yleensä studiossani kuusi päivää viikossa. On vaikea sanoa, kuinka kauan teoksen tekeminen kestää, sillä työskentelen usein useiden teosten parissa samanaikaisesti. Prosessissani aloitan hyvin ohuella maalikerroksella ja rakennan sitä hitaasti tai piirroksissani vietän usein pari viikkoa testaten ennen kuin lopullinen lähestymistapa muotoutuu. Periaatteessa prosessini on hidas ja työläs.
Mikä on olennainen osa työtäsi?
Työni on vienyt minut moniin kaupunkeihin, sekä asumaan että tutkimaan. Jokainen muutto vaikuttaa ja muuttaa työtäni. Nämä paikat ovat katalysaattoreita sille, miten ajattelen taiteen tekemistä ja miten toteutan prosessini. Uudet ajattelun ja tekemisen tavat syntyvät, kun vanhat tavat rikkoutuvat ja muuttuvat.
Mistä tiedät, että työ on valmis?
En oikeastaan työskentele niin epämääräisesti; minulle se on selkeämpää. Ei ole koskaan ollut epäselvää, mitä minun täytyy tehdä seuraavaksi työn ratkaisemiseksi. Suurin kysymys on, miten sijoitan jokaisen teoksen kontekstuaalisesti muiden teosten kanssa näyttelyssä ja miten työ asennetaan. Nämä ovat aina vaikeimmat kysymykset, kun pohdin, miten työni tulkitaan ja miten näyttelytila vaikuttaa tähän luettavuuteen. Valitessani materiaalia myös kehystäminen on tärkeää. Kehystäminen voi joko tehdä tai rikkoa työni. Tykkään työskennellä kehystäjien kanssa, joihin luotan ja jotka voivat tarjota näkemyksiään ja ideoitaan.
Mitä fyysisen tilan olemassaolo taiteen tekemiseen merkitsee prosessillesi, ja miten saat studiostasi toimivan itsellesi?
Studiotilani täytyy olla yksinäinen ja hiljainen paikka. Olen joustava sijainnin suhteen, mutta studiolla on tiettyjä rajoja, erityisesti mittasuhteiden ja työskentelykoon suhteen. Jos tila on pieni, työ näyttää studiossa paljon suuremmalta kuin se on, kun se ripustetaan suuren gallerian seinälle.
Työskenteletkö tällä hetkellä jonkin projektin parissa tai oletko innostunut aloittamaan jotain, josta voisit kertoa?
Tällä hetkellä olen Halifaxissa, Kanadassa, tekemässä tutkimusta kuitupohjaisista taidemenetelmistä uutta kangaspuilla kudottua teossarjaa varten. Berliinissä ollessani kiinnostuin yhä enemmän perinteisen työskentelytapani täydentämisestä ja uusien välineiden käyttöönotosta—maalaan edelleen, mutta eri tavalla.
Miten navigoit taidemaailmassa?
Uskon, että paras tapa käsitellä paineita on viettää mahdollisimman paljon aikaa studiossa ja jatkaa työskentelyä. Prosessissa eteenpäin meneminen tavoilla, jotka ovat sinulle haastavia, tuo tietynlaista lohtua. Luen erilaisia tekstejä ja taidelehtiä, jotka keskittyvät kulttuuriteoriaan ja tutkimukseen, eivät pelkästään näyttelyarvosteluihin tai taidemarkkinoita käsitteleviin artikkeleihin. On myös tärkeää, että minulla on yhteisö ympärilläni—minulla on ryhmiä Berliinissä, New Yorkissa ja Torontossa—joissa on taiteilijoita, kuraattoreita, kirjoittajia, suunnittelijoita, muusikoita ja dj:tä, jotka tukevat työtäni samalla kun minä tuen heidän työtään. Keskusteluun osallistuminen ja läsnäolo heidän kanssaan auttaa minua valtavasti selviytymään taiteilijuuden paineista.
Mikä on paras neuvo, jonka sait taidemaailmaan astuessasi? Mitä neuvoja antaisit nuorille nouseville taiteilijoille?
Paras neuvo, jonka sain, tuli Marthalta Roslerilta, joka sanoi: ”Älä koskaan luota kehenkään urasi suhteen. Sinun täytyy aina pitää silmällä, miten sinua edustetaan ja miten sinua edustavat henkilöt kehystävät keskustelua työstäsi.”
Oletko mukana tulevissa näyttelyissä tai tapahtumissa? Missä ja milloin?
Olen mukana ryhmänäyttelyssä Galerie Wengerissä Zürichissä, Sveitsissä, joka avautuu 24. lokakuuta 2015 ja kestää 9. tammikuuta asti. Minulla on myös muutamia muita projekteja, jotka ovat kehitysvaiheessa.
Kuvassa: Memorial Day -installaatio O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Taiteilijan ystävällisellä luvalla
