Haastattelu John Monteithin kanssa
John Monteith syntyi vuonna 1973 Newmarketissa, Ontariossa, Kanadassa ja hän on valmistunut Parsons The New School for Designin MFA-ohjelmasta vuonna 2008. Hän on matkustanut ja asunut laajasti ympäri maailmaa, mikä on vaikuttanut ja muuttanut hänen tuotantokäytäntöjään vuosien varrella. Hänen monimutkaiset ja värikkäät vahasta ja pigmenteistä tehdyt teoksensa kerroksellisella luonnoskalvolla, samoin kuin hänen huolellisesti kerrostetut valokuvadokumentaationsa, ovat tehneet hänestä kysytyn ja tunnetun abstraktin taiteilijan.
John Monteith on ollut kansainvälisesti edustettuna ja useiden yksityis- ja ryhmänäyttelyiden keskipisteenä, kuten: "At Night All Cats Are Grey", O’Born Contemporary, Toronto, ON; "Not Yet Titled", Galerie Wenger, Zürich, Sveitsi; ja "Vector Issue 5", Schau Fenster, Raum für Kunst, Berliini, Saksa. Hänen teoksensa ovat osa pysyviä kokoelmia The New Schoolissa, Manhattan, New York; BNY Melonissa, New York; ja Morris and Associatesissa Lontoossa, Englannissa. IdeelArtilla oli ilo haastatella taiteilijaa keskustellakseen hänen työprosessistaan ja tulevista projekteistaan.
"Mitä materiaaleja ja tekniikoita käytät työprosessissasi? Miten käytäntösi on muuttunut ajan myötä?"
Aikaisemmassa maalauskäytännössäni käytin öljyä kankaalla ja työskentelin esittävällä tavalla, tehden suurikokoisia figuurimaalauksia. Vuodesta 2005 lähtien olen tehnyt merkittävän muutoksen sekä materiaalin että aiheiden suhteen. Työni kehitys on edennyt luonnollisesti ajatusteni mukana, ei vain kaupunkitiloista, vaan myös henkilökohtaisista suhteista ja monista suhteiden kerroksista. Olen aina ollut kiehtonut siitä, mikä luonnehtii näkyvää ja piilotettua.
Vuonna 2006 aloin työskennellä piirtämisfilmillä, käyttäen sen läpinäkyviä ominaisuuksia kuvien kerrostamiseen. Vaikka työskentelin edelleen esittävällä tavalla, käytin öljymaalia, joka oli ohennettu hyödyntämään sen läpinäkyvää luonteen. Maalasin arkkitehtuuria ja kaupunkikeskuksia, paikkoja, joissa olin vieraillut ja joilla oli historiallista merkitystä, ja jopa vanhan auto-onnettomuuden jäänteitä, jonka näin metsässä Kiotossa, Japanissa, jossa oli mukana pari autoa, jotka olivat ajautuneet jyrkältä tieltä ehkä viisitoista vuotta sitten. Jokainen näistä kohtauksista oli kerran tai on edelleen katkonainen paikka. Luodessani maalauksia tästä sarjasta maalasin jokaisen kuvan kahdelle eri piirtämisfilmille ja asetin sitten levyt päällekkäin, siirtäen rekisteriä niin, että ylin maalaus oli hieman siirtynyt alhaalta, jolloin ne kerrostuivat luodakseen yhden kuvan. Näiden kahden "osan" yhdistäminen yhdeksi maalaukseksi loi teoksen, joka viipyi arvoituksellisessa muutoksen vyöhykkeessä, eräänlaisena liikkeenä, joka oli jäänyt aikaan. Näiden maalauksien esittämisen jälkeen yhdessä tekstipohjaisten teosten kanssa, tulin yhä vähäisemmäksi taiteen tekemisessäni, ottaen konkreettisen lähestymistavan piirustusteni ja maalauksieni tekemiseen, joka säilytti viittauksen ajalliseen kaupunkisfäärissä ja muisti/historia-keskusteluun, jota edistivät kirjoittajat kuten Andreas Huyssen.
Vuonna 2011 aloin (de) Construction/(re) Construction -sarjan, joka luotiin valokuvadokumentaatiosta interstitiaalisista tiloista, kuten ovista ja käytävistä, ostoskeskuksista, lentoterminaaleista ja muista julkisista tiloista. Tein nämä maalaukset käyttämällä näiden "roskatilojen" läsnä olevien valon ja varjojen muotoja, termi, jonka on keksinyt ja josta on kirjoittanut Rem Koolhaas. Nämä ovat "ei-paikka" paikkoja, joissa vietämme suuren osan ajastamme siirtyessämme pisteestä A pisteeseen B. Kuten edellisessä maalaukseni ryhmässä, käytin samaa strategiaa maalata kaksi identtistä kerrosta, mutta tällä kertaa, kun asetin kerrokset yhteen, siirsin niitä haluttuun asentoon ennen maalauksen viimeistelyä, vetäen esiin ja työntäen takaisin tiettyjä elementtejä.
Näiden maalauksien viimeistelyssä kiinnitin ne läpinäkymättömälle valkoiselle pleksilasille, joka oli käsin leikattu jokaisen maalauksen mittojen mukaan. Tämä mahdollisti teosten ripustamisen seinälle kuten perinteisiä maalauksia, mutta toisaalta mahdollisti ajatella maalauksia veistoksina ripustamalla jokaisen teoksen omalle telineelleen. Tällä tavalla teosten asentaminen loi uusia fyysisiä suhteita teosten välille samalla kun se viittasi gallerian arkkitehtuuriin ja muutti "yksi yhteen" näkymää, muuttaen siten kokemuksen luonteen maalauksista. Teokseni saavat tällä tavalla erilaisia assosiaatioita. Olen aina ollut kiinnostunut kerroksellisuudesta, mutta olen myös kiinnostunut käyttämään yhtä materiaalia viitatakseni toiseen, tässä tapauksessa maalaukseni asennettuna veistoksina. Eri maalaukset saattavat näyttää piirustuksilta, ja valokuvat ja piirustukset saattavat näyttää maalauksilta. Jokainen vaihe luovassa prosessissani ilmenee visuaalisesti lopullisessa teoksessa; jäljet ovat aina luettavissa. Minulle tässä on sisällön ydin. Kaupungeissamme tämä skenaario toteutuu, kun etsimme todisteita ja jälkiä menneisyydestä, piilossa nykyisyyden pinnan alla.
Vietin viimeiset kaksi vuotta Berliinissä, luoden piirustuksia, jotka kehittyivät orgaanisesti toisin kuin aiempi valokuvaviittaukseni. Tarkastelin erityisesti kaupungin jälleenrakentamista, sen topografiaa ja myös kaupungin "tyhjyyksiä", jotka säilyttävät jälkiä menneisyydestä. Tästä tutkimuksesta loin toisiinsa liittyviä piirustusten ryhmiä, jotka informoivat toisiaan, kun niitä tarkastellaan yhdessä, sekä teoksia, jotka käsittelivät kaupungin keskustassa tapahtuvaa arkkitehtonista jälleenrakentamista.
Kuinka kauan työ yleensä kestää?
Se todella riippuu. Kun olin Berliinissä, olin yleensä studiossani kuusi päivää viikossa. On vaikeaa sanoa, kuinka kauan työ kestää, koska työskentelen usein useiden teosten parissa samanaikaisesti. Prosessissani aloitan hyvin ohuella maalilla ja sitten rakennan sitä hitaasti ylös tai piirustusteni tapauksessa vietän usein pari viikkoa testaten ennen kuin viimeistelen lähestymistapani työhön. Periaatteessa prosessini on hidas ja työläs.
Mikä on olennaista työssäsi?
"Harjoitukseni on vienyt minut moniin kaupunkeihin, sekä asumaan että tutkimaan. Joka kerta kun muutan, se vaikuttaa ja muuttaa työtäni. Nämä paikat ovat katalyyttejä siihen, miten ajattelen taiteen tekemistä ja miten toteutan prosessiani. Uusia ajattelutapoja ja tekemisen tapoja syntyy, kun menneitä tapoja rikotaan ja ravistellaan."
Mistä tiedät, milloin työ on valmis?
"En oikeastaan työskentele niin epämääräisesti; se on minulle selvempää. Ei ole koskaan ollut kysymystä siitä, mitä minun tarvitsee tehdä seuraavaksi työn ratkaisemiseksi. Suurin kysymys minulle on, miten sijoitan jokaisen osan kontekstuaalisesti muiden osien kanssa näyttelyssä, ja miten työ asennetaan? Nämä ovat aina vaikeimmat kysymykset, kun mietin, miten työni luetaan ja miten näyttelytila vaikuttaa tähän luettavuuteen. Valitsemallani materiaalilla työskennellessäni kehystys on myös huomioitava. Kehystys voi joko tehdä tai rikkoa työni. Tykkään työskennellä kehystysten kanssa, joihin luotan ja jotka voivat tarjota näkemyksiään ja ideoitaan."
Mitä fyysisen tilan omistaminen taiteen tekemiseen tarkoittaa prosessillesi, ja miten saat työtilasi toimimaan sinulle?
Studioni tarvitsee olla yksinäinen ja rauhallinen tila. Olen joustava sijainnin suhteen, mutta studiotila määrittää tietyt parametrit, erityisesti koon ja sen, kuinka suurta on mahdollista työskennellä. Jos sinulla on pieni tila, työ näyttää studiollasi paljon suuremmalta kuin se tulee näyttämään, kun se on ripustettuna suuren gallerian seinille.
Onko jotain, mihin työskentelet tällä hetkellä tai mistä olet innoissasi aloittamassa, josta voisit kertoa minulle?
Tällä hetkellä olen Halifaxissa, Kanadassa, tekemässä tutkimusta kuitupohjaisista taidekäytännöistä uudelle kudontatyölle. Berliinissä kiinnostuin yhä enemmän perinteisen käytäntöni laajentamisesta ja uusien medioiden sisällyttämisestä – aion edelleen maalata, mutta vain eri tavalla.
Miten navigoit taidemaailmassa?
Mielestäni paras tapa käsitellä paineita on viettää mahdollisimman paljon aikaa studiossasi ja jatkaa työn tekemistä. Edistymisessä, joka on sinulle haastavaa, on tietty lohtu. Luin erilaisia tekstejä ja taidejulkaisuja, jotka keskittyvät kulttuuriteoriaan ja tutkimukseen sen sijaan, että ne olisivat suoria näyttelyarvosteluja tai artikkeleita, jotka on omistettu taidemarkkinoille. On myös hyödyllistä, että yhteisöni on ympärilläni – minulla on ryhmiä Berliinissä, New Yorkissa ja Torontossa – jotka koostuvat taiteilijoista, kuraattoreista, kirjoittajista, suunnittelijoista, muusikoista ja dj:istä, jotka tukevat työtäni samalla kun minä tuen heidän työtään. Keskusteluun osallistuminen ja heidän kanssaan läsnä oleminen auttaa minua valtavasti selviytymään taiteilijan paineista.
Mikä on paras neuvo, jonka olet saanut, kun pääsit taidemaailmaan? Mitä neuvoja sinulla on nuorille nouseville taiteilijoille?
Paras neuvo, jonka sain, oli Martha Roslerilta, joka sanoi: "Älä koskaan luota ketään uraasi. Sinun on aina pidettävä silmällä, miten sinua edustetaan ja miten ne, jotka edustavat sinua, kehystävät keskustelua työstäsi."
Oletko mukana tulevissa esityksissä tai tapahtumissa? Missä ja milloin?
Olen osa ryhmänäyttelyä Gallery Wengerissä Zürichissä, Sveitsissä, joka avautuu 24. lokakuuta 2015 ja kestää 9. tammikuuta asti. Minulla on myös muutamia muita projekteja, jotka ovat kehityksen alkuvaiheessa.
Esittelykuva: Memorial Day -asennus O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Taiteilijan luvalla
