Callum Innesin Maalaus ja Maalaamattomuus

Skotlantilainen taiteilija Callum Innes on ihanteellinen taiteilija, johon meidän kannattaa kiinnittää huomiota nykyisinä, sanotaanko, apokalyptisina aikoina. Loppujen lopuksi sana apokalypsi, alkuperäisessä kreikassa, tarkoittaa vain paljastamista tai ilmaisemista. Jos nykyaikainen assosiaatiomme sanan kanssa herättää mielessämme katastrofin kuvia, se itsessään saattaa olla paljastus siitä, kuinka tärkeää on, että joitakin asioita ei paljasteta. Olen iloinen voidessani kutsua Innestä apokalyptiseksi taiteilijaksi juuri siksi, että hänen työnsä, mielestäni, on täysin paljastamista. Se on ajatus, joka on juurtunut hänen maineeseensa "unpainterina". Hän sai lempinimen unpainter prosessinsa vuoksi, joka vaikuttaa aluksi olevan vastakohta muille taiteilijoille. Hän aloittaa jokaisen työn levittämällä yksivärisen maalikerroksen pinnalleen ja käy sitten toistuvasti maalattua aluetta läpi tärpätillä. Vaikka hän teknisesti lisää jatkuvia kerroksia väliainetta kuvaan, tämän välineen luonne on poistaa kaikki, mikä oli pinnalla ennen. Jokainen unpainting voitaisiin ajatella avainhetken reliikkinä hänen prosessissaan – esteettisen paljastuksen jäädytetty hetki. On kuitenkin myös houkuttelevaa lukea siihen enemmän kuin niin. Monoliittinen, läpinäkymätön kerros, jonka Innes ensin rakentaa studiossaan; tapa, jolla näennäisesti korruptoimaton pinta täysin liukenee tippuvaksi sotkuksi ensimmäisessä liuottimen esittelyssä; todellisuuden ymmärtäminen rakenteen ja kerrosten todellisesta monimutkaisuudesta, joka piilee siinä, mikä aluksi näytti yksinkertaiselta ja yhtenäiseltä; ymmärtäminen, että hyvin vähän on lopulta pysyvää – kuinka emme voisi nähdä jotain paljastavaa nykyaikaisessa hetkessämme tämän prosessin runoudessa? Kuitenkin, kuten Innes todennäköisesti on ensimmäinen huomauttamaan, nämä apokalyptiset unpaintings eivät ole poliittisia lausuntoja, eivätkä ne ole allegorioita. Ne ovat yksinkertaisia, aineellisia muistutuksia siitä, että aika ei koskaan lopu, eikä mikään ole koskaan valmis.

Aika ei koskaan lopu

Monet ihmiset kuvaavat Callum Innesiä prosessitaiteilijana. Jos jokin tuossa lauseessa tuntuu hieman riittämättömältä, se voi johtua siitä, että taiteessa ei tapahdu mitään ilman prosessia. Innesin kohdalla se tarkoittaa, että prosessi on itse työ. Maalaus itsessään, esineenä, on tärkeä vain siinä määrin, että se muistuttaa meitä prosessista. Paras tapa ymmärtää on katsoa Innesiä työssään studiossa. Artimage-verkkosivustolla on hieno video Innesistä, jonka on tehnyt ranskalainen valokuvaaja Gautier Deblonde. Video näyttää vain menetelmän. Se todistaa prosessista ja siitä, kuinka vakavasti Innes ottaa sen. Näemme Innesin aloittavan maalin levittämisen pinnalle yrittäessään konkretisoida jotakin ajatusta, joka hänellä on väreistä ja muodoista. Kun hän maalaa neliön tai suorakulmion tuolle pääpinnalle, pigmentti roiskuu myös seinälle ja lattialle – visuaalisia ja materiaalisia aaltoja avaruusajassa, joita voisi väittää myös osaksi teosta. Kun pigmentti pääpinnalla kertyy ja väri voimistuu, näyttää siltä, että maalaus voitaisiin ottaa seinältä pois tuossa hetkessä ja myydä monokromaana. Kukaan ei epäilisi sen asemaa täydellisenä taideteoksena. Kuitenkin juuri tuossa hetkessä Innes aloittaa terpeenin kanssa.

Callum Innes - Paljastettu maalaus sinivioletti punahauta, 2019, öljy pellavalla, 110 x 107 cm / 43.3 x 42.1 in. Kerlin Gallery

Jokainen uusi veto hänen terpentiiniin kastetusta siveltimestään saa lisäkerroksia pigmenttiä kirjaimellisesti haihtumaan ilmaan. Terpentiini roiskuu myös lattialle ja seinille, syöden pois niille roiskunutta maalia ja itse pintoja. Kun katsomme, se, mikä alkoi maalauksena, kehittyy purkamiseksi. Innes puolestaan näyttää tarkkailevan merkkejä siitä, mitä muutosta hän toivoi aikaansaavansa. Vaikka hän tekee tätä teosta, hän projisoi myös taakse- ja eteenpäin ajassa, muistaen jokaisen muun purkamisen, jonka hän on koskaan tehnyt, muistellen, mitä sille tapahtui, kun se lähti studiosta, mitä ihmiset sanoivat siitä, kun se oli näytillä, ja miltä se näytti hänestä, kun hän itse lopulta näki sen roikkuvan tyhjällä seinällä gallerian valoissa. Kun hän navigoi tätä prosessia, hän ei vain tee satunnaisia esteettisiä valintoja. Hän miettii, mihin tämä teos sopii yhteen jokaisen teoksen kanssa, jonka hän on koskaan tehnyt tai tulee tekemään. Hän taistelee yleisimmän demonin kanssa, jonka jokainen taiteilija koskaan kohtaa: ajan.

Callum Innes - Nimetön, 2017, pastelli Two Rivers -paperilla, 76 x 61 cm ilman kehystä / 96 x 81 cm kehystettynä. Kerlin Gallery

Mikään ei ole koskaan valmis

Studiossa syntyvä reliikki edustaa vain yhtä vaihetta tässä prosessissa. Pitkään sen jälkeen, kun Innes on saanut sen valmiiksi, se edelleen vuorovaikuttaa katsojien kanssa herättääkseen—vuorovaikutuksia, jotka muuttuvat muistoiksi, vaikka valo, kosteus, lämpö, pöly ja home jatkavat pinnan kuluttamista ja uudelleenrakentamista. Perusolettamus, jonka jokainen meistä tekee, kun näemme taideteoksen galleriassa tai museossa, on se, että teos on valmis. Innesin työskentelyä katsellessa herääkin tärkeä kysymys: mitä kriteereitä taiteilija voisi mahdollisesti käyttää arvioidakseen, milloin jokin on valmis? Jotta voisi onnistuneesti luoda jotain kestävää arvoa, taideteoksen on oltava enemmän kuin vain hetken kuva. Sen on merkittävä aikaa, ilman että se jää jumiin aikaan. Monet taiteilijat eivät koskaan oikeastaan tunne, että heidän työnsä on valmis. He tuskailevat muutoksista, joita he haluaisivat vielä tehdä, jopa sen jälkeen, kun teos on myyty. On hyvä syy, miksi taiteilijat tuntevat näin: koska se on totta, mikään taideteos ei ole koskaan valmis.

Callum Innes - Monologi 1, 2012, öljy kankaalle, 210 x 205 cm / 82.7 x 80.7 in. Kerlin Gallery

Katsoessamme Inneksen työskentelyä, näemme taiteilijan, joka on voittanut ajan ongelman hallitsemalla tekniikkaa; taiteilijan, jolla on hyvä huumori ja sitkeys, jolle prosessi on selvästi tärkein asia—tekeminen; intuitio; luova teko. Hän näyttää tietävän, että niin kauan kuin työ on olemassa, se ei koskaan ole valmis. Hän yksinkertaisesti lopettaa, kun se, mitä hän tekee, on vienyt hänet, taiteilijan, paikkaan, jossa hän voi tehdä jotain uutta. Katsellessamme keveyttä, jolla hän astuu tähän neuvotteluun, ja vaivattomuutta, jolla hän jättää yhden maalaamattoman työn taakseen siirtyäkseen seuraavaan, viittaa siihen, että meidänkin tulisi tehdä samoin. Sen sijaan, että analysoisimme sitä, mitä näemme nyt, meidän tulisi antaa itsemme vetää aikakerroksiin, jotka projisoituvat taaksepäin ja eteenpäin hänen työssään. Maalaamattomuus on muistutus siitä, että ilmestyminen on prosessi.

Esittelykuva: Callum Innes - Paynes Grey / Chrome Yellow 2011, Akvarelli Canson Heritage 640gsm:llä, 56 x 77 cm / 22 x 30.3 in. Kerlin Gallery
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park