Kuinka Die Brücke (Silta) juhli väriä voimana
Saksalainen ekspressionismi syntyi Dresdenin kaupungissa vuonna 1905. Silloin neljä arkkitehtiopiskelijaa kokoontui perustamaan Die Brücke -taidesuuntauksen, jonka tarkoituksena oli käynnistää saksalainen esteettinen vallankumous. Die Brücke tarkoittaa saksaksi ”Siltaa.” Tämä ilmaisu kuvasi ryhmän käsitystä itsestään siirtymävaiheen hahmoina, jotka yhdistävät vanhentuneet saksalaiset taidetraditiot menneisyydestä modernistisiin ihanteisiin, jotka ohjaisivat kulttuuria tulevaisuuteen. Yleisesti ottaen Die Brücken estetiikka kallistui tunnepitoisiin, ilmaisullisiin sommitelmiin, joita hallitsivat puhtaat, tasaiset, liukumatonta väripintaa olevat alueet ja yksinkertaistetut muodot, jotka oli tehty primitiivisillä merkeillä. Die Brücken taiteilijat pyrkivät välittämään tunteita ennemmin kuin kopioimaan todellisuutta. Heidän estetiikkansa sai suurilta osin vaikutteita puupiirroksista. Mutta ryhmällä oli myös toinen, aikaisempi inspiraation lähde – ironisesti ei saksalainen eikä heidän vuosisadaltaan: hollantilaisen postimpressionistisen taidemaalari Vincent Van Goghin maalaukset, joka kuoli vuonna 1890. Die Brücken neljä perustajaa – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl ja Karl Schmidt-Rottluff – vierailivat Van Goghin retrospektiivisessä näyttelyssä, joka avattiin Dresdenissä vuonna 1905. He eivät vielä olleet maalareita tuolloin, mutta he lumoutuivat siitä, mitä tämä visionäärinen taiteilija pystyi maalaamalla ilmaisemaan. Värit, nopeat siveltimenvedot ja yksinkertaistetut muodot tekivät heihin sähköistävän vaikutuksen. Hänen esimerkkinsä osoitti heille tien elämän syvimpien intohimojen tavoittamiseen. Van Gogh oli Die Brückelle niin merkittävä vaikuttaja, että yksi myöhemmin ryhmään liittyneistä jäsenistä – Emil Nolde – yritti jopa saada heidät vaihtamaan nimensä ”Van Goghianaksi.” Onneksi he eivät noudattaneet tätä ehdotusta. Tällaisen muutoksen hyväksyminen olisi merkinnyt liikkeen kuolemaa, sillä se perustui ennen kaikkea omaperäisyyteen. Toki Van Gogh innoitti heitä, mutta mitä Die Brücke todella tavoitteli, ei ollut jonkun toisen kopioimista, vaan omien yksilöllisten vaistojensa seuraamista. Nämä aikomukset tiivistyvät heidän kolmannen lauseensa kolmiosaisessa manifestissa, joka julkaistiin puupiirroksena vuonna 1906 ja jossa todettiin: ”Joka suoraan ja aitona ilmaisee sen, mikä häntä luomaan kehottaa, on yksi meistä.”
Järjestäytynyt sekasorto
Suurimmalle osalle vuosisadan vaihteen saksalaisista Die Brücken taiteilijat näyttäytyivät villeinä miehinä. Kun Franz Marc näki ensimmäisen kerran heidän värikkäiden, primitiivisten maalauksensa näyttelyn, hän kutsui heitä ”Saksan villipedoiksi”, viitaten les Fauves -ryhmään eli ”villeihin petoihin”, ranskalaiseen taiteilijajoukkoon, jota johtivat André Derain ja Henri Matisse ja joka käytti myös kirkkaita, epärealistisia sävyjä. Vertaus les Fauvesiin oli osuva. Itse asiassa Die Brücke ansaitsi vielä villimmän maineen. He eivät ainoastaan käyttäneet räikeitä värejä maalauksissaan, vaan olivat villejä kaikissa merkityksissä. He asuivat laittomasti studioissaan, jotka eivät olleet asuinalueita, piilottaen vuoteensa ullakolle päivisin, etteivät jäisi kiinni. He myös maalasivat alastomia malleja luonnossa. Koska kunnioitettava, ammattimainen malli ei ottanut tällaista tehtävää vastaan, he maksoivat ei-malleille, jotka lähtivät heidän mukaansa metsään, kauas näkyviltä. Yhdessä amatöörialastomalliensa ja muiden ystävien sekä rakastajien kanssa he juhlivat, maalasivat ja uivat, sulautuen yhteen taiteellisimman, vapaimman ja primitiivisimmän olemuksensa kanssa.
Kuva Die Brücken taiteilijoista hallitsemattomina villeinä miehinä ei kuitenkaan ole tarkka. He olivat boheemeja, mutta myös yksi historian järjestäytyneimmistä ja harkituimmista taideyhteisöistä. Kahdeksan toimintavuotensa aikana he järjestivät yli 70 yhteisnäyttelyä sekä Saksassa että ulkomailla. Ryhmä oli myös edistyksellinen markkinointitaitojensa suhteen. He myivät tilauksia, jotta katsojat, jotka halusivat omistaa heidän teoksensa mutta eivät voineet ostaa maalausta, saattoivat saada julisteita, vedoksia ja muita painotuotteita, kuten manifestin painoksia. Ryhmä oli tiukasti vaativa jäsenyyskriteereissään: yksikään jäsen ei saanut näyttää töitään muualla kuin yhteisnäyttelyissä. Se valtava järjestelykyky, joka tarvittiin niin monen näyttelyn järjestämiseen sekä jäsenyyksien ja tilausten hallintaan, on kiistatta vaikuttava. Kaikesta villin maineestaan huolimatta Die Brücke loi vallankumouksellisen ja erittäin tehokkaan järjestäytymismallin – jota monet taideyhteisöt ja taiteilijoiden ylläpitämät galleriat jäljittelevät edelleen.
Ernst Ludwig Kirchner - Die Brücken taiteilijaryhmän manifesti (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Leipzig 2005.
Degeneroituneet
Die Brücke alkoi hajota noin vuonna 1912, kun myöhäisempi jäsen Max Pechstein rikkoi avoimesti jäsenyysjärjestelyä näyttämällä töitään yksityisnäyttelyissä. Hautajaisnaula tuli vuonna 1913, kun Kirchner kirjoitti Die Brücken kronikan, joka etäännytti muut jäsenet väittämällä itseään heidän johtajakseen (vaikka ryhmä oli itse asiassa löyhästi järjestäytynyt, lähes anarkistinen yksilöiden kokoelma). Historian käänteellä Die Brücken jäsenet eivät kuitenkaan pysyneet erillään ikuisesti. Kun natsit tulivat valtaan, Die Brücken taiteilijoiden teoksia pidettiin degeneroituneina. Nämä tapahtumat saivat jäsenet ainakin teoriassa uudelleen vahvistamaan omistautumisensa toisilleen ja sille ihanteelle, jota he olivat edustaneet: taiteilijoiden vapaudelle ja itsenäisyydelle.
Heidän päästessään mukaan vuoden 1937 Degeneroituneen taiteen näyttelyyn, monet Heckelin teoksista sekä myöhemmän jäsenen Otto Muellerin teokset tuhottiin. Mutta heidän koko perintönsä ei kadonnut. Muutama vuosi ennen kuolemaansa Heckel lahjoitti jäljellä olevat teoksensa auttaakseen perustamaan Brücke-museon, joka avattiin Berliinissä vuonna 1967. Karl Schmidt-Rottluff teki myös merkittävän lahjoituksen teoksistaan, ja museo on sittemmin hankkinut monia muita ryhmän jäsenten teoksia. Nykyään sen kokoelmiin kuuluu tuhansia maalauksia, veistoksia ja paperille tehtyjä töitä. Ryhmän värikäs perintö elää tässä kokoelmassa, mutta se ei jää siihen. Se kaikuu läpi lukemattomien muiden 1900-luvun ekspressionististen liikkeiden ja nykytaiteen maailmassa esimerkkinä värin ilmaisullisesta voimasta ja aitouden vallankumouksellisesta potentiaalista.
Kuvassa: Karl Schmidt-Rottluff - Fariseukset, 1912. Öljy kankaalle. 75,9 x 102,9 cm. Gertrud A. Mellon -rahasto. MoMan kokoelma. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn.
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
