L'abstraction est dans le physique - Jules Olitski

La carrière de l'artiste ukrainien-américain Jules Olitski (1922 – 2007) nous rappelle que l'art n'est pas une entreprise humaine figée, qui doit être réalisée de la même manière. par chaque pratiquant, comme, disons, piloter un avion de ligne. Les artistes sont – ou devraient être – totalement libres de réinventer le domaine aussi souvent qu’ils le souhaitent. Olitski n'était guidé que par un seul facteur : son intuition. Il aurait la vision d'une image, ou d'une sensation qu'il voulait capturer, ou d'une présence matérielle qu'il voulait manifester, et il s'efforcerait de la réaliser. Que sa vision corresponde aux tendances ou aux goûts n'avait pas d'importance. La plupart des gens qualifient son travail d'abstrait, mais lui-même ne fait pas cette distinction, peut-être parce que sa vision particulière d'un tableau était, pour lui, son propre type de sujet. Si l’on rêve de peindre une gerbe de couleur suspendue dans l’air, alors peint un tableau qui réalise ce rêve, cette peinture est exactement ce qu’elle décrit : une peinture d’une gerbe de couleur suspendue dans l’air. Combien de béton supplémentaire pouvez-vous obtenir ? Au sujet des conseils à donner aux autres artistes, Olitski a dit un jour : « N’attendez rien. Faites votre travail. Célébrer!" Il a peut-être donné un conseil similaire à ses téléspectateurs : « N’attendez rien. Regardez le travail. Célébrer!" Pourtant, l’appréciation de l’art est un plaisir distinct de la critique d’art. Les critiques, les historiens et les marchands d'art ont longtemps eu du mal à savoir exactement où placer Olitski dans le conte de fées linéaire qu'est l'histoire de l'art, peut-être parce qu'Olitski n'a jamais pris la peine de se demander où il se situait. Il a changé de style, de médium et de méthode si souvent qu'il est non seulement difficile à historiciser, mais il est également difficile à marchandiser, car de nombreux collectionneurs veulent pouvoir parler des artistes qu'ils collectionnent en termes de raccourci pratique : « C'est le peintre de grille. C'est la dame qui a fait les araignées. C'est le gars qui a fait les cartons. Etc." Vous ne pouvez pas faire ça avec Olitski. Il a fait trop de choses pour être connu pour une seule. Nous sommes donc coincés avec une seule option, la meilleure : « Ne vous attendez à rien. Regardez les peintures. Célébrer."

Peinture sur le bord

Né à Snovsk, aujourd'hui en Ukraine, Olitski a émigré aux États-Unis avec sa mère à l'âge d'un an, après que son père ait été assassiné par le commissaire soviétique local. Ils se sont installés à Brooklyn, New York, et dès le lycée, Olitski a montré un penchant avancé pour l'art. Il a remporté un prix pour étudier l’art à Manhattan et a finalement obtenu une bourse pour fréquenter le Pratt Institute. Après avoir été enrôlé dans la Seconde Guerre mondiale, Olitski a utilisé son G.I. Bill a le privilège de poursuivre ses études artistiques à Paris. Là, il étudie de près les maîtres modernistes et affronte ses propres démons. Plus particulièrement, il s’est rendu compte qu’il était contrôlé par sa propre éducation. Un exercice dans lequel il se bandait les yeux tout en peignant illustre son désir de surmonter la manipulation de ses propres idées. Ce même dévouement à la liberté créative l’a guidé pour le reste de sa vie.

Jules Olitski - Avec amour et mépris : Rapture Blessing, 2002. Acrylique sur toile. 60 x 84 po (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Beaux-Arts, New York. © Jules Olitski

Ses premières expositions de peinture, dans les années 1950, étaient dominées par des abstractions maussades, sombres et empâtées, comme « À la mémoire de Slain Demikovski » (1958), une œuvre nommée en l'honneur de son père. En 1960, cependant, Olitski a adopté une approche complètement différente, utilisant de nouveaux types de peintures acryliques pour créer des compositions plates aux couleurs vives dans lesquelles des formes biomorphiques ressemblant à des amibes semblent apparaître dans des boîtes de Pétri picturales. Cinq ans plus tard, il change à nouveau de direction, utilisant cette fois un pistolet industriel pour tenter de réaliser son rêve de peindre « une gerbe de couleur qui pend comme un nuage, mais ne perd pas sa forme ». Ses peintures au pistolet possèdent en effet bon nombre des mêmes attributs éthérés que des nuages ​​​​gazeux dans une nébuleuse lointaine, rétro-éclairés par les explosions d’étoiles explosives. Cet ensemble d’œuvres a vraiment amené Olitski à réfléchir à ce qu’il appelle le « bord » d’une image. « Un tableau est fait de l’intérieur vers l’extérieur », dit-il. Le bord extérieur de l’œuvre, selon sa compréhension, n’était cependant pas le bord de la toile, mais le bord de la couleur. Olitski a perçu que la couleur s'étend au-delà des limites de la peinture, portée par la lumière et la perception mentale dans l'espace liminal entre la surface du tableau et nos yeux.

Jules Olitski - Suite Graphique #2 (Orange), 1970. Sérigraphie. 35 x 26 po (travail); 36 x 27 po (encadré). © Jules Olitski

Structure et flux

Vers le milieu des années 1970, Olitski changea de nouveau de méthode, mélangeant sa technique d'empâtement plus douce et plus ancienne avec son utilisation d'un pistolet pulvérisateur, créant des peintures comme "Secret Fire - 2" (1977), qui projettent une présence matérielle certaine, malgré un palette de couleurs éthérées. Il continue à développer ce mélange de méthodes, créant un corpus d'abstractions métalliques audacieuses dans les années 1980, comme « Eternity Domain » (1989), et un corpus d'œuvres infernales primordiales dans les années 1990, comme « Upon a Sea » (1996). ). Bien que visuellement diverses, ces œuvres partagent toutes un principe directeur similaire, qu’Olitski a résumé ainsi : « Je considère la peinture comme possédée par une structure, mais une structure née du flux de sensations de couleurs. » Les peintures réalisées par Olitski dans les dernières années de sa vie, comme « With Love and Disregard : Rapture » (2002), expriment ce principe directeur de manière dramatique. La structure de leur présence matérielle est aussi inflexible qu’une pierre, mais leur légèreté revendique sans équivoque son droit de naissance chromatique dans le « flux de sensations de couleurs ».

Jules Olitsky - Passion Patutsky, 1963. Promenade sur toile. 88 x 71 1/2 po. (223,5 x 181,6 cm). Yarès Art. © Jules Olitski

En plus de sa pratique de la peinture abstraite tout au long de sa vie, Olitski a continuellement dessiné des portraits figuratifs et des paysages. Il a également eu une carrière de sculpteur prolifique, qui, comme sa carrière de peintre, n'était limitée que par son propre imagination. Enfant, Olitski a reçu le surnom de Prince Patutsky de la part de son beau-père. Ce nom revient encore et encore dans son œuvre : "Patutsky in Paradise" (1966) ; "Patutsky Passion" (1963) ; "Prince Patutsky Command" (1966). C'est précisément cette dévotion à l'innocence enfantine que je vois inonder tout ce qu'Olitski a accompli en tant qu'artiste. L'histoire de l'art ne confère normalement le statut de légende qu'aux artistes qui sont radicaux au début de leur carrière, suivis de "maturité", puis de répétition. Olitski ne correspondait pas à ce portrait. Aussi expérimental et libre qu'il le pouvait, il a simplement fait son travail, sans attentes, et a célébré. Cela fait de lui une légende à mes yeux.

Image en vedette : Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna sur toile. 79 x 109 pouces (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio