Une interview avec Ellen Priest

Ellen Priest a marqué le monde de l'art avec ses peintures collées abstraites vibrantes pendant plus de trente ans. Influencée par Cezanne depuis le début de sa carrière, et par le jazz depuis les années 1990, elle a cherché à capturer les mouvements et les rythmes complexes d'une variété de compositions jazz dans des coups de pinceau aux couleurs vives. IdeelArt a eu l'opportunité de discuter de son processus de travail, tout en obtenant un aperçu de ses influences et de sa passion pour la musique en cours de route.

Vous mentionnez que vous avez été grandement influencé par une exposition intitulée « Cézanne : les œuvres tardives » présentant ses dernières aquarelles au Musée d'Art Moderne. Son style influence-t-il et imprègne-t-il encore vos œuvres ?

Ah absolument. C'est drôle; c’est l’une de ces idées que nous avons quand nous sommes jeunes. Celui-ci est resté pour moi. Et je pouvais dire à l’époque que c’était quelque chose de grand. Au Philadelphia Museum of Art, il y a un paysage de la fin de Cézanne que chaque fois que j'ai besoin de me vider la tête, de m'inspirer ou de comprendre quelque chose, je vais le voir. Je me tiendrai devant ce paysage jusqu'à ce que je le comprenne. Ses travaux ultérieurs ont eu une influence constante, et ce depuis plus de trente ans. Je pense que ce que c’est, c’est qu’il a trouvé un moyen de gérer les couleurs, et ce que beaucoup de gens ne réalisent pas, c’est que le choix du placement d’une couleur particulière relève essentiellement du dessin. Cézanne avait une façon de comprendre comment les objets planent dans les espaces. Sa façon de penser semble correspondre à la mienne. Des formes apparaissent, puis se dissolvent. Puis ils réapparaissent et s'effacent à nouveau, ce qui donne l'illusion que le tableau respire. Il est toujours aussi magique pour moi que lorsque j’ai vu la pièce pour la première fois.

Je me sens chanceux, honnêtement. Je pense que cela témoigne de la force et de l'éclat de son travail. Pour moi, il a été autant un tournant que Giotto avec la perspective et la façon dont il manipulait les personnages dans l'espace. Mon intuition est que si je pouvais avancer de 500 ans, les gens parleraient encore de Cézanne comme d’un tournant. Cet expressionnisme abstrait qui m’a fasciné dès le début est tout aussi fort pour moi aujourd’hui. Je me sens chanceux d’avoir réussi et compris très tôt. J'ai simplement réalisé ce qui était puissant pour moi visuellement. 

Pouvez-vous nous parler de votre processus de travail ? Quels matériaux et techniques utilisez-vous ?

J'utilise du papier; tout mon travail est sur papier. Les peintures que j'utilise sont flash et huile. Flash, en tant que peinture hydrosoluble à base de vinyle, prend les pigments comme le font l'aquarelle et la gouache. Il ne brunit pas légèrement les couleurs comme le fait l’acrylique. C’est très compatible avec les huiles. Côté couleurs, c’est un peu différent mais ils fonctionnent vraiment ensemble dans l’espace. J'utilise aussi beaucoup le crayon. Les papiers vont du papier aquarelle français très épais à deux grammages de vélin calque Canson. L’un est très lourd appelé Opalux, l’autre est plus fin et les deux sont d’archives. J'ai beaucoup travaillé ces quinze dernières années avec un couple à Boston, Jim et Joan Wright, tous deux conservateurs de musée, et ils m'ont coaché ​​dans cette démarche. Jim m'a appris à utiliser la peinture à l'huile sur ce genre de papier sans problème. Je fais ça depuis longtemps maintenant, et le travail semble bien tenir ; Je n’ai eu aucune difficulté avec cela. J'utilise également du gel MSA comme colle, et je ne plastifie pas les morceaux de couche - je les colle par points - et je les alourdis afin que le gel durcisse. Il faut environ une semaine pour sécher.

Vous mentionnez que vous passez un à cinq ans sur une série donnée. Comment maintenir sa motivation et ne pas s’épuiser ?

Mon processus est assez long mais assez varié. Cela va depuis les études de pinceaux, qui sont mes premières rencontres avec les sons et le mouvement de la musique. Et les études au pinceau durent peut-être trente secondes et progressent jusqu'à la construction lente de ces pièces épaisses et superposées. Je n’ai pas de problème car le processus a évolué au fil des années et il fonctionne vraiment pour moi. C’est devenu une langue dans laquelle je suis très à l’aise, même si c’est toujours un défi. Je pense aussi qu’à un moment donné, on devient professionnel, et peu importe ce que je ressens un jour donné. Il est temps d'aller travailler. Je fais des longueurs, je prends un smoothie et je me mets au travail. J’ai appris que si ma tête n’y est pas, je peux faire diverses choses pour y parvenir. Habituellement, je sais la veille ce que je dois faire pour le lendemain. Lorsque j'essaie de comprendre les relations entre les couleurs, je dois simplement m'asseoir là et le regarder, et continuer à échanger les échantillons de couleurs pour pouvoir voir comment ils se comportent dans l'espace. J'aurai aussi la musique. Ainsi, le processus lui-même m'entraîne parfois lorsque mon esprit et mon cœur ne sont pas nécessairement là, mais que je dois y arriver. Cette discipline vient avec les années.

Ellen Priest - Étude de face Jazz Cubano #2, 2013. Gouache sur papier. 106,68 x 106,68 cm.

Comment sélectionnez-vous votre contenu et votre sujet ?

Le sujet et le contenu sont des choses très différentes. Le contenu est le résultat final, ou les sentiments que vous ressentez lorsque vous regardez l'œuvre. Le sujet est le jazz. Très peu d’artistes abstraits ont un sujet conscient. J'ai découvert très tôt que je ne pouvais pas garder mes images à jour sans m'intéresser à des sujets extérieurs. Et j’ai lutté contre ça pendant une dizaine d’années. C'est finalement arrivé quand j'écoutais du jazz. J'étais en route vers le Vermont pour faire du ski et j'écoutais la station locale NPR, et il y avait un morceau de Michel Camilo, un pianiste de jazz dominicain. Tout d’un coup, j’ai réalisé que les espaces que je voyais dans ma tête étaient des espaces présents dans sa musique.

C'était en 1990, et je travaille avec le jazz depuis. C'est un sujet conscient. Et il m'a fallu plusieurs années pour développer comment je développerais des images à partir de cela. De Kooning ne se voyait jamais comme un peintre abstrait ; il regardait constamment des figures et des paysages, parfois des natures mortes. Joan Mitchell, qui est l'une de mes autres icônes, a eu une très longue carrière en tant que peintre expressionniste abstrait et c'est vraiment difficile. Elle s'est inspirée du paysage et de la poésie. Elle avait un certain nombre d'amis qui étaient poètes, dont l'un était John Ashbury, et elle "illustrait" ses poèmes. De Kooning et Mitchell font partie des rares qui ont maintenu ce style de peinture expressionniste gestuelle tout au long de leur carrière.

Comment naviguez-vous dans le monde de l’art ?

Pas très bien. Je fais partie de ces personnes où je sais comment être un homme d’affaires et je suis très professionnel, mais je ne pense pas avoir beaucoup de succès dans ce domaine. C’est un domaine sur lequel je travaille encore très dur. Le plus gros obstacle pour moi a été que, d'après ce que je peux dire, les gens qui regardent beaucoup d'art me disent toujours que mon travail est quelque chose qu'il faut voir en personne. De plus, l’œuvre est unique. Personne d’autre ne regarde ou n’utilise les matériaux de cette façon. Le caractère unique est un atout, mais c’est aussi un handicap, car il est difficile pour certaines personnes de s’identifier à ce qu’elles voient parce qu’elles n’ont jamais rien vu de tel. 

Vous mentionnez que vos œuvres sont grandement influencées par les rythmes et la rigueur intellectuelle de la musique jazz. Qu’écoutez-vous actuellement et qui alimente votre travail ? 

En fait, j'écoute à l'avance environ un an ou deux avant de commencer un nouveau projet. Mes projets peuvent durer entre un an et cinq ans, donc si je dois travailler sur une pièce en particulier pendant autant de temps, je ferais mieux de l’aimer ! Sinon, j’aurais de gros ennuis si cela ne me colle pas. Je viens tout juste de terminer cette série Jazz Cubano, et je m’y suis attaqué parce que j’aime le jazz afro-cubain. Les rythmes sont si complexes que j'ai réalisé que la seule façon de les comprendre était de les décomposer en morceaux les plus simples - un son de percussion à la fois - puis de remonter en arrière. Cela a été une série vraiment amusante. Je terminerai cela d’ici la fin de l’automne, c’est sûr, puis je commencerai avec une composition sur CD intitulée The River par un pianiste et compositeur basé à Chicago nommé Ryan Cohan.

C’est une belle pièce et elle comporte huit sections qui sont écrites avec beaucoup de soin. Entre chacun, il y a une section de piano improvisée – c’est symboliquement la rivière. Il avait une bourse pour voyager en Afrique et Chamber Music America, qui a également financé la suite vénézuélienne d’Edward Simon, sur laquelle j’ai travaillé pendant cinq ans, a financé la composition. Ce que Ryan a fait, c’est prendre les rythmes africains avec tout ce qui l’a influencé et en faire quelque chose qui lui était vraiment propre. C’est un morceau de musique magnifiquement digéré et innovant. C’est très intelligent et a une grande portée émotionnelle. Ce que je découvre, c’est que je suis souvent attiré par les choses à la fois émotionnellement et intellectuellement. J’attends vraiment The River avec impatience. Que je commencerai à la fin de l’automne, ou très certainement avant la fin de l’année.

Ellen Priest - Jazz : Suite vénézuélienne 16 d'Edward Simon, 2008. Papiers, huile, flashe, crayon, gel MSA. 106,68 x 106,68 cm.

De laquelle de vos œuvres d’art êtes-vous le plus fier, pourquoi ?

Je pense que les pièces dont je suis le plus heureux sont dans deux groupes différents : l'un serait les dernières pièces de la série Venezuelan Suite, car j'ai pu obtenir un niveau de complexité et de simplicité en même temps qui m'a très heureux. avec. J'ai enfin pu capturer la vitesse de la musique sans qu'elle se perde. J'ai également beaucoup apprécié les dessins de la série Jazz Cubano. Ils sont tellement dépouillés, mais ils ont beaucoup de mordant. Ce sont les deux groupes dont je dirais que je suis extrêmement fier. Quant à une pièce spécifique, je ne pourrais vraiment pas le dire. 

Comment savoir quand une œuvre est terminée ?

Je pense qu’il arrive un moment où je regarde une œuvre et à chaque étape je dois prendre cette décision. Quand je n’ai plus rien envie de faire, ou quand j’ai l’impression que quelque chose de plus que je ferais serait trop, c’est là que je sais que c’est terminé. J'attends habituellement et je le regarde pendant un moment. Parfois, je saurai quoi faire immédiatement, mais parfois cela prend un peu de temps. S’il y a une zone qui ne bouge pas, j’essaierai de trouver un moyen de la faire bouger. Souvent, cela signifie que je dois modifier une autre partie du tableau. Ce n’est peut-être pas nécessairement le lieu lui-même ; il se peut qu'il s'agisse d'un autre composant qui devra peut-être être modifié. En général, je dors un peu dessus. Je pourrais penser que c’est fait, mais je vais juste attendre. Je dois prendre ces décisions avant de coller. Lorsque je coupe les bords d’une pièce, j’ai parfois une surprise – et ce n’est pas toujours bon. De temps en temps, je prépare quelque chose et ce n’est pas ce à quoi je m’attendais. Parfois, après avoir coupé les morceaux, la pièce peut être déséquilibrée et je peux la perdre car elle ne montre plus la gamme d'émotions qu'elle produisait autrefois. 

Qu’est-ce que le fait d’avoir un espace physique pour créer de l’art signifie pour votre processus, et comment faites-vous en sorte que votre espace fonctionne pour vous ?

J'ai une vieille maison, une maison à trois étages datant des années 1890, ou ce que nous appelons une maison jumelle. J'ai trois étages de North Light et je suis dans un coin. J'ai donc énormément de lumière. J'utilise tout le premier étage pour mon studio à l'exception de ma cuisine. Au deuxième étage, j'ai mon bureau et mon salon, et au troisième étage se trouve ma salle de collage et de stockage. J’ai donc non seulement un espace adéquat, mais aussi un bon espace, et cela fait toute la différence dans le monde. Disposer d’un espace permanent et suffisant a été une aubaine pour mon travail. Pouvoir s'installer et le faire fonctionner correctement a été incroyable. Parfois, je pense que je pourrais utiliser plus d’espace, mais j’ai assez d’espace !

Ellen Priest - Jazz Cubano #27 : Arturo et Elio, Pensées à Voix Haute, 2016. Papiers, huile, flashe, crayon, gel MSA. 81,23 x 81,23 cm.

Qu'est-ce qui vous parle lorsque vous voyez une œuvre abstraite ?

Pour moi, l’abstraction (quand elle est bonne) a une clarté de pensée qui me plaît vraiment. Cela peut être en couleur, cela peut être en noir et blanc, cela peut être très riche en images ou cela peut être une forme unique flottant dans le champ. Mais il y a juste une qualité de pensée qui est nette. L'un de mes artistes contemporains préférés de tous les temps est le sculpteur Martin Puryear. Un jour, je suis entré dans une rétrospective de ses œuvres au MoMA, et cela m'a coupé le souffle. Le même spectacle était présenté à Washington D.C. et j’ai réorganisé tout mon programme pour aller le revoir. Il est brillant ; son travail a une telle pureté de forme et de pensée. Son travail fait référence à des véhicules, des animaux, des bateaux. L'abstraction peut faire référence au monde réel tout en restant abstraite. Vos yeux utilisent les mêmes signaux pour se déplacer dans le monde que pour regarder l’art abstrait. Nos yeux le comprennent très tôt dans la vie. Nous utilisons ces mêmes outils pour observer l’art abstrait, mais nous n’en sommes pas conscients. Il y a quelque chose dans l’abstraction qui s’appuie sur notre compréhension du monde.

Êtes-vous impliqué dans des spectacles ou des événements à venir ? Où et quand ?

Je suis en pourparlers avec l’église Saint-Pierre de Manhattan, où j’ai exposé au printemps dernier. J’espère y montrer un autre projet, qui portera sur The River. En dehors de cela, j'aurai peut-être une émission locale ici à Wilmington, Delaware cet automne sur la série Jazz Cubano.


Image à la une : Ellen Priest - Jazz : Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papiers, huile, flashe, crayon, gel MSA. 81,3 x 119,4 cm.