Dynamisme et énergie dans les peintures de Joan Mitchell

Lorsque nous regardons une peinture de Joan Mitchell, nous regardons une image de liberté. Nous assistons à un abandon rendu palpable. Mitchell a abordé l'acte de peindre à partir d'un lieu de liberté totale, sans plan ni plan définitif. Tout ce qui se retrouvait sur la toile venait de son intuition et était le reflet immédiat de sa vérité. Cela peut être de la joie qu'elle a ressentie, ou de la colère, ou de la peur ; il peut s'agir d'une image formée de morceaux d'un souvenir qu'elle avait en tête, ou d'un paysage bien-aimé qu'elle avait en son cœur. Lorsque nous rencontrons ses peintures, au milieu d'un coup d'œil rapide ou occasionnel, nous pouvons ou non ressentir ce que Mitchell a ressenti. Nous pouvons ou non reconnaître le sens exact qu’elle espérait transmettre. Mais l’énergie qui la traversait à chaque coup de pinceau nous crie dessus. Il nous arrête dans l’espace et s’adresse à tout ce qui est primordial en nous et le reconnaît pour ce qu’il est : l’écho vibrant, intemporel et universel de l’amour, de la perte, de la joie, de la peur, de la fierté et de la douleur.

Passer à l'action

Chaque coup de pinceau réalisé par un peintre est le résultat d'un mouvement physique. Pourtant, tous les coups de pinceau ne parviennent pas à annoncer ce mouvement aux spectateurs. Certains coups de pinceau cherchent intentionnellement à cacher le mouvement qui les a créés, et à ignorer qu'une main humaine a été impliquée. C'est l'un des traits caractéristiques des peintres d'action qu'ils sont capables de transmettre à la surface d'une toile la puissance et l'énergie du mouvement de leur corps physique à travers l'espace. Joan Mitchell était une peintre d'action, membre de ce qui est considéré comme la deuxième génération d'artistes expressionnistes abstraits. Mais elle n'a pas commencé sa carrière en se concentrant sur le geste et le mouvement, ou l'abstraction, ou même nécessairement la peinture. Alors qu'elle était à l'école à l'Art Institute of Chicago, elle était une artiste figurative talentueuse, qui avait remporté des prix pour sa lithographie.

Mais Mitchell a toujours été une personne extrêmement physique. Au lycée à Chicago, elle était une athlète compétitive au niveau national, se classant jusqu'à la quatrième place aux Championnats de patinage artistique des États-Unis. Une blessure au genou a mis fin à sa carrière sportive. Mais après avoir obtenu son diplôme de l'Art Institute of Chicago en 1947, elle a déménagé à New York et a été exposée au travail de peintres abstraits gestuels comme Arshile Gorky et Jackson Pollock. Elle a immédiatement incorporé la physicalité dans sa technique de peinture. En 1951, elle avait développé un style gestuel abstrait mature et s'était liée d'amitié avec plusieurs des premiers artistes de l'Expressionnisme abstrait, comme Will de Kooning et Franz Kline, et par invitation, elle avait même rejoint leur prestigieux Eighth Street Club, qui organisait des rencontres et des discussions d'artistes.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Oil on canvas. 6' 5 7/8" x 9' (197.9 x 274 cm). The Museum of Modern Art (MoMA) Collection, New York. © Estate of Joan Mitchell

Les paysages de Joan Mitchell

Ayant grandi à quelques pâtés de maisons des rives du lac Michigan, dans le centre-ville de Chicago, Joan Mitchell a développé, dès son plus jeune âge, un profond attachement émotionnel à la ligne d'horizon où l'eau rencontre le ciel. Et en tant qu'adulte vivant de temps en temps dans les campagnes françaises ainsi que dans les Hamptons, elle a également développé un grand amour pour les paysages ruraux. Même si ses œuvres de maturité sont toutes considérées comme abstraites, elle se présente souvent comme une peintre de paysages. Beaucoup de ses peintures portaient le mot paysage dans le titre ou portaient le nom de lieux pittoresques qui lui tenaient à cœur.

Il est possible dans beaucoup de ses peintures de trouver des indices visuels de compositions, de formes ou de palettes de couleurs qui suggèrent un paysage naturel, ou même de trouver de faibles échos de lignes d'horizon. Mais les types de paysages que Mitchell peignait n'étaient pas des tentatives figuratives de capturer le monde naturel. Au contraire, Mitchell a intériorisé un sentiment des émotions qu'elle ressentait dans certains lieux qui lui étaient chers. Elle avait une sensibilité esthétique aiguë et un lien avec la nostalgie, et s'efforçait de capturer la couleur, l'équilibre et l'harmonie de ses paysages bien-aimés tout en communiquant également l'énergie et l'émotion personnelle qu'elle y attachait dans sa mémoire.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, oil on canvas (diptych), Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

Opposés complémentaires

Une grande partie de la puissance que nous pouvons ressentir dans les peintures de Joan Mitchell semble être liée à l’idée de forces opposées. Un exemple frappant est la manière dont elle s'est éloignée du style de peinture dit all-over, dans lequel la toile entière est recouverte d'images abstraites, pour adopter une approche de composition plus traditionnelle basée sur la figure, mettant en vedette de grandes zones de toile blanche ou non apprêtée. . Mais plutôt que de voir des forces opposées à l’œuvre dans ses compositions de figures et de fonds, il est plus juste de dire que ces forces sont complémentaires. Ils ne s’opposent pas et ne se résistent pas. La figure et le sol changent de rôle, s'élucidant mutuellement et échangeant leur influence sur le regard du spectateur.

De même, les autres opposés apparents visibles dans ses œuvres fonctionnent de la même manière. Les coups de pinceau légers complètent les coups de pinceau agressifs, se définissant mutuellement par leurs différences relatives ; des surfaces denses, superposées et en impasto donnent de la présence à leurs homologues planes ; des formes géométriques ou biomorphiques sont exaltées par des marques abstraites lyriques. L'essence unificatrice qui traverse l'œuvre de Joan Mitchell n'est pas celle de l'opposition, mais celle de l'engagement envers un monde de relations complémentaires construisant un tout harmonieux.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Oil on canvas. Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

Abstraction inachevée

Au cours de sa carrière, Joan Mitchell a changé plusieurs fois d’esthétique. Chaque changement était lié soit à un déplacement géographique, soit à un changement de situation personnelle. L’une des plus grandes périodes de changement qu’elle a connue s’est produite dans les années 1960, lorsqu’elle a perdu ses deux parents et un ami cher en quelques années seulement. Une autre est survenue dans les années 1980, lorsqu’on lui a diagnostiqué un cancer. Alors que chaque changement esthétique semble exprimer différentes nuances émotionnelles distinctes, aucun ne semble être la fin de quelque chose. Chaque évolution de son œuvre possède un sens de l'inchoatif ; la promesse embryonnaire de quelque chose de nouveau et encore informe.

Après la décennie de pertes qu’elle a connue dans les années 1960, Mitchell s’est tournée vers la figuration géométrique, puis est rapidement revenue à la peinture all-over. Sa palette s'est transformée en verts profonds et jaunes vibrants, reflétant les couleurs de la nature. Puis, dans les années 1980, sa palette change pour inclure des couleurs plus pures et primaires : bleus, oranges, verts et rouges. Ses coups de pinceau sont devenus courts et forts, électrisés et presque vibratoires. Chaque nouvelle phase communique l’idée d’un nouveau départ indéterminé et est donc intrinsèquement communicative de quelque chose d’espoir et de nouveau.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Oil on canvas. Private collection. © Estate of Joan Mitchell

Lâcher prise

Tout au long de toutes les étapes de son œuvre, un sens durable d'énergie et de vitalité est présent dans les peintures de Joan Mitchell, que ce soit à travers ses coups de pinceau, ses compositions, ses harmonies ou son utilisation des opposés complémentaires. Cette énergie continue d'inspirer la troisième génération de peintres expressionnistes abstraits travaillant aujourd'hui, comme Francine Tint. Elle informe également le travail des abstractionnistes gestuels contemporains comme Ellen Priest.

Un univers d'émotions s'ouvre dans le travail de ces peintres, oscillant toujours entre l'énergie la plus sombre et la plus claire, la plus agressive et la plus sereine, sautant des surfaces de leurs tableaux avec un sens frénétique d'immédiateté. Mitchell a un jour décrit la source de cette immédiateté frénétique en comparant ce qu'elle ressentait en peignant à un orgasme. Elle l'a également décrit un jour comme« faire du vélo sans les mains ». Les deux descriptions parlent de la joie totale de la libération émotionnelle possible avec un acte d'abandon total. Et tous deux parlent de l’expression de l’honnêteté humaine qui n’est possible que lorsque quelqu’un est libre.

Image en vedette : Joan Mitchell - Sans titre, 1977, huile sur toile, Fondation Joan Mitchell, New York. © Succession de Joan Mitchell
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio