Carmen Herrera : Lignes de mire

Les cosmologues disent que lorsque nous regardons l’espace, nous regardons en arrière dans le temps. Les galaxies que nous voyons à travers les télescopes n’existent peut-être même plus. Mais est-ce important pour la lumière ? Il est là maintenant pour nous aider à voir. Pourquoi compliquer les choses ? Carmen Herrera est quelqu'un qui croit en la simplicité. En tant qu'artiste, elle a beaucoup en commun avec la lumière cosmique. Elle a commencé à peindre dans les années 1930, mais n’a vendu sa première œuvre d’art qu’à l’âge de 89 ans, malgré ses liens avec certains des artistes les plus célèbres et les plus influents du XXe siècle. Aujourd'hui âgée de 101 ans, elle profite de sa première rétrospective muséale, au Whitney Museum de New York. Intitulée Lines of Sight, l'exposition comprend des œuvres couvrant la première période de sa carrière, de 1948 à 1978. Parallèlement aux œuvres, un récit explore les raisons possibles pour lesquelles Herrera a passé la majeure partie de sa carrière à travailler dans un environnement presque total. anonymat. Elle était une femme née à Cuba dans le monde de l’art du passé, idéologique, préjugé et dominé par les hommes blancs. Mais même si certains éléments de ce récit sont indéniables, l’histoire enlève du pouvoir à un artiste confiant et talentueux. Une explication plus simple est que Carmen Herrera a simplement choisi son propre moment, c'est-à-dire maintenant. Nous choisissons simplement de permettre à sa lumière de nous éclairer, peu importe le temps qu’elle met pour arriver jusqu’ici ou ce qui se dresse sur son chemin.

Interprétations de surface

L'observation la plus frappante qui ressort de la visite de Lines of Sight est la transformation évidente de l'œuvre au cours de l'exposition. Les œuvres sont classées par ordre chronologique, permettant aux spectateurs de considérer l'évolution formelle et conceptuelle qu'a connue Herrera au fil des ans. D’un point de vue matériel, on voit qu’Herrera a commencé par peindre sur de la toile de jute grossièrement taillée. Il faut beaucoup de peinture pour couvrir les larges trous d’une surface en toile de jute. En plus de leurs qualités abstraites, des peintures telles que Une ville, peintes en 1948, et Siete, peintes en 1949, possèdent une qualité picturale brute, émotive en raison de leur aspect physique. et la matérialité de leurs surfaces.

La manière dont Herrera a utilisé la toile par rapport à la façon dont elle a travaillé plus tard dans sa carrière est également évidente dans ces premières peintures. Les peintures telles que Field of Combat contiennent une multitude relative de formes et de couleurs par rapport à ses œuvres ultérieures. Et plusieurs de ses œuvres de la fin des années 40 et du début des années 50 jouent avec les notions d’illusion d’optique et de symbolisme, en s’appuyant sur des modèles et systèmes visuels complexes. Dans toutes ces premières peintures, on a le sentiment que Herrera considère la toile comme le support d'une image et que les préoccupations avec lesquelles elle travaille sont toutes contenues à la surface de l'œuvre.

Carmen Herrera - Paris, 1948 - 1954. Vue de l'exposition

Une arène agrandie

Lors d'un séjour à Paris, Herrera a développé l'idée qu'il se passait trop de choses dans ses peintures. Elle s'est intéressée à simplifier son travail. Elle a commencé à limiter sa palette à seulement une ou deux couleurs et a considérablement réduit son vocabulaire de formes. Cette transformation est magnifiquement présentée comme la pièce maîtresse de Lines of Sight, à travers une sélection d'œuvres d'une série Herrera réalisée dans les années 1950 appelée Blanco y Verde. Ces œuvres utilisent toutes les couleurs vert et blanc, et s'appuient également sur des formes si clairsemées qu'elles ressemblent souvent davantage à des lignes.

Parallèlement à l'objectif que Herrera s'est fixé de simplifier sa palette et son langage des formes, elle a également changé sa façon de considérer l'essence des peintures en tant qu'objets. Elle a commencé à considérer ses toiles moins comme des surfaces sur lesquelles peindre que comme des objets habitant l’espace. Elle a commencé à poursuivre ses formes peintes au-delà du devant de la toile et sur les côtés et a créé des compositions qui se projetaient au-delà des limites de la toile, dans l'espace.

Carmen Herrera - Champ de combat, 1952 ; Jardin vert, 1950 ; Sans titre, 1947-48 (de gauche à droite)

Mythes de la création

Élargissant sa vision des peintures en tant qu'objets, Herrera a également commencé à travailler dans un espace tridimensionnel, créant des objets posés directement sur le sol ou sculpturaux en leur présence mais accrochés au mur. Grâce à de telles œuvres, Herrera permet aux spectateurs d'habiter pleinement ses propositions esthétiques. La possibilité d’examiner attentivement et pleinement ces formes et la façon dont elles occupent leur environnement offre une compréhension contemplative élargie du reste des œuvres de l’exposition.

D'un point de vue particulier de l'exposition, cette couche contemplative s'ouvre magnifiquement, alors que nous voyons Herrera explorer la même conversation spatiale à travers une gamme d'œuvres exposées : une peinture de la série Blanco y Verde, une peinture monochromatique objet sculptural rouge soutenu par le sol et un objet sculptural jaune monochrome accroché au mur. Quelque chose à la fois simple et profond est communiqué ici. Ces objets peuvent être définis en fonction de leurs différences, qui sont évidentes. Mais avec un changement de perception, nous pouvons les apprécier bien davantage pour leurs similitudes, et ainsi nous absorber dans une célébration de leur essence commune.

Carmen Herrera - 1962-1978 - Vue d'exposition

Maîtrisez une chose

Herrera a prouvé que les notions les plus importantes peuvent être exprimées dans les termes les plus simples. A travers son art, elle exprime des propositions simples et directes. Son œuvre communique quelque chose comme une énigme zen : si vous essayez de vous concentrer sur tout, vous finirez par ne rien comprendre, mais si vous maîtrisez une chose, vous pouvez tout comprendre.

Ce qui est peut-être le plus révélateur de Herrera en tant qu'artiste et en tant qu'être humain, c'est que tout au long de Lines of Sight, un sentiment de continuité existe. Chaque œuvre exposée possède sa propre perception d'elle-même, mais l'ensemble des œuvres domine les considérations individuelles. Il s'agit d'une exposition sur les relations et sur la manière dont nous percevons les parties par rapport au tout. Cela révèle à quel point il est facile de se concentrer sur l’insignifiant et l’insignifiant, qui ne font que compliquer nos vies. Cela nous invite à abandonner l’idéologie et les préjugés, à apaiser nos esprits et à simplement regarder. 

Carmen Herrera - Noir et blanc, 1952 - Vert et blanc, 1956 (de gauche à droite)

Image à la une : Carmen Herrera - Lignes de vue, Vue de l'exposition (Crédit : IdeelArt)
Par Phillip Barcio