Carmen Herrera : Lignes de mire

Les cosmologistes disent que lorsque nous regardons dans l’espace lointain, nous regardons en arrière dans le temps. Les galaxies que nous voyons à travers les télescopes peuvent même ne plus exister. Mais cela importe-t-il à la lumière ? Elle est ici maintenant pour nous aider à voir. Pourquoi compliquer les choses ? Carmen Herrera est une personne qui croit en la simplicité. En tant qu’artiste, elle a beaucoup en commun avec la lumière cosmique. Elle a commencé à peindre dans les années 1930, mais n’a vendu sa première œuvre d’art qu’à l’âge de 89 ans, malgré ses liens avec certains des artistes les plus célèbres et influents du XXe siècle. Aujourd’hui, à 101 ans, elle profite de sa première rétrospective muséale, au Whitney Museum de New York. Intitulée Lines of Sight, l’exposition comprend des œuvres couvrant la première période de sa carrière, de 1948 à 1978. Aux côtés des œuvres, un récit explore les raisons possibles pour lesquelles Herrera a passé la majeure partie de sa carrière dans une quasi-anonymat total. Elle était une femme née à Cuba dans un monde artistique idéologique, préjugé et dominé par des hommes blancs. Mais si certains éléments de ce récit sont indéniables, l’histoire enlève du pouvoir à une artiste confiante et talentueuse. Une explication plus simple est que Carmen Herrera a simplement choisi son propre temps, qui est maintenant. Nous choisissons simplement de laisser sa lumière nous illuminer, peu importe combien de temps elle a voyagé pour arriver ici ou ce qui s’est dressé sur son chemin.

Interprétations de la surface

L’observation la plus frappante lors de la visite de Lines of Sight est la transformation évidente dans les œuvres au fil de l’exposition. Les œuvres sont disposées dans un ordre approximativement chronologique, permettant aux visiteurs de considérer l’évolution formelle et conceptuelle qu’a connue Herrera au fil des ans. D’un point de vue matériel, on voit que Herrera a commencé à peindre sur de la toile de jute grossière. Il faut une grande quantité de peinture pour couvrir les larges trous d’une surface en toile de jute. En plus de leurs qualités abstraites, des peintures telles que A City, réalisée en 1948, et Siete, peinte en 1949, possèdent une qualité brute, émotive et picturale due à la physicalité et à la matérialité de leurs surfaces.

On remarque également dans ces premières peintures la manière dont Herrera utilisait la toile comparée à sa façon de travailler plus tard dans sa carrière. Des peintures comme Field of Combat contiennent une multitude relative de formes et de couleurs comparées à ses œuvres ultérieures. Plusieurs de ses œuvres de la fin des années 1940 et du début des années 1950 jouent avec des notions d’illusion optique et de symbolisme, s’appuyant sur des motifs et des systèmes visuels complexes. Dans toutes ces premières peintures, on sent que Herrera considère la toile comme le support d’une image, et que les préoccupations avec lesquelles elle travaille sont toutes contenues juste là, à la surface de l’œuvre.

Carmen Herrera - Paris, 1948 - 1954. Vue de l’exposition

Un espace élargi

Lors d’un séjour à Paris, Herrera a développé la perspective qu’elle avait trop de choses se passant dans ses peintures. Elle s’est intéressée à simplifier son travail. Elle a commencé à limiter sa palette à une ou deux couleurs seulement, et elle a réduit de façon spectaculaire son vocabulaire de formes. Cette transformation est magnifiquement présentée comme pièce maîtresse de Lines of Sight, à travers une sélection d’œuvres d’une série que Herrera a réalisée dans les années 1950 appelée Blanco y Verde. Ces œuvres utilisent toutes les couleurs verte et blanche, ainsi que des formes si rares qu’elles semblent souvent plus proches de lignes.

Avec l’objectif que Herrera s’est fixé de simplifier sa palette et son langage de formes, elle a aussi changé sa façon de voir l’essence des peintures en tant qu’objets. Elle a commencé à voir ses toiles moins comme des surfaces à peindre, et davantage comme des objets occupant l’espace. Elle a commencé à prolonger ses formes peintes au-delà du devant de la toile, sur les côtés, et a créé des compositions qui dépassent les limites de la toile, dans l’espace.

Carmen Herrera - Field of Combat, 1952 ; Green Garden, 1950 ; Sans titre, 1947-48 (de gauche à droite)

Mythes de la création

En élargissant sa vision des peintures comme objets, Herrera a aussi commencé à travailler dans l’espace tridimensionnel, créant des objets qui reposent directement sur le sol ou qui sont sculpturaux dans leur présence mais suspendus au mur. À travers ces œuvres, Herrera permet aux spectateurs d’habiter pleinement ses propositions esthétiques. L’opportunité de considérer attentivement et pleinement ces formes et la manière dont elles occupent leur environnement offre une compréhension contemplative élargie du reste des œuvres de l’exposition.

D’un point de vue particulier dans l’exposition, cette couche contemplative s’ouvre magnifiquement, alors que nous voyons Herrera explorer la même conversation spatiale à travers une série d’œuvres exposées : une peinture de la série Blanco y Verde, un objet sculptural monochrome rouge soutenu par le sol, et un objet sculptural monochrome jaune suspendu au mur. Quelque chose de simple et de profond est communiqué ici. Ces objets peuvent être définis selon leurs différences, qui sont évidentes. Mais avec un changement de perception, nous pouvons les apprécier bien plus pour leurs similitudes, et ainsi nous immerger dans une célébration de leur essence commune.

Carmen Herrera - 1962-1978 - Vue de l’exposition

Maîtriser une chose

Herrera a prouvé que les notions les plus importantes peuvent s’exprimer en termes simples. À travers son art, elle exprime des propositions simples et directes. Son œuvre communique quelque chose comme une énigme zen : si vous essayez de vous concentrer sur tout, vous ne comprendrez rien, mais si vous maîtrisez une chose, vous pouvez tout comprendre.

Ce qui est peut-être le plus révélateur à propos de Herrera en tant qu’artiste et en tant qu’être humain, c’est que tout au long de Lines of Sight, un sentiment de continuité existe. Chaque œuvre exposée possède son propre sens d’elle-même, mais l’ensemble plus vaste domine les considérations individuelles. C’est une exposition sur les relations, et sur la façon dont nous voyons les parties par rapport au tout. Elle révèle à quel point il est facile de se concentrer sur l’insignifiant et le mesquin, qui ne font que compliquer nos vies. Elle nous invite à abandonner l’idéologie et les préjugés, à calmer notre esprit et simplement regarder.

Carmen Herrera - Noir et blanc, 1952 - Vert et blanc, 1956 (de gauche à droite)

Image en vedette : Carmen Herrera - Lines of Sight, vue de l’exposition (Crédit : IdeelArt)
Par Phillip Barcio