Comment le dessin a revitalisé l'Amérique d'après-guerre - au MoMA

Avec la levée des restrictions liées au COVID à New York, plusieurs expositions de musées dont les durées ont été prolongées pendant la fermeture pandémique nous attendent. Parmi les meilleurs pour les fans d'abstraction se trouve Degree Zero: Drawing at Midcentury au MoMA, une exposition de 79 dessins pour la plupart abstraits créés entre 1950 et 1961. Ce qui rend cette exposition extraordinaire, ce sont deux questions que soulève la curation, à savoir : la nature et la valeur du dessin en tant que médium artistique, ainsi que le pouvoir des institutions de construire et de reconstruire les versions officielles de l'histoire de l'art. En termes de valeur du dessin en tant que médium, les enjeux semblent généralement moindres que ceux de ses jumeaux dizygotes, la peinture et la sculpture. Le papier, les stylos et les crayons sont peu coûteux et faciles à obtenir par rapport aux bonnes peintures, toiles, métaux, argiles ou pierres. Les artistes eux-mêmes considèrent souvent les dessins comme une pratique pour d’autres œuvres. Ironiquement, des attentes aussi faibles aboutissent parfois à des chefs-d’œuvre en conférant au dessin un sentiment de liberté auquel résistent des médiums plus planifiés et délibérés. Degré Zéro examine ce phénomène de deux manières. Premièrement, la conservation se concentre sur des dizaines de dessins qui étaient clairement destinés à être des œuvres terminées et non préparatoires, comme un dessin époustouflant, jaune et sans titre de l'artiste suisse Sonja Sekula, ou la parfaite « Composition avec un seul drapeau » de l'artiste italo-brésilien Alfredo. Volpi. Deuxièmement, il comprend plusieurs œuvres prétendument préparatoires – notamment les dessins d’Ellsworth Kelly « Étude pour La Combe II » (1950) et « Étude pour fenêtre, Musée d’art moderne, Paris » (1949) – qui sont à bien des égards supérieurs au versions finales qu'ils ont précédées. Quant à ce que Degree Zero fait pour aborder le pouvoir des institutions comme le MoMA d'écrire et de réécrire l'histoire de l'art, l'ensemble de l'exposition est fondamentalement une tentative de corriger le récit étroit auquel le MoMA a contribué en premier lieu, que l’art d’après-guerre était en grande partie une affaire américaine, blanche et masculine, dominée par l’expressionnisme abstrait. Tiré entièrement de la collection permanente du MoMA, Degree Zero comprend des artistes de deux sexes provenant de cinq continents, représente plusieurs origines raciales et comprend des artistes non formés. Cela ne fait rien pour effacer les vieux péchés, mais cela témoigne au moins du désir qu’a aujourd’hui le MoMA de commencer à réparer un passé brisé.

Tiroirs à dessins

La chose la plus remarquable à propos de Degree Zero est peut-être le fait que l'exposition existe. Tout dessinateur professionnel vous dira que la raison pour laquelle les dessins ont tendance à être moins chers que les peintures sur le marché primaire et secondaire est que les collectionneurs ont tendance à ne pas considérer les dessins comme des archives. De nombreux dessinateurs n’investissent en effet pas le temps de choisir un papier de qualité, de préparer la surface, de sélectionner des supports de qualité, ni de protéger l’œuvre une fois terminée. Lorsque vous achetez un dessin, vous devez dépenser beaucoup d'argent pour encadrer l'œuvre, en prenant soin de choisir le bon type de verre et en l'accrochant dans un endroit où il ne sera pas endommagé par les conditions atmosphériques. Même correctement réalisés et protégés, les dessins ont tendance à se dégrader plus rapidement que les peintures. C’est pourquoi de nombreux dessins des collections de musées finissent dans des tiroirs pendant des décennies, ignorés et finalement oubliés. Lorsqu’ils sont redécouverts, ils sont parfois irréparables.

Norman Lewis - Le Messager, 1952. Fusain et encre sur papier. 26 x 30 3/8'' (66,1 x 77,3 cm). Le Musée d'Art Moderne de New York. Don de Blanchette Hooker Rockefeller © Succession de Norman Lewis ; Avec l'aimable autorisation de Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

D'une manière ou d'une autre, le MoMA a non seulement réussi à rassembler 79 dessins d'une seule décennie, mais maintenant qu'ils ont plus de 60 ans, un grand nombre de ces dessins sont encore dans un état extraordinairement bon. Un exemple fantastique est "Untitled (Smoke Drawing)" (1959), par Otto Piene. L'artiste a réalisé cette œuvre en suspendant une feuille de papier sur un écran métallique au-dessus d'une flamme brûlante, permettant à la fumée de brûler un motif circulaire sur le papier. D'une manière ou d'une autre, cette feuille de papier carbonisée reste complètement intacte et sublimement expressive, 62 ans plus tard. Un autre exemple remarquable est "The Messenger" (1952), un dessin au charbon et à l'encre sur papier par Norman Lewis. Cette œuvre conserve un tel détail, une telle délicatesse et une telle nuance que près de 70 ans après sa création, elle semble encore contenir l'écho du cœur délicat, réfléchi et vivant de cet artiste extraordinaire. La merveilleuse préservation de ces œuvres décontextualise le médium non pas comme quelque chose condamné à se détériorer, mais comme quelque chose d'unique et d'expressif de l'esprit et du corps du dessinateur qui l'a créé, qui mérite d'être protégé et collectionné.

Vue de l'installation de Degree Zero: Drawing at Midcentury, du 1er novembre 2020 au 6 février 2021 au Museum of Modern Art de New York. Image numérique © 2020 Musée d'art moderne de New York. Photo de Robert Gerhardt

Histoire de la correction

Samantha Friedman, conservatrice associée des dessins et des estampes au MoMA, mérite un crédit supplémentaire pour la façon dont elle a sélectionné des œuvres qui véhiculent une perspective globale, multigenre, multiraciale et multididactique. Pourtant, je suis également tout aussi impressionné par l'effet que Degré Zéro a eu sur ma compréhension des œuvres individuelles de certains des artistes de l'exposition. Deux dessins de Louise Bourgeois m'ont absolument captivé, réitérant l'enfant qui vit chez les adultes et offrant un délicieux aperçu de l'âme juvénile de cet artiste dont je trouve les sculptures terriblement et profondément adultes. « Untitled (Florence) » (1952) de Jay DeFeo est la seule œuvre à petite échelle de cet artiste que j'ai jamais vue. Sa clarté choquante et sa passion ont imprimé l’image dans mon esprit, probablement de façon permanente. Un dessin en noir et blanc sans titre de Georges Mathieu de 1958 place encore plus haut la barre du respect pour ce peintre. J'ai toujours été fan de ses abstractions singulièrement cosmiques, mais voir ce qu'il faisait ici sans l'aide de la couleur et de la texture m'a prouvé sa maîtrise.

Joan Mitchell - Sans titre, 1957. Huile sur papier. 19 1/2 x 17 1/2'' (49,5 x 44,5 cm). Le Musée d'Art Moderne de New York. Comité des fonds de tirages © Succession de Joan Mitchell

La dernière façon dont je ressens l’histoire des « droits » du Degré Zéro réside dans sa volonté d’aller au-delà de ce qui serait normalement considéré comme un dessin. New City (1953), une aquarelle et encre sur papier de Dorothy Dehner, serait normalement considérée comme une simple aquarelle, mais son aspect linéaire suggère sûrement qu'elle appartient à cette exposition. De même, une œuvre colorée et sans titre au pastel de Beauford Delaney serait normalement présentée comme une peinture, ou simplement comme une œuvre sur papier. On pourrait en dire autant de la superbe huile sur papier sans titre de Joan Mitchel de 1957 ; une acrylique sur papier lancée par Saburo Murakami ; et frottement à l'encre par Sari Dienes ; et le collage « 2Letters Ms » (1961) de Vera Molnar. Catégoriser ces œuvres comme dessins brouille les définitions de manière subtile et subversive et ajoute à l’effet global que cette exposition produit en élargissant l’expérience du dessin et de l’histoire de l’art pour la rendre plus ouverte que par le passé.

Image à la une : Otto Piene - Sans titre (Dessin de fumée), 1959. Suie sur papier. 20 x 29'' (51 x 73 cm). Le Musée d'Art Moderne de New York. Acheté avec les fonds fournis par Sheldon H. Solow © 2019 Otto Piene / Artists Rights Society (ARS), New York / VG. Bild-Kunst, Allemagne
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio