Norman Lewis, un joyau négligé de l'expressionnisme abstrait

Lorsque l’Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie a monté « Procession : The Art of Norman Lewis » en 2015, l’exposition a été une révélation pour la plupart des spectateurs. Le sujet de l'exposition, le peintre américain Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), est considéré comme le seul artiste noir parmi la première génération d'expressionnistes abstraits. . Son travail se distingue complètement de celui de ses pairs, suivant des fils esthétiques et intellectuels qui lui confèrent encore aujourd'hui un sentiment de fraîcheur et d'ingéniosité. Pourtant, contrairement à Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko et aux autres peintres avec lesquels il a souvent exposé, Lewis n’a jamais connu une grande renommée ni un grand succès financier de son vivant. Il subvenait principalement à ses besoins et à ceux de sa famille en tant qu'enseignant. L’une des principales raisons pour lesquelles il a connu des difficultés sur le marché était que, malgré la manière dont l’establishment artistique américain d’après-guerre avait adopté l’art abstrait, il rejetait néanmoins pour l’essentiel le travail des artistes noirs, abstraits ou non. Dans le même temps, la plupart des marchands et collectionneurs d’art noirs américains d’après-guerre ont également rejeté l’art abstrait en raison de la conviction que la justice sociale ne pouvait être atteinte que par un art qui abordait directement les questions de justice sociale. En fait, lorsqu’il a commencé sa carrière dans les années 1930, Lewis lui-même partageait la même conviction. Il a peint des peintures figuratives et réalistes sociales dans le cadre de la Works Progress Administration, un travail au cours duquel il a rencontré son collègue expressionniste abstrait Pollock. Mais pendant la Seconde Guerre mondiale, Lewis ne pouvait s’empêcher de souligner l’hypocrisie de l’armée américaine combattant un ennemi suprémaciste blanc tout en imposant la ségrégation raciale de ses propres troupes. Après la guerre, Lewis abandonna sa conviction selon laquelle l’art réaliste pourrait un jour jouer un rôle important dans le remodelage de la culture. Il a déclaré : « J’avais l’habitude de peindre des nègres dépossédés ; discrimination, et petit à petit, j’ai pris conscience du fait que cela n’émouvait personne, que cela n’améliorait pas les choses. Il s'est plutôt consacré à une exploration permanente des aspects les plus universels de l'esthétique, mobilisant le pouvoir de la couleur, de la ligne, de la texture et de la forme pour rassembler les gens dans un espace visuel de contemplation et de transcendance.

Ligne et espace engageants

L'un des aspects les plus distinctifs du style de la peinture abstraite que Lewis a développé est son utilisation de la ligne. Ses coups de pinceau sont légers et énergiques, presque lyriques, et pourtant ils possèdent une structure architectonique qui leur confère un sens de force et de poids. Il a utilisé cet élément de telle manière que ses lignes créent des relations entre elles, impliquant la présence de formes plutôt que de décrire des objets littéraux dans l'espace. Dans des peintures comme "Musiciens de rue" (1948), une congrégation de lignes occupe le centre de la toile, entourée d'une brume rose et atmosphérique. La peinture est entièrement abstraite, et pourtant, à cause de la façon dont l'espace est divisé, il semble qu'il s'agisse d'une image de quelque chose de reconnaissable. Les motifs linéaires au milieu de la toile suggèrent l'apparence de véritables musiciens, peut-être éclatés dans un multi-univers cubiste de perspectives et de plans. Mais ce n'est pas une image de musiciens. C'est plutôt une expression de l'énergie et de l'émotion de la musique jouée dans la rue ; l'excitation des notes perçant l'espace, et le carnaval de couleurs et de sons qui remplissent l'air.

Norman Lewis - Florence, 1947. Huile sur Masonite. 14 x 18 po. Collection privée. © Succession de Norman W. Lewis, avec l'aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.

En plus de son utilisation de la ligne, Lewis a également développé une méthode distinctive et très efficace d'engagement avec l'espace visuel. Ses œuvres n'étaient pas des peintures « tout-en-un » comme celles de Jackson Pollock, couvrant chaque centimètre de la toile de coups de pinceau de telle sorte qu'aucune partie de la toile ne mérite plus d'attention qu'une autre. Au contraire, Lewis offrait aux spectateurs quelque chose sur quoi se concentrer dans l'espace pictural, même si le sujet de leur attention était abstrait. Dans "Green Mist" (1948), il a réalisé cela en mélangeant des techniques de telle manière que l'œil était intuitivement attiré vers le centre de la toile. Sur le bord extérieur de la toile, la peinture est estompée et lissée à la main pour créer la sensation d'un nuage vert atmosphérique, tandis qu'au centre de l'image, des lignes calligraphiques nettes suggèrent que quelque chose de concret est présent, ou peut-être en train d'évoluer dans le mystère de l'espace visuel.

Norman Lewis - Traversée, 1948. Huile sur toile. 25 x 54 po. Galerie Michael Rosenfeld. © Succession de Norman W. Lewis, avec l'aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.

Le groupe Spiral

Bien que sa décision d'explorer les aspects universels de l'esthétique plutôt que des représentations réalistes de la lutte des Noirs en Amérique n'ait pas contribué à rehausser son profil auprès des marchands ou des collectionneurs, elle a néanmoins amené Lewis en compagnie d'autres artistes noirs américains qui partageaient sa conviction de l'importance de réalisation esthétique. Le 5 juillet 1963, il est invité au studio de Romare Bearden pour rejoindre Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew et William Pritchard pour former un collectif connu sous le nom de The Spiral Group. Le groupe se consacre à la promotion de la maîtrise esthétique et des universalités culturelles. Ils se sont réunis régulièrement pour discuter de la manière dont les représentations réalistes de l'inégalité raciale ont aidé ou non la culture noire, et pour étudier comment l'excellence dans le domaine des « problèmes esthétiques communs » pourrait contribuer davantage à élever le statut culturel et à accroître l'influence des artistes noirs dans le monde. Amérique.

Norman Lewis - Jazz Band, 1948. Incisé sur une planche de masonite enduite de noir. 20 x 23 7/8 po. Collection privée. © Succession de Norman W. Lewis, avec l'aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey

Le nom Spiral Group a été suggéré par Hale Woodruff. C’était une référence au mathématicien grec Archimède, dont la « vis » montait en spirale « vers le haut dans des cercles toujours plus larges, comme symbole de progrès ». Bien que certains des peintres du Spiral Group aient réalisé des œuvres figuratives, leur adhésion sans réserve aux possibilités de l’abstraction était révolutionnaire, en particulier pour l’art noir américain. Cela a jeté les bases d’artistes comme le sculpteur Richard Hunt, dont l’exposition personnelle en 1971 au Museum of Modern Art de New York n’était que la troisième exposition personnelle d’un artiste noir dans l’histoire du MoMA, et la première d’un artiste abstrait. Cela a également mis en lumière la triste réalité selon laquelle, en Amérique, il n’y a jamais eu un seul monde de l’art, mais plusieurs mondes de l’art en compétition pour la reconnaissance et l’influence plutôt que de coopérer vers des objectifs culturels communs. Norman Lewis et les autres membres du Spiral Group ont jeté les bases de quelque chose de mieux : une approche de l’art non seulement universelle, mais unificatrice.

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Image en vedette : Norman Lewis - Sans titre, 1949. Huile sur toile. 20 x 30 po. Collection privée. © Succession de Norman W. Lewis, avec l'aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio