Norman Lewis, un joyau négligé de l'expressionnisme abstrait

Lorsque l'Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie a organisé en 2015 l'exposition « Procession : L'art de Norman Lewis », celle-ci fut une révélation pour la plupart des visiteurs. Le sujet de l'exposition, le peintre américain Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), est considéré comme le seul artiste noir parmi la première génération d'expressionnistes abstraits. Son œuvre se distingue totalement de celle de ses pairs, suivant des fils esthétiques et intellectuels qui lui confèrent un sentiment de fraîcheur et d'ingéniosité encore aujourd'hui. Pourtant, contrairement à Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko et les autres peintres avec lesquels il exposait souvent, Lewis n'a jamais connu une grande renommée ni un succès financier de son vivant. Il a principalement soutenu sa famille en tant qu'enseignant. L'une des raisons principales de ses difficultés sur le marché était que, malgré l'accueil favorable de l'art abstrait par l'establishment artistique blanc américain d'après-guerre, celui-ci rejetait en grande partie le travail des artistes noirs, abstrait ou non. Parallèlement, la plupart des marchands et collectionneurs d'art noirs américains d'après-guerre rejetaient aussi l'art abstrait, croyant que la justice sociale ne pouvait être atteinte que par un art traitant directement des questions de justice sociale. En fait, lorsqu'il a commencé sa carrière dans les années 1930, Lewis partageait cette même conviction. Il peignait des œuvres figuratives et socialement réalistes dans le cadre de la Works Progress Administration, un emploi où il rencontra le futur expressionniste abstrait Pollock. Mais pendant la Seconde Guerre mondiale, Lewis ne put s'empêcher de remarquer l'hypocrisie de l'armée américaine combattant un ennemi suprémaciste blanc tout en imposant la ségrégation raciale au sein de ses propres troupes. Après la guerre, Lewis abandonna sa croyance que l'art réaliste pourrait jouer un rôle significatif dans la transformation de la culture. Il déclara : « Je peignais autrefois des Noirs dépossédés ; la discrimination, et j'ai lentement pris conscience que cela ne touchait personne, cela n'améliorait rien. » Il se consacra alors à une exploration de toute une vie des aspects plus universels de l'esthétique, mobilisant la puissance de la couleur, de la ligne, de la texture et de la forme pour rassembler les gens dans un espace visuel de contemplation et de transcendance.

La ligne et l’espace en interaction

L’un des aspects les plus distinctifs du style de peinture abstraite que Lewis développa est son usage de la ligne. Ses coups de pinceau sont légers et énergiques, presque lyriques, et pourtant ils possèdent une structure architectonique qui leur confère force et poids. Il employait cet élément de manière à ce que ses lignes créent des relations entre elles, suggérant la présence de formes plutôt que décrivant des objets littéraux dans l’espace. Dans des tableaux comme « Street Musicians » (1948), une multitude de lignes occupe le centre de la toile, entourée d’une brume atmosphérique rosée. Le tableau est entièrement abstrait, et pourtant, en raison de la manière dont l’espace est divisé, on dirait une image de quelque chose de reconnaissable. Les motifs linéaires au centre de la toile évoquent l’apparence de musiciens réels, peut-être éclatés en un univers cubiste de perspectives et de plans. Mais ce n’est pas une image de musiciens. C’est plutôt une expression de l’énergie et de l’émotion de la musique jouée dans la rue ; l’excitation des notes perçant l’espace, et le carnaval des couleurs et des sons qui emplissent l’air.

Norman Lewis - Florence, 1947. Huile sur masonite. 14 x 18 pouces. Collection privée. © Succession de Norman W. Lewis, avec l’aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.

En plus de son usage de la ligne, Lewis développa également une méthode distinctive et très efficace d’interaction avec l’espace visuel. Ses œuvres n’étaient pas des peintures « partout à la fois » comme celles de Jackson Pollock, couvrant chaque centimètre de la toile de marques de pinceau de sorte qu’aucune partie ne mérite plus d’attention qu’une autre. Au contraire, Lewis offrait aux spectateurs un point d’attention dans l’espace pictural, même si le sujet de ce point d’attention était abstrait. Dans « Green Mist » (1948), il y parvint en mêlant des techniques de manière à ce que l’œil soit intuitivement attiré vers le centre de la toile. Sur le bord extérieur de la toile, la peinture est estompée et lissée à la main pour créer la sensation d’un nuage vert atmosphérique, tandis qu’au centre de l’image, des lignes nettes et calligraphiques suggèrent la présence de quelque chose de concret, ou peut-être en train d’évoluer dans le mystère de l’espace visuel.

Norman Lewis - Crossing, 1948. Huile sur toile. 25 x 54 pouces. Galerie Michael Rosenfeld. © Succession de Norman W. Lewis, avec l’aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.

Le Groupe Spiral

Bien que sa décision d’explorer les aspects universels de l’esthétique plutôt que des représentations réalistes de la lutte des Noirs en Amérique n’ait guère contribué à accroître sa notoriété auprès des marchands ou des collectionneurs, elle rapprocha Lewis d’autres artistes noirs américains partageant sa conviction de l’importance de la réussite esthétique. Le 5 juillet 1963, il fut invité dans l’atelier de Romare Bearden pour rejoindre Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew et William Pritchard afin de former un collectif connu sous le nom de Groupe Spiral. Le groupe se consacrait à la promotion de la maîtrise esthétique et des universalités culturelles. Ils se réunissaient régulièrement pour discuter des manières dont les représentations réalistes des inégalités raciales aidaient ou non la culture noire, et pour étudier comment l’excellence dans le domaine des « problèmes esthétiques communs » pourrait davantage élever le statut culturel et accroître l’influence des artistes noirs en Amérique.

Norman Lewis - Jazz Band, 1948. Gravé sur panneau de masonite noirci. 20 x 23 7/8 pouces. Collection privée. © Succession de Norman W. Lewis, avec l’aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.

Le nom Groupe Spiral fut suggéré par Hale Woodruff. Il faisait référence au mathématicien grec Archimède, dont la « vis » spirale « vers le haut en cercles toujours plus larges, comme symbole de progrès ». Bien que certains peintres du Groupe Spiral réalisassent des œuvres figuratives, leur adhésion totale aux potentialités de l’abstraction fut révolutionnaire, surtout pour l’art noir américain. Cela posa les bases pour des artistes comme le sculpteur Richard Hunt, dont l’exposition personnelle en 1971 au Museum of Modern Art de New York fut seulement la troisième exposition personnelle d’un artiste noir dans l’histoire du MoMA, et la première d’un artiste abstrait. Cela mit aussi en lumière la triste réalité qu’en Amérique il n’y a jamais eu un seul monde de l’art, mais plusieurs mondes de l’art en compétition pour la reconnaissance et l’influence plutôt qu’en coopération vers des objectifs culturels communs. Norman Lewis et les autres membres du Groupe Spiral posèrent les fondations de quelque chose de meilleur : une approche de l’art qui soit non seulement universelle, mais unificatrice.

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Image en vedette : Norman Lewis - Sans titre, 1949. Huile sur toile. 20 x 30 pouces. Collection privée. © Succession de Norman W. Lewis, avec l’aimable autorisation de Iandor Fine Arts, New Jersey.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio