L’art de Richard Pousette-Dart est au rendez-vous

Pour l'artiste américain Richard Pousette-Dart (1916 – 1992), le cercle était un symbole de vie éternelle. Il considérait sa forme comme une expression non seulement de l'éternité, mais aussi d'autres vérités universelles, telles que la nature spirituelle des êtres humains, l'idée que les hommes sont indissociables de la nature, et la croyance pleine d'espoir qu'ils peuvent transcender les aspects temporels de l'existence par l'expression artistique. Pousette-Dart a exprimé son adoration du cercle de nombreuses manières au cours de sa carrière. Jeune peintre dans les années 1930, il remplissait ses compositions brutales et primitivistes de cercles servant d'expressions figuratives des yeux. Dans les années 1940, en tant que plus jeune membre de la première génération d'expressionnistes abstraits, il utilisait le cercle comme un totem abstrait récurrent : un substitut à une tête humaine, un champignon atomique, une planète, le soleil, l'espoir, la sagesse et les fleurs. Pendant plusieurs années, Pousette-Dart a sculpté des cercles en laiton de multiples tailles et formations, les offrant à ses amis et connaissances comme emblèmes de la connexion spirituelle. Puis, dans les années 1960, la manifestation la plus complète et la plus mûre de son adoration pour le cercle s'est exprimée lorsqu'il adopta une technique pointilliste, remplissant entièrement ses toiles de milliers de petits points circulaires de couleur. Contrairement aux peintres pointillistes du XIXe siècle, qui espéraient que les taches de couleur adjacentes se fondraient dans l'œil pour aider les spectateurs à vivre des visions vives et dynamiques de leurs scènes figuratives, Pousette-Dart mobilisait les points circulaires pour créer des compositions entièrement abstraites. Ses peintures abstraites pointillistes visent à attirer l'œil et l'esprit du spectateur dans un espace transcendantal, où des vérités mystiques attendent. Dans sa célébration aspirante du pouvoir métaphysique du cercle, Pousette-Dart s'est allié à des peintres comme Hilma af Klint et Wassily Kandinsky : des abstractionnistes qui aspiraient à peindre non pas le monde physique et les choses perceptibles par l'œil, mais les choses de l'esprit accessibles uniquement aux profondeurs de l'inconscient.

Un réfugié de l'École de New York

Bien qu'il ne fût pas exactement aligné avec eux sur plusieurs points, plusieurs coïncidences historiques placent Pousette-Dart parmi l'un des groupes d'artistes américains les plus influents du XXe siècle : l'École de New York. Ce regroupement lâche d'artistes a émergé après la Seconde Guerre mondiale. Il comprenait les expressionnistes abstraits ainsi que de nombreux autres artistes partageant une appréciation méthodique ou esthétique similaire de l'importance de l'art abstrait. Quelques moments culturels distincts ont aidé à définir qui faisait partie de l'École de New York. L'un d'eux fut une série de rencontres appelées les Sessions d'Artistes au Studio 35, où les artistes présents discutaient des idées, méthodes et philosophies guidant leur travail ; un autre fut la fameuse lettre de protestation envoyée au Metropolitan Museum of Art rejetant l'exposition American Painting Today – 1950, et la photographie subséquente des « Irascibles » publiée peu après dans Life Magazine ; un autre encore fut l'Exposition d'Art de la 9e Rue en 1951, qui présentait les œuvres de 64 artistes, et est considérée comme ayant établi l'existence d'une avant-garde américaine d'après-guerre d'importance mondiale avant-gardiste.

Richard Pousette-Dart - Désert, 1940. Huile sur toile. 109 x 182,8 cm (43" x 6'). Collection MoMA. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Pousette-Dart a participé à ces trois événements. Mais en même temps, il était un outsider, même parmi ces autres outsiders. Contrairement à la plupart de ses pairs, il était végétarien et évitait l'alcool. Il fréquentait rarement les bars, et ne manifestait pas ouvertement d'anxiété ou de dépression. Au contraire, Pousette-Dart était optimiste quant à la possibilité que la peur et l'angoisse de sa génération puissent être remplacées par l'espoir et la transcendance, et que l'art puisse jouer un rôle principal dans cette transformation. Peut-être parce qu'il ne s'intégrait pas socialement, ou simplement parce qu'il désirait un environnement plus calme et contemplatif pour travailler, il quitta New York en 1951, alors que l'École de New York devenait célèbre. Avec sa femme et ses enfants, il s'installa dans l'État de New York, adoptant une pratique d'atelier guidée par la philosophie, qui lui permit de développer un style personnel distinctif fondé sur la couleur, l'harmonie et la simplicité, et qui partageait peu de points communs avec ses contemporains de la ville.

Richard Pousette-Dart - Sans titre, 1944. Huile sur toile. 99,1 × 132,1 cm (39 × 52 in). Galerie Michael Rosenfeld. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Une renaissance pointue

Au cours de sa vie, Pousette-Dart a reçu de nombreux honneurs, notamment des rétrospectives au Whitney Museum of Art et à l'Indianapolis Museum of Art. Depuis son décès en 1992, son œuvre a été présentée dans des rétrospectives au Whitney, au Metropolitan Museum of Art, au Guggenheim (New York et Venise), et à la Philips Collection à Washington, DC, entre autres. Pourtant, malgré cette attention, son œuvre reste quelque peu sous-estimée, surtout auprès des publics internationaux. Une explication souvent avancée pour ce délaissement perçu est la théorie selon laquelle les gens ne s'intéressent pas à un expressionniste abstrait optimiste – ils préfèrent la variété dépressive et alcoolique. Une autre théorie suggère que le style singulier qu'il développa après avoir quitté New York rendait son travail difficile à classer, et donc difficile à vendre pour les marchands.

Richard Pousette-Dart - Sans titre, 1977. Graphite sur papier. 57,8 × 76,2 cm (22 3/4 × 30 in). Galerie Michael Rosenfeld. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Il existe cependant au moins un autre point de vue à considérer : que Pousette-Dart n'a pas été négligé ; il était peut-être simplement un peu en avance sur son temps. Pensez à Hilma af Klint, la grande spiritualiste abstraite de l'ère moderne. Ce n'est que maintenant que sa rétrospective orne les murs du Guggenheim à New York que le grand public découvre son œuvre. Elle avait plus d'un siècle d'avance sur son temps. Pousette-Dart est dans sa lignée – un spiritualiste intuitif et autodidacte qui croyait aux potentialités mystiques et universelles de l'art abstrait. Avec deux expositions récentes présentant son travail au public britannique – l'une récemment terminée à Cambridge, et une autre visible jusqu'au 20 février 2019 chez Pace London – il semble que le moment soit venu de réexaminer Pousette-Dart dans le contexte des tendances contemporaines. Peut-être que son œuvre ne correspondait pas au cynisme de sa propre génération. Mais à notre époque, alors que nous faisons face à nos propres soucis et peurs concrètes, sa vision d'un monde plus porteur d'espoir et unifié (même s'il est invisible) est exactement ce dont nous avons besoin.

Image en vedette : Richard Pousette-Dart - Dans la pièce, 1942. Huile sur toile et bois. 91,4 × 152,4 cm (36 × 60 in). Whitney Museum of American Art, New York ; don du 50e anniversaire de l'artiste 2014.99. © 2019 Richard Pousette-Dart.
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio