Comment l’abstraction a servi l’art d’avant-garde

La plupart des politiciens ignorent aujourd'hui l'art d'avant-garde. Ils y voient un bastion inoffensif pour les intellectuels qui pratiquent des philosophies esthétiques ésotériques. Mais cela n’a pas toujours été le cas. Dans un passé pas si lointain, les puissants craignaient l’art d’avant-garde en tant que force susceptible d’exercer une influence culturelle, voire de modifier le caractère national. Et les mouvements artistiques d'avant-garde liés à l'abstraction étaient souvent perçus comme particulièrement menaçants, en raison de l'ambiguïté de leur objectif et de l'imprévisibilité de leur influence. Aujourd’hui, nous revenons sur certaines des façons dont l’abstraction a influencé les mouvements artistiques d’avant-garde du passé et sur l’impact de ces mouvements sur notre culture.

Salon des Refusés

1863, Paris

Avant-garde signifie avant-garde. C'est un terme militaire français désignant les soldats qui ouvrent la voie vers de nouveaux territoires contre des ennemis incertains. Son utilisation pour décrire l’art remonte au moins à 1863. C’est l’année où un mouvement artistique d’avant-garde appelé impressionnisme a bouleversé la structure du pouvoir culturel de la France. Depuis 1667, une institution appelée l'Académie des Beaux-Arts définissait l'art français respectable. Ils organisaient une exposition annuelle appelée Salon de Paris, qui conférait à des artistes sélectionnés la stature associée à l'approbation de l'élite sociale.

Les impressionnistes étaient des expérimentateurs. Ils ont inventé de nouvelles façons de peindre ; ils peignaient à l'extérieur, peignaient des scènes de tous les jours et se concentraient davantage sur la transmission de la lumière que sur le sujet. Ils cherchaient une nouvelle façon de peindre, mais aussi une nouvelle façon de voir le monde. Leur œuvre fut refusée au Salon de Paris. Mais Napoléon a décidé que le public devait déterminer si le style impressionniste avait de la valeur. Il a donc organisé le Salon des Refusés en 1963, exposant des œuvres rejetées par le Salon formel. Le spectacle était encore plus populaire que le Salon formel, entraînant la montée de l'impressionnisme et le déclin du pouvoir de l'Académie des Beaux-Arts.

Salon des Indépendants

1884, Paris

Malgré le succès du Salon de Refusés, l'idée persistait que les expositions d'art devraient être jurées ; que certaines personnes d'élite devraient avoir le pouvoir d'établir le goût. Mais en 1884, un groupe appelé la Société des Artistes Indépendants, qui comprenait Georges Seurat et Paul Signac, les fondateurs du Pointillisme, a contribué à détruire cette notion en créant le premier Salon des Indépendants, une exposition ouverte à tout artiste. Leur devise était sans jury ni récompense.

Durant ses 30 ans d'existence, le Salon des Indépendants a contribué à établir le Néo-Impressionnisme, le Divisionnisme, les Symbolistes, le Fauvisme, l'Expressionnisme, le Cubisme et l'Orphisme. Il a offert un refuge à l'abstraction et a connecté des artistes avant-gardistes partageant les mêmes idées. Il a solidifié les réputations de Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh et Matisse. Et surtout, il a établi que l'art moderniste n'était pas sous le contrôle d'aucune institution, et que la société pouvait être accessible, et donc influencée, par l'avant-garde.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Huile sur toile. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). Collection MoMA. Acquis grâce au legs Lillie P. Bliss (par échange). © 2019 Succession de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Le futurisme italien

1909, Italie

Vers le tournant du 20ème siècle, une évolution générale s'est produite dans l'état d'esprit des personnes industrialisées. La culture est passée d'une confiance dans les anciennes manières de diriger la société à une croyance selon laquelle ces anciennes manières étaient inutiles. Le mouvement artistique avant-gardiste qui a le plus clairement exprimé cette évolution, et l'a solidifiée dans l'esprit des masses, était le Futurisme italien.

Le Manifeste futuriste, publié en 1909, exprime l’intention d’une nouvelle génération d’artistes de détruire les institutions et les idées du passé pour faire place au nouveau. Il vantait les merveilles des machines et de la vitesse et préconisait la guerre pour purifier la société. Le style artistique futuriste abstrait était basé sur la démonstration de mouvement pour glorifier la technologie. Leurs idées ont nourri la rhétorique et les politiques qui ont conduit à la Première Guerre mondiale. Plusieurs parmi leurs rangs sont morts pendant la guerre.

Wyndham Lewis - Peinture vorticiste. © La succession de G A Wyndham Lewis

Suprématisme et constructivisme

1913, Russie

À la suite de la Première Guerre mondiale, deux mouvements d'avant-garde russes opposés ont émergé en réponse aux vastes défis sociaux auxquels ce pays était confronté. Kazimir Malevich a créé un style d'art abstrait appelé Suprématisme, qui cherchait à exprimer des universalités de la manière la plus simple et la plus pure. Malevich a écrit dans son manifeste, Le Monde Non-Objectif, « L'art ne se soucie plus de servir l'État et la religion, il ne souhaite plus illustrer l'histoire des mœurs, il ne veut plus avoir rien à voir avec l'objet, en tant que tel, et croit qu'il peut exister, en lui-même et pour lui-même… »

Simultanément, Vladimir Tatlin a développé le Constructivisme, une philosophie artistique selon laquelle l'art doit servir le monde matériel de manière objective. Bien que le Constructivisme et le Suprématisme soient directement opposés, les deux ont eu une grande influence. Le Suprématisme a établi un point de vue culturel selon lequel l'art abstrait, et l'humanité en général, a un aspect métaphysique fondamental. Le Constructivisme a établi un point de vue culturel selon lequel l'art, et la vie, sont matériels et doivent être abordés d'un point de vue utilitaire. Les deux points de vue prospèrent évidemment encore aujourd'hui.

Kazimir Malevitch - Composition suprématiste : Blanc sur blanc, 1918. Huile sur toile. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). Collection MoMA. 1935 Acquisition confirmée en 1999 par accord avec la succession de Kazimir Malevich et rendue possible grâce aux fonds du legs de Mme John Hay Whitney (par échange)

Poitrine

1915, New York

1916, Zurich

Alors que les artistes russes débattaient de la question de savoir si l'art devait être objectif ou non objectif, divers artistes à New York et à Zürich cultivaient une troisième perspective. Ils considéraient l'art, et la vie, comme absurdes. Réagissant aux horreurs de la Première Guerre mondiale, les Dadaïstes adoptaient le point de vue nihiliste selon lequel rien n'est sacré. Ils se moquaient de toutes les institutions, styles, philosophies et tendances tout en s'appropriant simultanément leurs tendances dans leur art.

Les dadaïstes ont créé une déclaration esthétique intentionnellement chaotique et incompréhensible. Dans un sens, c'était une réponse à la folie. Dans un autre sens, le dadaïsme a créé une culture encore plus nihiliste en validant et en entretenant la folie. Les artistes associés à Dada affirmaient catégoriquement qu’ils ne faisaient pas de satire. Ils ne disaient rien. Ils détruisaient l’idée selon laquelle l’art avait un sens.

Jean Arp - Composition abstraite, 1915. Collage.

L'art dégénéré

1937, Allemagne

Dans l’Allemagne d’après-guerre, les artistes d’avant-garde ont travaillé brièvement de concert avec le reste de la culture. En 1919, la République de Weimar a institué des réformes de grande envergure, encourageant une Allemagne ouverte, libérale et moderne. Le Bauhaus est né en phase avec les idéaux de Weimar. Pendant 14 ans, les artistes associés à cette institution d'avant-garde ont nourri la perspective culturelle selon laquelle l'art et la société doivent être liés, combinant art, architecture et design.

Mais en 1933, après un effondrement économique, la République de Weimar perd le contrôle au profit du parti nazi. Les nazis se sont opposés au modernisme. Ils ont interdit tout art en dehors de leur vision étroite de la grandeur historique allemande. Ils ont qualifié l’art abstrait, l’art moderne et l’art d’avant-garde de dégénérés. La première exposition d’art dégénéré en 1937 a marqué le début d’une attaque formelle et officielle contre toute personne associée à des opinions dites dégénérées.

Refus total

1948, Canada

Alors que les nazis prenaient le contrôle de l'Allemagne, le Royaume-Uni relâchait son contrôle sur de nombreux territoires. En 1931, le Royaume-Uni a adopté une législation permettant au Canada de déterminer son propre destin légal et national. Les Canadiens se sont donc engagés dans un processus graduel de détermination de leur caractère national. Un groupe d'artistes a pris les devants dans cette conversation culturelle. Dirigé par Paul-Émile Borduas et Jean-Paul Riopelle, le groupe a publié un manifeste en 1948 intitulé Le Refuse Global (Refus Total).

Le manifeste exigeait que les artistes canadiens soient libérés de tout contrôle religieux et académique. Il embrassait l’abstraction, l’expérimentation et la laïcité culturelle. La réaction immédiate au manifeste fut négative, mais pendant plusieurs décennies, il contribua à déclencher la Révolution tranquille, un mouvement plus vaste qui accomplit des réformes libérales partout au Canada. Ces réformes définissent aujourd’hui le caractère national canadien et doivent dans une certaine mesure leur origine au Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Composition, 1954. Oil on canvas. © Jean-Paul Riopelle

Groupe Gutaï

1954, Japon

Alors que le Japon se reconstruisait après la Seconde Guerre mondiale, un collectif d'art avant-gardiste appelé le Gutai Group s'est lancé dans une mission de réimagination de la culture japonaise. Les artistes de Gutai croyaient que la violence du passé était le résultat d'une culture d'assimilation et d'isolement. Ils pensaient que l'individualité, la liberté créative, un lien avec la nature et un lien avec d'autres cultures étaient essentiels pour favoriser la paix.

Le groupe s'est formé en 1954 et a rédigé un manifeste en 1956 décrivant son approche de la création artistique. Leur travail était intentionnellement abstrait et expérimental. Cela a déclenché une renaissance culturelle au Japon. Par courrier, ils se sont connectés avec d'autres artistes du monde entier. Gutai a directement influencé le mouvement Fluxus et de nombreux autres mouvements d'art conceptuel en Europe et en Amérique du Nord.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Huile sur toile. 31 7/8 x 45 5/8 po. (81 x 116 cm). © Shiraga Kazuo

Le mouvement des espaces artistiques alternatifs

Années 1970, Monde

Né à New York, l’Alternative Artspace Movement est devenu un mouvement d’avant-garde mondial dans les années 1970. Ou peut-être d’une autre manière, c’était un anti-mouvement, car plutôt que de définir une approche particulière de l’art, il fournissait simplement à l’artiste un environnement et les moyens de proposer au public n’importe quel phénomène esthétique.

Les artistes associés aux espaces d'art alternatifs incluent Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno et les Beastie Boys. En tant qu'expérience avant-gardiste accueillant tout le monde et englobant tout, le mouvement était lui-même une abstraction fantastique : une idée du monde de l'art comme une expérience totalement ouverte, résistante à tout jugement, évaluation et critique.

Sol LeWitt - Dessin mural 1. © Sol LeWitt

L'abstraction, l'avant-garde et nous

Dans d’innombrables cas, les mouvements artistiques d’avant-garde ont influencé les cultures dans lesquelles ils existaient. Il n’est pas étonnant que l’incompréhension de l’abstraction et la peur de l’art d’avant-garde aient amené certains des régimes et institutions les plus puissants du passé à s’opposer ouvertement à l’art, considéré comme une menace pour leur contrôle.

En regardant les nombreux mouvements artistiques d’avant-garde du passé (et il y en avait bien plus que ceux que nous avons abordés), nous pouvons voir que l’abstraction faisait partie intégrante de leurs philosophies. Tout mouvement d’avant-garde repose essentiellement sur des idées. Et bon nombre de ces idées impliquent l’expérimentation, l’ouverture, l’ambiguïté et la liberté artistique.

Image en vedette : Giacomo Balla - Ligne de vitesse (détail), 1913. Huile sur toile
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio