Comment l’abstraction a servi l’art d’avant-garde

La plupart des politiciens aujourd'hui ignorent l'art avant-gardiste. Ils le voient comme un bastion inoffensif pour les intellectuels échangeant des philosophies esthétiques ésotériques. Mais ce n'était pas toujours le cas. Dans un passé pas si lointain, les détenteurs du pouvoir craignaient l'art avant-gardiste comme une force pouvant exercer une influence culturelle, voire modifier le caractère national. Et les mouvements d'art avant-gardiste liés à l'abstraction étaient souvent perçus comme particulièrement menaçants, en raison de l'ambiguïté de leur but et de l'imprévisibilité de leur influence. Aujourd'hui, nous regardons en arrière certaines des façons dont l'abstraction a influencé les mouvements d'art avant-gardiste du passé, et l'impact de ces mouvements sur notre culture.

Salon des Refusés

1863, Paris

Avant-garde signifie avant-garde. C'est un terme militaire français désignant les soldats qui ouvrent la voie dans un nouveau territoire face à des ennemis incertains. Son utilisation pour décrire l'art remonte au moins à 1863. C'est l'année où un mouvement artistique avant-gardiste appelé impressionnisme bouleversa la structure du pouvoir culturel en France. Depuis 1667, une institution appelée l'Académie des Beaux-Arts définissait l'art français respectable. Elle organisait une exposition annuelle appelée le Salon de Paris, qui conférait à certains artistes le statut associé à l'approbation de l'élite sociale.

Les impressionnistes étaient des expérimentateurs. Ils ont inventé de nouvelles façons de peindre ; ils peignaient en plein air, représentaient des scènes quotidiennes, et se concentraient davantage sur la transmission de la lumière que sur le sujet. Ils cherchaient une nouvelle manière de peindre, mais aussi une nouvelle façon de voir le monde. Leur travail fut rejeté par le Salon de Paris. Mais Napoléon décida que le public devait déterminer s'il y avait une valeur dans le style impressionniste, alors il organisa le Salon des Refusés en 1963, exposant des œuvres rejetées par le Salon officiel. L'exposition fut encore plus populaire que le Salon officiel, entraînant la montée de l'impressionnisme et le déclin du pouvoir de l'Académie des Beaux-Arts.

Salon des Indépendants

1884, Paris

Malgré le succès du Salon des Refusés, l'idée persistait que les expositions d'art devaient être soumises à un jury ; que certaines personnes d'élite devaient avoir le pouvoir d'établir le goût. Mais en 1884, un groupe appelé la Société des Artistes Indépendants, qui comprenait Georges Seurat et Paul Signac, les fondateurs du Pointillisme, a contribué à détruire cette notion en créant le premier Salon des Indépendants, une exposition ouverte à tout artiste. Leur devise était sans jury ni récompense.

Pendant ses 30 années d'existence, le Salon des Indépendants a contribué à établir le Néo-impressionnisme, le Divisionnisme, les Symbolistes, le Fauvisme, l'Expressionnisme, le Cubisme et l'Orphisme. Il a offert un refuge à l'abstraction et a connecté des artistes d'avant-garde partageant les mêmes idées. Il a solidifié la réputation de Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh et Matisse. Et surtout, il a établi que l'art moderniste n'était sous le contrôle d'aucune institution, et que la société pouvait être accessible, et donc influencée, par l'avant-garde.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Huile sur toile. 2,44 m x 2,34 m. Collection MoMA. Acquis par le legs Lillie P. Bliss (par échange). © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Futurisme italien

1909, Italie

Au tournant du XXe siècle, une évolution majeure s'est produite dans la mentalité des peuples industrialisés. La culture est passée d'une confiance dans les anciennes méthodes ancestrales de gestion de la société à la conviction que ces méthodes étaient inutiles. Le mouvement d'avant-garde artistique qui a le mieux exprimé cette évolution, et l'a solidifiée dans l'esprit des masses, était le Futurisme italien.

Le Manifeste futuriste, publié en 1909, exprimait l'intention d'une nouvelle génération d'artistes de détruire les institutions et les idées du passé pour faire place au nouveau. Il vantait la merveille des machines et de la vitesse, et prônait la guerre pour purifier la société. Le style d'art abstrait futuriste était basé sur la représentation du mouvement pour glorifier la technologie. Leurs idées ont alimenté la rhétorique et les politiques qui ont conduit à la Première Guerre mondiale. Plusieurs d'entre eux sont morts pendant la guerre.

Wyndham Lewis - Peinture vorticiste. © The Estate of G A Wyndham Lewis

Suprématisme et Constructivisme

1913, Russie

Au lendemain de la Première Guerre mondiale, deux mouvements d'avant-garde russes opposés ont émergé en réponse aux vastes défis sociaux auxquels ce pays était confronté. Kazimir Malevich a créé un style d'art abstrait appelé suprématisme, qui cherchait à exprimer des universalités de la manière la plus simple et la plus pure. Malevich écrivait dans son manifeste, Le Monde non objectif, « L'art ne se soucie plus de servir l'État et la religion, il ne souhaite plus illustrer l'histoire des mœurs, il ne veut plus rien avoir à faire avec l'objet, en tant que tel, et croit qu'il peut exister, en soi et pour soi… »

Simultanément, Vladimir Tatlin a développé le constructivisme, une philosophie artistique selon laquelle l'art doit servir le monde matériel de manière objective. Bien que le constructivisme et le suprématisme soient directement opposés, les deux ont eu une grande influence. Le suprématisme a établi un point de vue culturel selon lequel l'art abstrait, et l'humanité en général, possède un côté métaphysique fondamental. Le constructivisme a établi un point de vue culturel selon lequel l'art, et la vie, sont matériels et doivent être abordés sous un angle utilitaire. Les deux points de vue prospèrent évidemment encore aujourd'hui.

Kazimir Malevich - Composition suprématiste : Blanc sur blanc, 1918. Huile sur toile. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). Collection MoMA. Acquisition de 1935 confirmée en 1999 par accord avec la succession de Kazimir Malevich et rendue possible grâce aux fonds du legs Mrs. John Hay Whitney (par échange)

Dada

1915, New York

1916, Zürich

Alors que les artistes russes débattaient pour savoir si l'art devait être objectif ou non objectif, divers artistes à New York et à Zürich favorisaient une troisième perspective. Ils considéraient l'art, et la vie, comme absurdes. En réponse aux horreurs de la Première Guerre mondiale, les dadaïstes adoptaient le point de vue nihiliste que rien n'est sacré. Ils se moquaient de toutes les institutions, styles, philosophies et tendances tout en s'appropriant simultanément leurs tendances dans leur art.

Les dadaïstes ont créé une déclaration esthétique intentionnellement chaotique et incompréhensible. En un sens, c'était une réponse à la folie. En un autre sens, le dadaïsme a créé une culture encore plus nihiliste en validant et en nourrissant la folie. Les artistes associés au Dada insistaient sur le fait qu'ils ne faisaient pas de satire. Ils ne disaient rien. Ils détruisaient l'idée que l'art avait un sens.

Jean Arp - Composition abstraite, 1915. Collage.

Art dégénéré

1937, Allemagne

Dans l'Allemagne d'après-guerre, les artistes avant-gardistes ont brièvement travaillé en concert avec la culture plus large. En 1919, la République de Weimar a institué des réformes profondes, encourageant une Allemagne ouverte, libérale et moderne. Le Bauhaus est apparu en accord avec les idéaux de Weimar. Pendant 14 ans, les artistes associés à cette institution avant-gardiste ont nourri la perspective culturelle selon laquelle l'art et la société devraient être liés, combinant art, architecture et design.

Mais en 1933, après un effondrement économique, la République de Weimar perdit le contrôle au profit du Parti nazi. Les nazis s'opposaient au modernisme. Ils interdisaient toute forme d'art en dehors de leur vision étroite de la grandeur historique allemande. Ils qualifiaient l'art abstrait, l'art moderne et l'art avant-gardiste de dégénérés. La première exposition d'art dégénéré en 1937 marqua le début d'une attaque formelle et officielle contre quiconque était associé à ces soi-disant vues dégénérées.

Refus total

1948, Canada

Alors que les nazis prenaient le contrôle de l'Allemagne, le Royaume-Uni libérait le contrôle de nombreux territoires. En 1931, le Royaume-Uni a adopté une législation permettant au Canada de déterminer son propre destin juridique et national. Les Canadiens se sont ainsi engagés dans un processus progressif de détermination de leur caractère national. Un groupe d'artistes a pris la tête de cette conversation culturelle. Mené par Paul-Émile Borduas et Jean-Paul Riopelle, le groupe a publié un manifeste en 1948 appelé Le Refuse Global (Refus total).

Le manifeste exigeait que les artistes canadiens soient libres de tout contrôle religieux et académique. Il embrassait l'abstraction, l'expérimentation et le sécularisme culturel. La réaction immédiate au manifeste fut négative, mais au fil des décennies, il a contribué à déclencher la Révolution tranquille, un mouvement plus large qui a accompli des réformes libérales à travers le Canada. Ces réformes définissent aujourd'hui le caractère national canadien, et dans une certaine mesure, elles doivent leur genèse à Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Composition, 1954. Huile sur toile. © Jean-Paul Riopelle

Gutai Group

1954, Japon

Alors que le Japon se reconstruisait après la Seconde Guerre mondiale, un collectif d'art avant-gardiste appelé le Gutai Group s'est lancé dans une mission de réimagination de la culture japonaise. Les artistes Gutai croyaient que la violence du passé était le résultat d'une culture d'assimilation et d'isolement. Ils pensaient que l'individualité, la liberté créative, une connexion à la nature et une connexion à d'autres cultures étaient essentielles pour favoriser la paix.

Le groupe s'est formé en 1954 et a écrit un manifeste en 1956 exposant leur approche de la création artistique. Leur travail était intentionnellement abstrait et expérimental. Il a déclenché une renaissance culturelle au Japon. Par courrier, ils se sont connectés avec d'autres artistes à travers le monde. Gutai a directement influencé le mouvement Fluxus et de nombreux autres mouvements d'art conceptuel en Europe et en Amérique du Nord.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Huile sur toile. 81 x 116 cm (31 7/8 x 45 5/8 in). © Shiraga Kazuo

Le mouvement Alternative Artspace

Années 1970, Mondial

Commencé à New York, le mouvement Alternative Artspace a émergé comme un mouvement avant-gardiste mondial dans les années 1970. Ou, peut-être d'une autre manière, c'était un anti-mouvement, car plutôt que de définir une approche particulière de l'art, il fournissait simplement à un artiste un environnement et les moyens d'offrir au public n'importe quel phénomène esthétique.

Les artistes liés aux Alternative Artspaces incluent Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno et les Beastie Boys. En tant qu'expérience avant-gardiste accueillante et englobante, le mouvement était lui-même une abstraction fantastique : une idée du monde de l'art comme une expérience totalement ouverte, résistante à tout jugement, évaluation et critique.

Sol LeWitt - Dessin mural 1. © Sol LeWitt

L'abstraction, l'Avant-Garde et Nous

Dans d'innombrables cas, les mouvements d'art avant-gardistes ont influencé les cultures dans lesquelles ils existaient. Il n'est pas étonnant que la mécompréhension de l'abstraction et la peur de l'art avant-gardiste aient conduit certains des régimes et institutions les plus puissants du passé à être ouvertement antagonistes envers l'art, le considérant comme une menace à leur contrôle.

En regardant en arrière les nombreux mouvements d'art avant-gardistes du passé (et il y en avait bien plus que ceux que nous avons couverts), nous pouvons voir que l'abstraction faisait partie intégrante de leurs philosophies. Chaque mouvement avant-gardiste est en essence construit sur des idées. Et tant de ces idées ont impliqué l'expérimentation, l'ouverture, l'ambiguïté et la liberté artistique.

Image en vedette : Giacomo Balla - Ligne de vitesse (détail), 1913. Huile sur toile
Toutes les images sont utilisées à des fins illustratives uniquement
Par Phillip Barcio