Art abstrait original à l’encre à ne pas manquer

L'art à l'encre existe depuis des millénaires - de ses débuts grossiers et rares en Grèce aux œuvres les plus sophistiquées créées durant les dynasties Tang et Song en Chine, suivies par la période Muromachi au Japon, il incarne la continuité et l'héritage des temps passés. Alors que l'art à l'encre était le principal et le plus florissant médium de l'art asiatique, les commerçants européens préféraient de loin la porcelaine chinoise vive et décorative aux œuvres à l'encre avec leurs pratiques créatives distinctes et leurs représentations esthétiques. Vilipendé durant la Révolution culturelle en Chine continentale, l'art moderne à l'encre a émergé à Hong Kong dans les années 70 lorsque des peintres chinois exilés expérimentaient l'abstraction, créant ainsi les plus étonnantes œuvres abstraites à l'encre. L'art contemporain à l'encre a évolué à partir de l'exploration fascinante de l'héritage culturel propre aux artistes et de leur identité, tout en suivant les développements les plus récents de l'art contemporain mondial. Naviguant entre différents styles d'abstraction, tout en flirtant avec l'expressionnisme et l'art conceptuel, la plupart des artistes ont poursuivi avec conviction une abstraction qui permettait de redéfinir les concepts critiques du médium et d'aboutir à une vision plus large de l'art à l'encre. Ce mélange de l'art traditionnel à l'encre avec l'abstraction occidentale a d'abord attiré des artistes de Taïwan, de Chine continentale, de Hong Kong, du Japon et de Corée, mais un groupe d'artistes occidentaux a suivi lorsque le versement et l'éclaboussure ont été ajoutés au travail au pinceau. Alors que l'art abstrait gagne en popularité, les collectionneurs se précipitent pour ajouter de nouvelles pièces à leur collection. Trouvez votre œuvre préférée dans notre collection hebdomadaire et devenez un fier propriétaire !

Martín Reyna - Sans titre (Réf 19016)

Cette œuvre la plus récente de Reyna incarne sa technique distincte de dilution de l'encre et d'ajout d'eau sur le papier afin que les couleurs se dispersent et interagissent de manière inhabituelle. En humidifiant la surface, il permet à l'encre de réagir spontanément et de façon imprévisible, les couleurs se dissipant et se dispersant, vibrant gracieusement et dépassant leurs limites initiales. Sans titre (Réf 19016) équilibre élégamment la dévotion de Reyna à planifier soigneusement les propriétés linéaires et spatiales de ses compositions tout en laissant les forces de la nature s'emparer du processus et le guider de manière erratique. Reyna est un peintre abstrait argentin vivant à Paris, France. Ses peintures abstraites gestuelles ravissent l'œil et stimulent l'esprit par leurs relations lumineuses de couleurs et leurs explorations habiles de la perspective et de l'espace.

Martin Reyna - Sans titre (Réf 19016), 2019. Encre sur papier. 100 x 150 cm.

Harald Kröner - Yappanoise 33

Yappanoise 33 fait partie d'une des quatre séries en cours de grandes œuvres sur papier inspirées par les mots monstres et néologismes de James Joyce qui renvoient directement à trois aspects de l'œuvre : yappan (utilisation d'encre japonaise), yap (explosion soudaine de marques colorées dispersées sur le papier blanc) et noise (sonorité des couleurs). Les lignes noires et grises, à la fois horizontales et verticales, donnent le rythme et orchestrent l'ensemble, tandis que les plis du papier lui confèrent un aspect plus sculptural. Kröner manipule le papier en appliquant sa technique signature inspirée du montage cinématographique, ce qui aboutit à une exploration minutieuse du pur hasard alors qu'il cherche à trouver l'équilibre entre chance/contrôle et chaos/ordre et à inspirer le spectateur à offrir sa propre interprétation. Kröner est un artiste allemand que l'on pourrait qualifier d'"artiste du papier", produisant principalement des œuvres sur papier et des collages. Son travail comprend également des installations publiques. Il vit et travaille à Pforzheim, Allemagne.

Harald Kröner - Yappanoise 33, 2014. Encre, émail sur papier. 110 x 160 x 3 cm.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine

La série Covers est l'hommage personnel de Freeman aux visuels de couverture des médias de masse de la culture populaire du milieu du siècle. Elle fusionne la qualité et la sensation des estampes d'art traditionnelles avec les graphismes simples de la culture pop. En combinant l'encre à l'eau-forte et l'aquatinte, Freeman accentue son langage visuel réducteur qui met en lumière l'intensité de la physicalité, de l'émotion, de la limitation et du hasard. L'encre est idéale pour souligner sa palette réduite qui capture l'interaction entre le fond et le premier plan alors qu'elle explore les références visuelles des symboles urbains et des motifs architecturaux. Freeman est une peintre abstraite américaine qui crée des peintures minimalistes et réductrices ainsi que des œuvres sur papier, présentant des formes abstraites aux contours nets et des marques gestuelles audacieuses et vives. Elle vit et travaille à New York.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine, 2017. Aquatinte réalisée avec de l'encre à eau-forte Charbonnel à base d'huile, imprimée sur papier 100 % chiffon Copperplate Warm White. 71 x 66 cm.

Margaret Neill - Receiver 1

Neill applique de l'encre noire sur papier pour créer des formations géométriques fluides et troublantes qui incarnent l'intensité et l'expressivité de l'abstraction lyrique. Son approche intuitive et non représentative aboutit à une expression lyrique et éloquente qui repose sur l'intersection des formes multicouches et des surfaces richement travaillées illustrant la fluidité du temps. Receiver 1 examine comment les qualités évocatrices de la terre et du ciel interagissent avec les éléments urbains des objets et de l'architecture alors qu'elle explore sa propre relation avec le temps et l'espace. Neill est une artiste abstraite américaine originaire de l'Ohio, utilisant divers médiums pour créer des images lyriques et gestuelles inspirées par les courbes et les formes non représentatives. Elle vit et travaille à Brooklyn, NY.

Margaret Neill - Receiver 1, 2018. Encre sur papier. 74,93 x 55,88 cm.

Pierre Muckensturm - 174c091011

Cette estampe aquatinte fait partie des efforts de Muckensturm pour approfondir son intérêt constant pour le temps et la perspective. 174c091011 est un polyptyque de neuf éléments qui souligne son engouement pour la constance et la temporalité révélées à travers une dichotomie troublante entre la nature répétitive et cyclique du temps et des événements singuliers et isolés qui perturbent cette harmonie. Il libère son processus créatif en appliquant des marques gestuelles, les scrutant et les transformant progressivement alors qu'il explore comment leur modification en taille, forme, profondeur, ampleur et orientation transmet différentes significations. Muckensturm est un peintre abstrait et graveur français dont le langage visuel est celui de l'harmonie, du calme et de l'intemporalité. Né à Strasbourg, France, il vit et travaille actuellement à Colmar.

Pierre Muckensturm - 174c091011, 2018. Impression aquatinte sur cuivre sur papier BFK Rives 250 g. 156 x 156 cm.

Jill Moser - Billabong

Réalisé par aquatinte avec spitbite et pointe sèche, Billabong révèle l'immersion profonde de Moser dans l'histoire du langage écrit et la sémiotique derrière chaque marque. Sa fascination pour le langage visuel et indexical se manifeste dans ses marques de pinceau robustes qui semblent spontanées et libres, mais qui évoluent à travers un processus méthodique et indexical. Billabong capture les coups de pinceau vigoureux de Moser qui aboutissent à une expression lyrique et contemplative faisant écho à ses états affectifs les plus profonds alors qu'elle équilibre le niveau révélateur et interprétatif, engageant activement le spectateur. Moser est une artiste abstraite américaine dont le travail explore l'intersection de la peinture, de l'écriture et de l'image animée. Elle vit et travaille à New York.

Jill Moser - Billabong, 2008. Eau-forte. 58,4 x 53,3 cm.

Stephen Maine - Pitched Planes 135

Faisant partie de la série Pitched Planes, Pitched Planes 135 est une estampe en relief distincte qui explore la clarté des motifs constitutifs alors qu'ils se fondent en différentes couches. Les estampes en relief sont réalisées à l'aide de surfaces d'impression de différents produits industriels, imprimées avec de l'encre à eau-forte et de la gravure sur bois. La transparence de toutes les couches crée un mélange optique de teintes révélant la fascination éternelle de Maine pour la couleur et ses propriétés matérielles. Dans Pitched Planes 135, il suspend son ego permettant aux phénomènes de composition de se produire avec une interférence minimale de sa part, et le spectateur s'immerge dans les profondeurs spatiales émergentes alors que l'illusion de la troisième dimension apparaît. Maine est un peintre abstrait américain, écrivain, conservateur et enseignant dont les peintures engagent et étendent les idées contemporaines sur la couleur, la composition, la surface et le processus. Il vit et travaille à Brooklyn, New York.

Stephen Maine - Pitched Planes 135, 2004. Monotype en relief. 61 x 48 cm.

Anne Russinof - Ribs 12

Pour Russinof, la couleur est tout - la couleur sert à créer une fenêtre sur l'espace naturel et la lumière. Ribs 12 est sa réaction émotionnelle viscérale matérialisée par la peinture, ancrant profondément son stimulus visuel initial dans la couleur. À mesure qu'elle ajoute des couches, les relations de couleur évoluent ; la profondeur apparaît progressivement et la forme émerge triomphalement. Russinof s'inspire de la quête, d'un mystère qui se déploie, et du suspense qui annoncent l'interaction fascinante entre les couches de peinture humide. Son travail semble spontané et intuitif, dissimulant l'intentionnalité et la préparation qui le sous-tendent. Russinof est une peintre abstraite américaine dont le travail examine la couleur et la structure de manière gestuelle et expressionniste. Née à Chicago, Illinois, elle vit et travaille actuellement à New York.

Anne Russinof - Ribs 12, 2017. Monotype. 46 x 41 cm.

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Image en vedette : Anne Russinof - Ribs 12, 2017, vue d'installation.
Par Jovana Vuković