Sur l'illusionnisme abstrait - Sortir la réalité de l'illusion

Grâce à la propagation de la COVID-19, le domaine de l’art est entré dans une période étrange de platitude extrême, chaque exposition dans le monde étant réimaginée sous forme numérique. C’est donc le moment idéal pour revenir sur le mouvement sous-estimé et mal compris appelé Illusionnisme Abstrait, dont le but était de récupérer l’élément de profondeur. Il y a de fortes chances que vous n’ayez jamais entendu parler de ce mouvement, car il est presque jamais enseigné dans les cours d’histoire de l’art aujourd’hui. Pourquoi ? Mon hypothèse est qu’il a été trop réussi pour son propre bien. Il a été si populaire qu’il s’est étendu au-delà du monde de l’art, dans tous les aspects de la culture visuelle, où il a ainsi été réduit à un simple gadget. L’Illusionnisme Abstrait est essentiellement un amalgame de trompe-l’œil (un terme français signifiant « tromper l’œil ») avec des tendances de l’art abstrait du milieu du XXe siècle comme l’expressionnisme abstrait et l’abstraction géométrique. Les peintres trompe-l’œil trompent les spectateurs en leur faisant croire qu’ils regardent réellement la réalité, abusant l’œil par des textures, des tons et des couleurs hyperréalistes, invitant les spectateurs à pénétrer dans le cadre illusionniste et à disparaître dans le monde peint. La plupart des artistes considèrent l’abstraction comme l’opposé du trompe-l’œil. Les illusionnistes abstraits, cependant, ont trouvé leur inspiration dans l’idée du trompe-l’œil qu’un tableau pouvait devenir un substitut de la réalité. Au lieu d’utiliser cette idée pour reproduire la réalité, ils l’ont utilisée pour faire paraître les éléments abstraits formels comme les lignes, les coups de pinceau et les formes — qui n’ont aucun sens ni rapport avec la réalité représentative — comme existants, en les faisant ressortir vers nous, apparemment comme faisant partie de notre environnement réel. Les artistes associés à ce mouvement étaient si doués dans leur art qu’à la fin des années 1980, lorsque le mouvement était à son apogée, leurs techniques étaient utilisées par tous les graphistes de la planète. Quand on regarde aujourd’hui le langage visuel de cette décennie, tout, des graphismes de jeux vidéo aux pochettes d’albums, emprunte les leçons de l’Illusionnisme Abstrait — un héritage décevant pour un mouvement qui a été si réussi qu’il a été écrasé par le public qui l’adorait.

Perspectives Impossibles

Malgré le sort terrible qu’ils ont finalement subi, les illusionnistes abstraits sont au moins en bonne compagnie. Ils sont rejoints par une longue liste d’autres artistes devenus trop populaires pour que le monde de l’art les aime. L’un d’eux en particulier qui vient à l’esprit est Maurits Cornelis (M. C.) Escher, un artiste néerlandais spécialisé dans la création de gravures sur bois complexes montrant des réalités spatiales apparemment impossibles. Ses images les plus célèbres sont les escaliers qui semblent monter, descendre et aller de côté en même temps, ainsi que son dessin de deux mains se dessinant mutuellement. Malgré le fait d’être l’un des dessinateurs les plus accomplis et les plus rusés de l’histoire humaine, il a été presque ignoré par les initiés du monde de l’art, qui considéraient son travail comme du kitsch. Escher avait 70 ans avant que son œuvre ne bénéficie d’une véritable rétrospective. Pourtant, le travail des pionniers (et bien plus célèbres et respectés) des artistes optiques comme Victor Vasarely et Bridget Riley repose absolument sur les techniques qu’Escher a perfectionnées.

Ron Davis - Ring, 1968. Résine polyester et fibre de verre. 143,4 x 345,6 cm (56 1/2" x 11' 4"). Collection MoMA. Fonds M. et Mme Samuel C. Dretzin. © 2020 Ron Davis

L’Illusionnisme Abstrait a non seulement subi ce même sort, mais les artistes qui l’ont initié ont aussi directement puisé dans les techniques et théories développées par Escher. Les choses dans leurs peintures ne sont pas réelles ; elles ne peuvent pas être réelles ; et pourtant, quand nous les regardons, notre esprit est convaincu de leur réalité. Quand on regarde une peinture de Jackson Pollock, on a le choix de se perdre dans ses complexités ou d’admirer les qualités tactiles de ses couches en empâtement. Mais quand un illusionniste abstrait crée une peinture éclaboussée, notre esprit est sans cesse dérangé par l’illusion que les coups de pinceau et les éclaboussures flottent dans l’espace. La transcendance devient impossible tandis que nos yeux et notre cerveau luttent pour concilier l’illusion. Si nous savons que ce que nous voyons n’est que des motifs, des traces de pinceau et des couleurs, nous pouvons aborder l’œuvre à ce niveau formel. En faisant paraître ces éléments comme existant dans un espace réel, indépendamment de l’intention, du sens ou du sujet, les illusionnistes abstraits nous obligent à les considérer comme de véritables objets, des choses ayant le droit d’exister dans le même monde que les pierres, les peluches de poussière et les bananes, des choses ayant un rôle à jouer dans notre écosystème expérientiel.

Paul Sarkisian - #6, 1981. Acrylique, paillettes et sérigraphie sur toile. 109,2 x 114,3 cm (43 x 45 pouces). © Paul Sarkisian

La Réalité de l’Illusion

Si le trompe-l’œil est l’illusion de la réalité, et l’abstraction l’expansion de la réalité, l’Illusionnisme Abstrait pourrait être considéré comme l’expansion de la réalité de l’illusion. En 1979, le musée d’art de Denver a consolidé l’héritage du mouvement avec une exposition intitulée exactement ainsi : Réalité de l’Illusion. L’exposition a consacré un petit groupe d’artistes désormais considérés comme les pionniers de l’Illusionnisme Abstrait, dont Joe Doyle, James Havard et Jack Reilly. Doyle combinait géométrie et expressionnisme, réalisant des peintures fantaisistes et colorées qui donnent l’impression que cercles, triangles et zigzags flottent dans un espace illusionniste au-dessus de surfaces plates peintes avec éclaboussures, gouttes et traces de pinceau.

James Havard - Airkara Bear's Belly, 1976. Acrylique, pastel et graphite sur papier monté sur panneau. 101,6 x 80,9 cm (40 x 31 7/8 pouces). Galerie Marian Locks, Philadelphie. Acquis auprès de la galerie par le propriétaire actuel, 1976. © James Havard

Reilly, lui aussi, a adopté un langage visuel ludique dans son travail, créant des peintures sculpturales qui semblent jaillir dans l’espace comme des explosions d’énergie dans une bande dessinée, ou des pièces éclatées d’une machine imaginaire rêvée par Francis Picabia. Parmi ces trois illusionnistes abstraits, Havard était le plus réservé. Il créait des compositions sombres qui, tout en utilisant encore ombres et perspective pour faire paraître les éléments flottant dans l’espace, actualisaient aussi des positions esthétiques historiques comme le cubisme et l’art brut de manière contemplative. En regardant aujourd’hui le travail de ces protagonistes et d’autres de ce mouvement mal compris, il est facile de rejeter leurs efforts, puisque les vestiges de l’Illusionnisme Abstrait sont disséminés largement dans la culture populaire souvent hideuse d’il y a une génération. Traitez leur travail de gadget, de ringard, de psychédélique ou de banal. Appelez-le comme vous voulez, mais il reste légitime. Ils essayaient de récupérer la profondeur comme élément formel dans la peinture : une quête sérieuse, et qui, surtout à l’ère de la COVID-19 et de la surcharge d’expositions numériques, a encore beaucoup de sens pour nous aujourd’hui.

Image en vedette : James Havard - Flat Head River, 1976, acrylique sur toile, 183 x 244 cm (72 x 96 pouces). Galerie Louis K. Meisel.
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio