Ce que la Section d’Or signifiait pour le cubisme et l’art abstrait en général

Le cubisme est né des esprits et des pinceaux de Pablo Picasso et Georges Braque. Mais le mérite d'avoir diffusé la connaissance de la méthode cubiste auprès des masses revient sans aucun doute au Groupe de Puteaux, et à leur exposition cubiste emblématique de 1912, La Section d'Or. Les premières peintures cubistes sont apparues vers 1909, provoquant une onde de choc dans l'avant-garde parisienne, ce qui a poussé plusieurs autres peintres à adopter les théories et principes développés par Picasso et Braque. Picasso et Braque commentaient rarement publiquement leurs expériences, mais leurs disciples s'accrochaient à ce qu'ils partageaient et utilisaient ces idées pour formuler un mouvement conceptuel définitif. Parmi les premiers convertis au cubisme figuraient Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger, et les frères Duchamp – Marcel Duchamp, Jacques Villon, et Raymond Duchamp-Villon. Certains de ces artistes exposèrent ensemble au Salon des Indépendants de 1911, après quoi ils commencèrent à se réunir formellement en banlieue parisienne, soit au studio d'Albert Gleizes à Courbevoie, soit au domicile des frères Duchamp à Puteaux. Ce second lieu de réunion donna son nom au Groupe de Puteaux. Lors de ces rencontres, le groupe discutait profondément de ce qu'est et n'est pas le cubisme, et définissait à la fois ses racines et ses objectifs. En 1912, ils avaient une conception pleinement formée de leur méthode, et pour marquer ce moment, ils organisèrent la toute première grande exposition cubiste : La Section d'Or. Pour accompagner l'exposition, Gleizes et Metzinger publièrent « Du Cubism », la première – et unique – explication du cubisme écrite par les artistes cubistes précoces eux-mêmes. L'impact à la fois de l'exposition et de l'essai sur le développement de la culture artistique de leur époque, et sur celle de chaque génération à venir, est impossible à surestimer.

L'Idée d'Or

Le Groupe de Puteaux a appelé leur exposition initiale « La Section d’Or » en référence au « nombre d'or », un concept mathématique vieux de plus de 2000 ans. Ce concept implique des valeurs géométriques qui apparaissent régulièrement dans la nature. C'est une formule objective, mais elle a aussi pris certaines attributions mystiques au fil des siècles. Les artistes de Puteaux discutaient fréquemment de formules mathématiques, y compris le nombre d'or, lors de leurs réunions. Ils ont choisi ce terme comme titre pour leur exposition en raison de ce qu'ils ressentaient qu'il impliquait. En aucun cas ils ne disaient qu'ils appliquaient réellement le nombre d'or dans leur travail. Ils s'intéressaient simplement à ce que l'idée du nombre d'or signifie pour les gens. Néanmoins, les critiques se sont précipités pour chercher des preuves du nombre d'or dans les peintures exposées à « La Section d’Or ».

Albert Gleizes - Les Baigneuses, 1912. Huile sur toile. 105 x 171 cm. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Rectangle d'or (peinture, 1 à 1,618 ± 0,07), grille du nombre d'or (grille dorée/jaune, so1 - so4), et superposition de grille au ratio 4 : 6. Source : wikipedia.

Dans quelques peintures de Juan Gris, ils ont trouvé de telles preuves dans la disposition de la composition, et au moins une peinture de Gleizes avait des dimensions inhabituelles correspondant à la formule. Mais dans « Du Cubism » il est clairement écrit : « Nous ne sommes ni géomètres ni sculpteurs ; pour nous, les lignes, surfaces et colonnes ne sont que des nuances de la notion de plénitude. La géométrie est une science, la peinture est un art. Le géomètre mesure, le peintre savoure. » Pour beaucoup de spectateurs, cette explication est insatisfaisante, surtout s'ils veulent comprendre le cubisme en termes spécifiques. On m'a initialement enseigné que le cubisme était une manière d'exprimer l'espace à quatre dimensions en montrant plusieurs perspectives simultanées – et j'ai écrit cela dans plusieurs articles précédents. Et bien que je croie toujours que c'est une façon précise de décrire de nombreuses peintures cubistes, après avoir lu « Du Cubism » je comprends mon erreur. Le langage du cubisme n'était pas explicitement défini. Il reposait seulement en partie sur la logique, et en partie sur le ressenti, et il a évolué avec le temps. Le but des artistes cubistes n'était pas de définir, mais de suggérer. Comme l'ont écrit Gleizes et Metzinger, « Certaines formes doivent rester implicites, afin que l'esprit du spectateur soit le lieu choisi de leur naissance concrète. »

Juan Gris - Homme dans un café, 1912. Huile sur toile. 127,6 x 88,3 cm. Philadelphia Museum of Art. Exposé au Salon de la Section d'Or de 1912

Erreurs de l'Œil

Même si nous ne pouvons attribuer aucun agenda spécifique aux cubistes, nous pouvons au moins noter l'importance qu'ils accordaient à l'innovation. « Du Cubism » affirme que la seule loi de l'art est la loi du temps. Les artistes ne doivent pas imiter l'art du passé. Ils doivent être de leur propre temps, et s'efforcer de découvrir par eux-mêmes ce que cela signifie. La lutte que les cubistes ont affrontée n'est pas différente à cet égard de celle que chaque génération d'artistes abstraits a affrontée depuis : c'est la lutte pour surmonter la différence entre ce que le public voit, et ce que le public comprend. Gleizes et Metzinger ont écrit : « L'œil intéresse rapidement l'esprit dans ses erreurs. » En partie, ils faisaient référence à leurs propres peintures et à la façon dont les spectateurs les parcouraient rapidement du regard puis sautaient à des conclusions dans leur esprit. Ils espéraient que les spectateurs pourraient apprendre à lire l'art abstrait lentement, en absorbant les différents éléments comme des mots sur une page, attendant que l'œuvre entière soit lue avant de tenter de la comprendre.

Jean Metzinger - La Femme au Cheval, 1911-1912. Huile sur toile. 162 x 130 cm. Statens Museum for Kunst, Galerie Nationale du Danemark. Publié dans Les Peintres Cubistes d'Apollinaire en 1913. Exposé au Salon des Indépendants de 1912.

L'expression de cet humble espoir est une des manières dont « Du Cubism » a influencé chaque méthode artistique développée au cours du siècle passé. Nous voyons aussi son influence dans son expression de « la parenté de la couleur et de la forme », où les racines des enseignements de Hans Hofmann sont claires ; dans son insistance pour que l'art soit « une fixation de notre personnalité : incommensurable, où rien ne se répète jamais », où l'esprit de l'expressionnisme abstrait, du Tachisme, Forma 1, et tant d'autres positions esthétiques se cachent ; et dans son embrassement de « autant d'images de l'objet que d'yeux pour le contempler, autant d'images de l'essence que d'esprits pour la comprendre », où nous entendons l'appel de l'art conceptuel et de l'ère post-Internet saturée d'images. Quelle que soit l'influence future que La Section d’Or, le Groupe de Puteaux ou le cubisme auront encore à offrir, elle est peut-être mieux exprimée dans l'une des dernières phrases de « Du Cubism », où Gleizes et Metzinger ont offert cette pensée : « Les gens réaliseront enfin qu'il n'y a jamais eu de technique cubiste, mais simplement une technique picturale que quelques peintres ont exposée avec courage et diversité. »

Image en vedette : Albert Gleizes - Le Dépiquage des Moissons, 1912. Huile sur toile. 269 x 353 cm. Musée National d'Art Occidental, Tokyo

Toutes les images sont utilisées à des fins illustratives uniquement

Par Phillip Barcio